Hipersonica

Queens of The Stone Age cierran el ciclo de vídeos de ...Like Clockwork con el de 'My God is The Sun'

Chico de plexiglás — Sat, 18 May 2013 16:26:41 GMT

Esta semana por fin hemos podido escuchar al completo el nuevo disco de Queens of The Stone Age, el primero desde la publicación en Era Vulgaris en 2007. …Like Clockwork es sin duda uno de los discos del año, no por esperado sino por esas diez excelsas canciones que incluye y recuperan el tiempo perdido. No han escatimado medios a la hora de dar a conocer su nuevas canciones y el artwork del artista británico Boneface y la animación de Liam Brazier ha ayudado a que casi solo se hable de QOTSA.

‘My God is The Sun’ es el primer single del álbum y el vídeo cierra la campaña de promoción con una historia de Apocalipsis que viene a resumir todo lo contado en las anteriores películas musicales. Como los anteriores es una auténtica pasada lo que este tándem ha hecho en esta colección de vídeos.

Los cuatro jinetes representados por la Peste en ‘I Appear Missing’, la Muerte en ‘Kalopsia’, la Guerra en ‘Keep Your Eyes Peeled’ y el Hambre en ‘If I Had a Tail’.

Y el juicio final llega con esa demoledora frase: el fin es una jodida noche que leemos al principio de este vídeo y como cierre de ‘If I Had a Tail’, la anterior película musical que nos había quedado sin enseñaros. Aquí vemos a un tipo sembrando el terror de noche lanzando por doquier cócteles molotov desde su coche e incluso se atreve a competir con la propia muerte.

En el vídeo de ‘My God is The Sun’, el primer tema que conocimos de …Like Clockwork en un vídeo de la comparecencia del grupo en marzo en el Lollapalooza brasileño, los cuatro personajes de las historias anteriores coinciden en un final de destrucción y caos.

No queda ningún misterio que desvelaros sobre …Like Clockwork, lo único, saber cómo será el libreto que ha preparado el grupo con el arte gráfico de Boneface. El 4 de junio en el mercado vía Matador Records y ya no nos cabe duda: ¡QOTSA rules!

Like Clockwork en Hipersónica

Liars te regalan dos nuevas canciones en las que siguen con enredos electrónicos

Ferraia — Sat, 18 May 2013 09:12:08 GMT

Seguimos con noticias de grupos que acudirán al próximo Primavera Sound la semana que viene. Esta vez es el turno de los estadounidenses Liars, que tras su notable WIXIW en el que dieron un cambio de 180 grados, regalan dos canciones nuevas a través de su web.

Liars continúan afincados en esa rama de electrónica experimental en la que debutaron el año pasado y que dividió a su público, algunos sacando la navaja y otros contentos con el nuevo cambio. Así que estas dos nuevos temas, que puedes descargar a través de este enlace giran sobre este mismo prisma.

Son dos temas sombríos en los que siguen en el embudo electrónico, utilizando cacharrería diversa y vocales pasados por varios filtros de efectos. Aunque te regalan ‘Perfume Tear’, en realidad la que merece la pena escuchar es ‘I Saw You From The Lifeboat’, para la que han hecho un collage con fotos antes de subir a Youtube. En ella, se ve a unos tipos que entran en trance con una electrónica hipnótica. Curiosa la evolución que han tomado.

Descarga | E-mail
Más en Hipersónica | Liars

Cynic en el estudio mezclando: habrá nuevo disco a final de año

Chico de plexiglás — Fri, 17 May 2013 20:59:49 GMT

Excelentes noticias para los seguidores del metal/rock progresivo: tras muchos meses sin saber nada de ellos nos hemos enterado que Cynic están mezclando su nuevo disco que es posible que esté en la calle a finales de 2013. El propio Sean Reinert, batería de la banda norteamericana, lo contaba ayer en su página de Facebook:

Mixing new CYNIC… sounds “kiiiiiiiiler!!!·… Some people are gonna be pissed and others are gonna say “thank you!!!“… I’m with the latter!!!

El nuevo disco de Cynic lo han grabado en Perfect Sound Studios en Hollywood (California) con el ingeniero Jason Donaghy. Por ahora, los títulos de canciones que han trascendido son: ‘Endelssy Bountiful’, ‘Moon Heart Sun Head’ y ‘True Hallucination Speak’.

Sobre cómo será el nuevo material de Cynic, Reinert ha comentado:

Es un nuevo sonido atrevido para Cynic y marca un salto gigantesco en la evolución de la banda. Hemos tenido un montón de tiempo para que desarrollar y componer este material, y finalmente sentimos que esta listo para ser compartido con el mundo. He estado en modo de trío con [el bajista Sean] Malone y [el guitarrista / vocalista Paul] Masvidal puliendo un montón de detalles, y no podría estar más feliz con lo que ha pasado con estas canciones. Están realmente vivas.

Seguro que en breve habrá más detalles de lo nuevo de Cynic, lo primero que nos llega tras el EP Carbon-based Anatomy, editado en noviembre de ~~2001~~ 2011.

Vía | Metal Injection

Coal: primeras impresiones del nuevo disco de Leprous

Chico de plexiglás — Fri, 17 May 2013 16:01:14 GMT

Coal es mas melancólico y oscuro que el festivo Bilateral. Con oscuro no me refiero a más agresivo, pero sí a más severo. Sigue habiendo un gran rango en las dinámicas pero sin saltar entre diferentes estados de ánimo en una misma canción.

Ciertamente, cada nuevo disco de Leprous es una obra maestra y Coal no iba a ser menos. Los noruegos se han superado en este tercer álbum, el primero como cuarteto tras la marcha del bajista Reim Blomquist que en Bilateral había entrado por Halvor Strand, dando un nuevo viraje dentro de los territorios del progresivo que tan sabiamente han recorrido en los últimos años.

Lo primero que llama la atención en Coal es que los teclados que aparecían en primer plano en la mayoría del disco ahora están casi en otro plano, salvo en esa maravilla que es ‘Echo’, donde son el colchón donde los coros en falsete de Einar Solberg son todo un hallazgo. Aunque también hay pianos protagonistas en el inicio de ‘Chronic’.

Y sí, el cantante y teclista toma las riendas de Leprous y se postula como uno de los grandes frontmen del prog internacional. Se puede afirmar que Coal es su disco menos metálico de los tres que han publicado, casi ni rastro del death ni de power, en cambio, como en su anterior entrega, los pasajes técnicos son los que mandan y ese manejo de las dinámicas que pocos dominan como ellos.´

Que Coal va a ser uno de los discos prog del 2013 está claro. Nadie ahora mismo dentro del género puede ofrecer una variedad de registros tan variado como el cuarteto. Eso se aprecia desde que comienza a sonar ‘Foe’, primer corte de los ocho que han grabado. Potencia con control, mucha intensidad y épica a raudales lo convierten en otra joya de su discografía y van tres de tres.

Como bien decía Einar Solberg cuando el grupo nos dio la noticia de que habría nuevo disco en 2013, Coal es más melancólico y oscuro que Bilateral, entendiendo oscuro como más severo no como más agresivo. La atenta escucha del álbum es lo que nos provoca dejaros estas primeras impresiones. Démosle al Play a este álbum que ya tendremos en el mercado el próximo 20 de mayo.

‘Chronic’

‘Chronic’ fue el primer single y es la prueba definitiva para colocar a Leprous como la mejor banda de prog del siglo 21. Hay mucha teatralidad en su desarrollo, equilibrándose melancolía y drama. Y sí, como nos contaba Rosenstock en un comentario a propósito de nuestro post sobre esta canción, hay un cierto aroma Devin Townsend Project en ella.

‘The cloak’

La segunda en la frente. Leprous nos la enseñó con un severo vídeo rodado en blanco y negro en unas minas de su país. Otra genialidad del grupo que nos cautiva con esa melodía amable que Einar Solberg subraya con esa voz en falsete casi imposible. Es el momento más melancólico del álbum y su momento más mainstream.

‘Foe’

Como apertura del álbum con ritmo cortante ya invita a prestar atención. La vena dramática de Leprous aparece en plenitud y enseguida con esos coros épicos nos introducimos en el particular universo prog del grupo. Solberg está pletórico como en el resto de temas y es difícil imaginarse a la banda sin su presencia. Esa combinación de potencia y pasajes en calma chica son reveladores.

‘Coal’

Un corte poderoso en el que Leprous dejan claro en la apertura su paso dentro del death metal. Como en otros momentos, el grupo provoca una dinámica ascendente a partir del minuto 1 y ahí es donde reside la influencia clarísima de Devin Townsend Project. Cambios de ritmo, poderosos riffs y ese ataque progresivo que nos llega a la línea de flotación.

’The Valley’

Es todo un himno y será el enganche para otro tipo de público que hasta ahora no habían enganchado Leprous. Nos quitamos el sombrero ante el exigente trabajo vocal de Einar Solberg, que nos regala unos coros excelsos, casi celestiales, mientras la banda rockea muy fino. Los últimos tres minutos suponen un cambio en la estructura del tema, ofreciendo un pasaje casi de ópera-rock para seguir con ese estribillo embriagador. Enormes en el apartado instrumental.

’Salt’

Mecidos en un balada prog, con un completísimo registro vocal con variedad de falsetes casi de contratenor, Leprous también saben ser amables sin perder ese punto misterioso e intrigante.

‘Echo’

Acaso la segunda parte de ‘Salt’, un tema que sirve de lucimiento para tanto para el vocalista como para el resto de la banda. Ese crescendo ad infinitum prolonga el tema quizás excesivamente, pero señores, Leprous están adscritos al prog. Pasado el minuto 5 cambia la estructura y ese riff embaucador nos trae uno de los mejores momentos del disco. Grandes, sin duda alguna.

‘Contaminate Me’

Metal podríamos considerar el cierre Contaminate Me como un homenaje a quiénes se apasionaron con Aeolia y Tall Poppy Syndrome. Voces guturales, ese doble bombo cabalgando, una intensidad tremenda y un aviso en esos más de ocho minutos y pico para los que echaban de menos la faceta más heavy de los noruegos. Ahí se ve la mano experta de los coproductores, Ihsahn, cuya voz escuchamos, y su mujer Heidi S. Tveitan, que incluso colocan un violín casi orientalizante en medio del agónico final del tema. Sin duda el tema más completo y complejo que han grabado hasta la fecha Leprous.

El veredicto ya os lo podéis imaginar: Sobresaliente con opción a matrícula al final del curso, aunque con esa portada tan chunga igual se quedan en un 9.

Coal en Hipersónica

Al fin: Fuck Buttons vuelven con su tercer disco, 'Slow Focus', el 22 de julio

Ferraia — Fri, 17 May 2013 15:34:25 GMT

Este 2013 está siendo un año de regresos electrónicos muy esperados. Ya están entre nosotros el nuevo álbum de Daft Punk, el de los suecos The Knife, el mes que viene vendrá James Holden tras su parón de siete años y en agosto Moderat. Pero faltaba alguien para la fiesta: Fuck Buttons, que nos han alegrado el día. La fecha que ya tenemos en rojo, si internet les respeta (a ver quién se lo cree) es la del 22 de julio. El álbum se llamará Slow Focus.

Tras Street Horrrsing y Tarot Sport, no eran pocas las ganas que muchos teníamos de conocer alguna noticia sobre el dúo. Al fin cuatro años después de su último álbum y varios proyectos individuales, tenemos lo que queríamos, la certificación de un nuevo LP de Benjamin John Power y Andrew Hung. Por una parte, a la espera de que saquen algún single de avance, estaremos mordiéndonos las uñas para ver con qué nuevos drones y paisajes sonoros vienen. Aun así, hay que resaltar que los que estaremos en el Primavera Sound tenemos todas las papeletas para escuchar esos nuevos temas, ya que el dúo cierra el escenario ATP el jueves.

Y hablando de ATP, estará editado por ATP Recordings, como sus dos discos anteriores. Si bien su anterior álbum estuvo producido por el clásico Andrew Weatherall, en este los ingleses han apostado por la autoproducción, grabando el LP en su Space Mountain Studio. Las expectativas que tenemos después de dos grandes álbumes en los que experimentaron con el noise, los drones y diferentes texturas sonoras en las que se daban lugar la distorsión y vocales sobrenaturales, no son pequeñas.

Ellos dicen que la idea conceptual del álbum gira en torno a luchar contra la agresiva evolución actual. Dicen que se traen entre manos algo “muy extraño”. Veremos qué sale de ahí, el caso es que esperamos uno de los discos electrónicos del año. Será así si han logrado componer joyas como esta:

Tracklist de Slow Focus

1. Brainfreeze
2. Year Of The Dog
3. The Red Wing
4. Sentients
5. Prince’s Prize
6. Stalker
7. Hidden XS

Más en Hipersónica | Fuck Buttons – Street Horrrsing, Fuck Buttons – Tarot Sport: el viaje continúa sin límites hacia arriba

Wire - Change Become Us: ambientes densos y desgarros punk, arrollar no pasa de moda

Ferraia — Fri, 17 May 2013 14:00:44 GMT

Es fascinante en muchas ocasiones ver la trayectoria de los grupos clásicos, comprobando cómo algunos hoy en día se arrastran ante nosotros como cadáveres, incapaces de haber sobrevivido a sus obras cumbre o de simplemente sacar discos medio decentes. Cuando uno lleva décadas en la música, es comprensible; duro pero comprensible. En cambio, es mucho más fascinante observar el recorrido de alguno de estos grupos hasta hoy y ver cómo se mantienen en buena forma, confeccionando álbumes bastante buenos. Es aquí donde entran los ingleses Wire, que con Change Becomes Us dan clases de dignidad y madurez. Una vez más.

Wire, esos tipos que llevan treinta años y mantienen la forma como si nada

Trece discos a la espaldas, una trilogía fabulosa y necesaria dentro del (post-) punk en los años setenta, una modélica adecuación a los ochenta, unos noventa algo reguleros y sumidos en la autoproducción desde la pasada década. Wire es uno de esos grupos a los que mirar con respeto, no sólo por esos tres primeros álbumes que dan vértigo, sino por ser referentes en multitud de bandas posteriores habiendo sido un grupo que operó al margen de la locura que desató el punk en Inglaterra y continuó ahondando en el lirismo y los sintetizadores oscuros que el post-punk hizo suyos, siempre con una creatividad y virtuosismo constantes.

El resultado de Change Become Us no es casualidad, ni tampoco sorpresa; ya en Red Barked Three, su doceavo y anterior álbum, demostraron que aunque Wire llevan dando follón desde 1977, no son esa clase de veteranos empeñados en seguir tocando a pesar de que su declive artístico es obvio. Si bien su último disco era un LP sobrio y bastante completo, en el álbum del que hoy hablamos han vuelto a sacar las garras, a profundizar por momentos en esos ambientes neblinosos en los que se hacen fuertes y, sobre todo, también se hinchan a repartir hostias punk consagradas bajo la marca Pink Flag.

La comunión con Wire, uno de los precursores y mejores escultores del punk y su derivado ‘post’, sabe mejor que con las posturas demasiado encorsetadas a las que en ocasiones recurren los nuevos grupos que se atreven con el género. Es obvio que los ingleses parten con ventaja, no tienen que buscar ningún refugio en el que posicionarse, es por eso que este Change Becomes Us sigue funcionando: un trabajo sin presión, autoproducido, sin la necesidad de convencer a nadie o reclutar a nuevos adeptos. Un álbum que sale cuando les apetece y en el que se encuentran a gusto, ya no tienen nada que demostrar, excepto que el motor sigue engrasado para echarse aún varios kilómetros. Ahora, con un guitarrista nuevo.

Change Becomes Us: abrir discos partiéndote la cara

Este nuevo álbum no es ese disco que deberías haber escuchado antes de morir, ni es un vano intento de reproducir exactamente el tridente de los setenta o la notable simbiosis entre la new wave y el post-punk de los ochenta. Es un trabajo sensato, de una banda conocedora de que ya no puede ofrecer una obra a la altura de sus discos indispensables. Sin embargo, en un gran ejercicio de rescate, evoca por momentos todos esos maravillosos pasajes, cimentados con la trayectoria que han venido siguiendo en la pasada década, con un muy aceptable acierto. Change Becomes Us entra machacando como lo hacía el debut del grupo. Vale, las nuevas canciones no son tan perfectas, pero el arranque del disco deja casi sin respiración, justamente como hacía Pink Flag.

Abrir con el descaro de ‘Doubles & Trebles’ (punteo muy ‘Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle’ de Nirvana) es para poner la otra mejilla y estar de enhorabuena por la furia con la que vuelven a rugir. Recuperan esa garra tan Pink Flag que deja sin aliento. Por supuesto, sería un espejismo si no fuese porque al primer corte le siguen otros tan buenos como ‘Keep Exhaling’ y ‘Adore Your Island’. En el primero Wire ofrecen su santo grial post-punk, esa batería sincronizada y en armonía con el bajo, creando un ambiente pantanoso y un ritmo muy similar (casi se podría decir que se trata de un refrito) al de la perfecta I Should Have Known Better (encargada de abrir 154); en el segundo de nuevo sacan el músculo para enseñar esa enjundia punk que también está en el post-punk y de la que hemos hablado varias veces recientemente en Hipersónica.

Por todas estas características resulta maravilloso comprobar cómo un grupo con más de treinta años a las espaldas es capaz de mantenerse en tan buena forma. Aunque no sorprende con Wire, que son bastante eclécticos y salvo algún desliz, han sabido aclimatarse sin problemas a las diferentes épocas. Pero siempre con su sello personal. A lo largo del LP, después de bajar al ambiente opresivo y golpear, vuelven a soltar un gancho directo a la cara con ‘Stealth Of A Stork’. Lo puedes notar en tu nuca, una banda de viejunos veteranos dándole al punk de tomo y lomo como lo hubieran hecho en los setenta, exigiendo que te doblegues ante ellos.

Así no hay quien se retire

Por otra parte, ese eclecticismo también está patente en el interior del propio trabajo, ya que las sacudidas sonoras y la exhibición de veloces pedales, que ojalá fueran la mayoría en el disco, se encuentra el ambiente subterráneo de Wire mediante cortes como ‘Magic Bullet’ y el rescate al sonido entre oscuro y newavero de los ochenta en ‘Love Bends’. Para finalizar, la embestida de ‘Attractive Space’. Buena a falta de un Reuters. Pero mejor así, tampoco vayamos a exigir que intenten reconstruir una obra magna que les pueda inducir a despropósito.

Wire no se reinventan, pero recogen lo mejor que han dado en los últimos años y se pegan un sobrevuelo bastante explícito por su época de oro. Compositivamente ya han dado lo mejor de sí, pero aún tienen mucho de qué hablar y enseñar por derecho. Porque no son ese viejo senil que en antaño fue alguien y ahora no para de incordiar, incapaz de ver que es un estorbo. Change Becomes Us demuestra que Wire no son un fósil al rico carbono 14, y que la veteranía, más que un grado; a veces es una garantía. La integridad siempre ha sobrevivido a sus continuas separaciones y respectivos regresos a los escenarios.

Hagamos un leve repaso: arrancan el disco con napalm entrando en un proceso de combustión espontánea, entre estas sacudidas y pedaleras punk hay tiempo para el ambiente denso y también para camelar algún acorde de su época new wave. Joder, Wire, de qué vais; dejad de sonrojar a los nuevos grupos cortavenistas.

Wire en Hipersónica

Los siete mandamientos del art punk en siete canciones

Magazine, Wire y Television: el art punk explicado en tres discos

‘Reuters’ y Wire: la crónica apocalíptica que sólo el punk podía alumbrar

'Get Lucky': hasta las cabras quieren tener suerte

Visnuh — Fri, 17 May 2013 13:04:42 GMT

Mientras os ofrecemos una verdadera crítica al Random Access Memories (os recordamos que, por ahora lo que os hemos dado ha sido sólo un “primeras impresiones”, no creáis que la maquina se ha parado con la filtración del cuarto álbum de Daft Punk.

Así, con el “Get Leaky” del dúo galo, sólo se ha conseguido que la cosa explote, floreciendo por aquí y por allá (que para eso estamos en el mes de las flores, ¿no?, versiones, reinterpretaciones, remixes y vergüenzas ajenas varias. Es hora de echar un vistazo a lo más llamativo que hemos encontrado… por ahora.

De entrada, esto ya lo hemos visto en muchas ocasiones; alguien que necesita un empujoncito y aprovecha la canción de moda de turno para darselo. Por supuesto, unos lo hacen con más acierto que otros, y muchos quizás hagan este tipo de cosas por verdadera admiración, pero el poso que queda, lo que entresacamos los que lo escuchamos es que alguien se quiere aprovechar de la fama y del hype que otros tienen o producen. 

Daughter, a falta de The xx…

Es el caso de Daughter, que en su sesión para el Live Lounge de la BBC Radio 1, se hacían una grandísima versión del socarrado ‘Get Lucky’ digna de los mismísimos The xx.

El que buscase algo más movidito que lo que han hecho Daft Punk junto a Pharell y a Nile Rodgers ya se puede ir a buscar a otra parte, que aquí no lo va a encontrar. Todo lo contrario, aquí hay melancolía y tonos sombríos para una canción más digna del otoño que de la primavera o principios del verano. Pero ojo, que saber hallar estos matices en un tema divertido y bailongo como este, tiene casi más mérito que coger los timbales y ponerse a imitar.

Cansei De Ser Sexy, ¿cansadas de no tener suerte?

Que no digo que esté mal lo de coger los timbales, como hacen los (las, ahora que sólo son féminas) Cansei De Ser Sexy, aunque si suenan tan parecido al original, quizás no nos llamen tanto la atención como Daughter, ¿no?

Claro, que si queremos originalidad, sólo hay que esperar a ver como se puede sustituir el vocoder por ladridos humanos. A ver quién les discute que por lo menos sobre el escenario se lo pasan como en la mejor de las fiestas.

The Thirst, sed de éxito

The Thirst son una banda de indie rock británica que, para que engañarnos, no han tenido demasiada suerte. Desde 2008 en que publicaran su único álbum no han publicado más que un EP en 2011 así que, para que alguien se acuerde de ellos, qué mejor que tirar de robots, ¿no?

Y oye, su versión no suena nada mal, cierto, pero tampoco es que vayamos a tirara cohetes por ella. Un poco más eléctrica y rockera, pero poco más, aunque los que critican la voz de Pharrell en el original, quizás estén más satisfechos con la de Mensah.

Postmen: la versión herbácea

Y si queremos algo original, que se salga de lo ya conocido; si lo de Daughter nos parece demasiado triste, o simplemente el tono funky no es lo nuestro, tal vez, y sólo tal vez, los que den con la tecla exacta sean Postmen, una banda holandesa que se dedica al reggae.

Si el tema de Daft Punk ya es bastante festivo tanto por su música como por su temática, un pequeño giro hacia la música jamaicana por excelencia aderezado con algo del producto típico de las coffee shops holandesas puede ser el empujoncito definitivo. Decir sólo que no, que el de los teclados y la chaqueta blanca no es Nile Rodgers y que esperamos que la chica embarazada no haya recurrido a ninguna sustancia herbácea en su estado.

Pitbull, hasta en la sopa

Hasta ahora habíamos ido más bien en serio, pero con esta empezamos con las versiones “chorra”. Esta precisamente ni es versión ni es del todo chorra; sólo nos hace falta echarle estómago para aguantar los primeros segundos en los que Pitbull no ha querido perderse la fiesta.

En ellos, el omnipresente rey de la colaboración, el “rapero” por excelencia, que parece no tener bastante con la fama que ya acumula por sí mismo, ha querido meter una de sus rimas y su toque de chulería habitual con ese “pueden decir lo que quieran, pero yo hago lo que ellos no pueden”. Justo lo que necesitaba ‘Get Lucky’, aunque Pitbull no necesita suerte, al fin y al cabo: él es el Chuck Norris de la música, ¿no?

Être Chanceux, la traducción

 Algún francés no debe estar muy contento de que sus compatriotas escriban sus temas en inglés y ha querido ponerle remedio al asunto y ya de paso ponérselo más fácil a todos aquellos que en sus tiempos tuvieron que estudiar el idioma del país vecino en lugar del inglés.

Se agradecen sus buenas intenciones, que no sus dotes vocales, porque para falsetes malos, éste, sin discusión posible… Hay gente con muy poco sentido del ridículo por el mundo.

La Daft Kumbya

Claro que, para poco sentido del ridículo, casi tan poco como el que exhiben los autores de ‘La Cumbia De Goku’ (Youtube) tenemos también otra cumbia para los que no entiendan ni el francés ni el inglés.

En español, queriendo suerte, tenemos esta versión apócrifa capaz de saltarle las lágrimas a cualquiera (con un mínimo de buen gusto, claro). Y vosotros, ahora que queda claro que ella “danza hasta el albá”, ¿queréis suerte esta noche?

Igor Presnyakov y la bossa

Menos mal que entre los covers se pueden encontrar cosas muy dignas, como esta interpretación casi íntegramente instrumental a ritmo de bossa nova y tan sólo con una guitarra de este señor llamado Igor Presnyakov.

Vale que lo suyo es la guitarra y no el cantar, pero después de lo que hemos escuchado en francés y en español, ¿no habría que poner a este tío en un altar?

El flautista de Getluckín

Mucho menos digna es la revisión de este tipo ¿Ivan Thønder? de quien no sabemos si entiende de gaitas, pero nos queda claro de flautas entiende un rato.

Lo que tampoco sabemos es si en su país es una señal de buen gusto u hospitalidad hacerte pasar al cuarto de la lavadora, en albornoz y tocarte una cancioncilla sentado sobre un arcón congelador y rodeado de cubos y otros útiles de limpieza… Otro enigma nórdico más por resolver.

Ellie Cole, la dancing queen con suerte

Ellie Cole es otra víctima de internet. Sus 5 minutos de fama se han multiplicado y alguno de los vídeos que protagoniza en Youtube se acerca ya al millón de visitas. Ella es una chica normal, una secretaria que a diario coge el autobús para ir a trabajar, (bueno, en eso ella no es normal, tiene trabajo) y allí fue pillada in fraganti.

No sabe resistirse a mover el cuerpo al ritmo de la música que escucha con sus auriculares, y mientras que todos dicen que es a ABBA y su ‘Dancing Queen’ lo que oye mientras llega el 22, nosotros sabemos a ciencia cierta que es el ‘Get Lucky’ de Daft Punk lo que la hace moverse sin remedio… al fin y al cabo, ella si que tiene suerte; tiene trabajo.

Extra: ‘Goat Lucky’

Y como extra, dejamos lo mejor para el final, la irremediable versión cabrona. Ya os contamos como la “moda goat“ estaba causando furor en el mundo de la música en Youtube con una colección de greatest hits digna de la banda con más historia, así que, ‘Get Lucky’ (o ¿debería decir ‘Goat Lucky’?) no iba a ser menos quedándose fuera.

Aquí tenéis a los robots, el cantante, el guitarrista y el ganado caprino, todos juntos y ¿revueltos? en la reconstrucción más desternillante de todas las que hemos visto del tema más quemado de los últimos meses.

Hasta aquí hemos llegado… hoy, porque estoy seguro de que, en no demasiado tiempo, podríamos volver a llenar todo un post, tan largo como este, como mínimo.

Random Access Memories en Hipersónica

Daft Punk – Random Access Memories: todo lo que debes saber

Habemus fecha y nombre para lo nuevo de Daft Punk: Random Access Memories, el 21 de mayo

Las diez mejores canciones de Daft Punk: moved el bullate, malditos

Daft Punk confirman su fichaje por Columbia

Daft Punk, iconos pop para público no electrónico, la ruptura del mercado

Daft Punk siguen sumando colaboraciones: ahora es el turno de Giorgio Moroder, pero, ¿para cuándo su nuevo álbum?

Daft Punk trabajando con Nile Rodgers: ¿serán funk sus próximos temas?

The Collaborators: Daft Punk detallan las colaboraciones en Random Access Memories

Daft Punk sacan al ruedo a su segundo colaborador, Todd Edwards

Pharrell Williams se une a la fiesta del hype de Daft Punk en la nueva muestra de ‘Get Lucky’

Daft Punk, originales en el hype hasta para darnos el tracklist de Random Access Memories

Daft Punk dejan escapar ‘Get Lucky’: escucha el primer single de Random Access Memories

Random Access Memories: primeras impresiones de lo nuevo de Daft Punk

Daft Punk – Random Access Memories: todo lo que debes saber

Daft Punk: repaso discográfico

Low en concierto en Zaragoza (Teatro de las Esquinas, 15-05-2013): rocas sobre el escenario

Andrés P. Mohorte — Fri, 17 May 2013 12:00:43 GMT

Low son esclavos de las apariencias. Al menos lo fueron el miércoles en Zaragoza. Impolutos y elegantes, construyeron una maquinaria pesada y delicada, fría y cercana, que arrasó con lentitud y parsimonia a los varios centenares de personas que poblaron el Teatro de las Esquinas. Low son gélidos sobre el escenario. Rocas inamovibles, previsibles y pétreas. Es su forma de entender la música y de expresarla. Y la aplican con pasión, aunque sea imperceptible en muchas ocasiones, y un dominio escénico sencillamente admirable. Un concierto sobrio corre el riesgo de derivar en un concierto aburrido, pero Low controlan tan al dedillo sus virtudes y sus defectos que, de forma nada sorprendente a tenor de lo que sucede sobre el escenario, logran imprimir el elemento clave, la piedra filosofal de su discografía, el motivo por el que lograron embobarme: la tensión.

Low en directo: la tensión contenida

Low son tensión contenida. Canciones lentísimas, labradas en canteras de marmol a un fuego de velocidad desconocida. A primera vista resulta sencillo imaginar cómo las composiciones del grupo, veinte años a sus espaldas, se tambalean y se derrumban tratando de llenar todos los espacios vacíos que dejan sus silencios. Pero Low trascienden más allá de su, en ocasiones, minimalismo sonoro. Y de su, en ocasiones, tendencia al tedio. Si en sus grandes discos consiguen de forma inigualable repetir una y otra vez la misma fórmula con un efecto emocional y artístico asombroso, en sus directos, o al menos en el directo al que tuve la suerte de asistir, sostuvieron con cables de acero los andamiajes de sus canciones. Y allí se quedaron, suspendidas en el aire. Flotando tan densas que todos los presentes podíamos agarrar una parte de ellas y moldearlas a nuestro antojo.

Low nos ofrecieron sus canciones. Las edificaron, porque muchas de ellas son tan graves que están a un paso de solidificarse. En directo ganan aún más empaque, sin que esto, como podríamos sospechar, suponga detrimento de su especial delicadeza. Como una pala excavadora acariciando a un gatito, Low conjugaron con envidiable facilidad la profunda y desasogante sensación de derrota emocional que transmite I Could Live In Hope con el martillo pilón de la guitarra de Alan Sparhawk y el tremendo bajo de Steve Garrington. Sin concesiones, encadenaron una canción tras otra. Hicieron la bola de granito cada vez más y más grande. Un nuevo tema apuntalaba al anterior. Y si alguno de ellos, de épocas recientes, amagaba con flaquear y tirar por la borda todo el edificio por culpa de un piano demasiado melodramático o por coqueteos disimulados con el dad rock, allí que llegaban los Low más áridos y agresivos para que todo volviera a estar en su sitio.

Nada como manejar el repertorio de uno mismo. Low son conscientes de a qué suenan sus canciones. Y no se permiten la frivolidad de encadenar más de dos seguidas del mismo corte. Puede parecer extraño viniendo de un grupo monolítico como ellos, pero en directo las diferencias entre unas y otras se aprecian con mayor agudeza. No es lo mismo, por ejemplo, el frenético impulso de ‘On My Own’ nada más comenzar el espectáculo (sin saludo alguno, faltaría más, las formas ante todo) que perderse entre la dulce voz de Mimi Parker en ‘Especially Me’. Ambas canciones fueron interpretadas con maestría, cada una de sus dos últimos discos, y de algún modo sirvieron de hilo conductor argumental a Low durante los primeros compases del concierto. Las dos canciones, como todas en realidad, sonaron mucho mejor sobre el escenario que en los discos. Es posible que esto sea sólo una ilusión, pero eso ya es un mérito indudable por parte del grupo.

Sentado, en medio del escenario

Creo que por primera vez en mi vida asistía a un concierto sentado. El recinto, también apto para actuaciones teatrales, ofrecía la posibilidad de comprar entradas en grada. Y, bueno, si hay algún concierto en el que merece la pena observar lo que sucede en el escenario como un espectador de cuarenta años supongo que ese concierto es el de Low. Por un momento temí no conectar con lo que sucedía en el escenario, de estar demasiado lejos, de ser aún más frío que las canciones de Low. Ninguno de mis temores se hizo real en cuanto sonaron los primeros acordes. El poderío llenaba toda la sala. Era imposible no estar en medio de los tres, observando con fascinación las imágenes aleatorias que servían de complemento visual a el repertorio de Low. Allí que lanzaban sus pesadas redes los tres, y allí que caíamos todos. En ‘Canada’ o en ‘Words’, daba igual la canción. Low nos atrapó incluso en las más insulsas.

Es posible que la crónica esté quedando demasiado elegíaca. No fue el mejor concierto de mi vida, pero sí fue uno muy bueno. Cabe destacar que, como consecuencia natural de la música de Low, el ambiente colectivo de la sala era bastante limitado. Nada que objetar. El dolor se llevaba por dentro. Low saben de antemano que juegan ese papel, y se limitan a su guión. Es la perfección en toda su magnitud, tan asombrosa como fría. Por encima de lo normal, por debajo de lo extraordinario. Las canciones de Low son bellas, dolorosas y redentoras. Y en directo crecen tanto como podría esperarse de ellas. Ni más ni menos. Sin alardes. Formales y elegantes, tanto como el aspecto del grupo. Como el recibimiento del público. Como deberían ser todos los conciertos en la madurez.

Low en Hipersónica

Cancelado el concierto de Rodriguez en el Primavera Sound: concierto de consolación el 8 de julio y Chucho como sustitutos

Poliptoton — Fri, 17 May 2013 08:17:28 GMT

Últimas horas moviditas antes de la celebración del Primavera Sound. Sólo unas horas después de que os recomendáramos el concierto de Rodriguez como una de las mejores opciones para la tarde del sábado, el management del artista emitía el siguiente comunicado a propósito de su cancelación en el festival Weekend des Curiosités, donde tenía previsto actuar el día después de su concierto en Barcelona:

Con el objetivo de preservar su salud con vistas a una gira de muchos meses, Rodriguez se ha visto obligado a tomar la difícil decisión de cancelar la primera semana de su gira europea, por lo que no podrá tocar en el Weekend des Curiosités de Toulouse el 26 de mayo.

Cuatro conciertos han tenido que ser cancelados: Toulouse, el Primavera de Oporto, el Primavera de Barcelona y el concierto de Amsterdam.

Esto es lo que decía esta mañana Gabi Ruiz, uno de los máximos responsables del festival, en el foro oficial del Primavera…

Efectivamente, la noche ha sido larga… Hemos estado dándole vueltas al asunto y hablando con la familia para ver qué podíamos hacer. La salud de Rodríguez no es buena y creo que por un exceso de inexperiencia han cargado demasiadas fechas en su gira y ya lo empieza a pagar. No tengo claro de que aguante muchas más por mucho que se tome un tiempo para descansar. Aún así seguimos hablando con ellos a ver si hay manera de salvar la situación. A media mañana os cuento algo más.

Después, Ruiz anunciaba una nota de prensa a mediodía con “una solución que pensamos que hará felices a parte de sus fieles. Aunque no a todos”. Pues bien, esa solución ha sido programar una especie de “concierto de consolación” el 8 de julio en el Poble Espanyol de Barcelona. Quienes tengan entrada de día podrán devolverla siguiendo el procedimiento indicado en la web del festival. Allí también se informa de que quienes dispongan de un abono o entrada de día para la jornada del sábado 25 y decidan asistir igualmente al festival, tendrán la oportunidad de adquirir un ticket válido para el concierto de Rodriguez abonando la cantidad de 5€.

La sorpresa ha sido conocer el nombre del sustituto de Rodriguez en el Primavera Sound: nada menos que Chucho, la banda de Fernando Alfaro recientemente reunida. Todavía no hay confirmación de quién será el recambio en el Optimus Primavera Sound de Oporto, donde también estaba programada la actuación del de Detroit.

Sunn O))), los alquimistas del tono, regresan a finales de año

Cronopio — Fri, 17 May 2013 08:00:44 GMT

Poco, muy poco sabemos de Sunn O))) más allá de que Stephen O’Malley y Greg Anderson son las personas que se esconden bajo esas enigmáticas túnicas. Adoradores de Earth, la banda de Seattle que inventó el Drone allá por inicios de la década de los 90, accedieron a una fama inaudita en nuestro país para un grupo de sus características en el año 2009 gracias al impresionante concierto que dieron en el festival Primavera Sound, cuya edición de este año está a la vuelta de la esquina.

Todo el secretismo que rodea a la banda y la filosofía autárquica que siguen, tanto en lo artístico como en lo económico, ha llevado a que muy pocos se acordasen de ellos a pesar de las múltiples colaboraciones en las que se ha embarcado el dúo estos últimos años, siendo Ensemble Pearl o los splits con los japoneses Boris algunas de ellas.

El caso es que, al parecer, tienen previsto regresar este año al mercado discográfico con la continuación del turbador Monoliths & Dimensions, objetivo para el cual ya ha puesto la maquinaria en marcha. Una de las medidas adoptadas ha sido poner a disposición del público de TODO el catálogo discográfico en el que han participado, ya sean discos propios o colaboraciones, desde su nuevo y flamante bandcamp, o la futura creación de una tienda online desde la que distribuirán merchandising de todo tipo.

Si sois de los que disfrutáis mientras vuestro cerebro vibra en vuestras cabezas a merced de las prácticas alquimistas de Sunn O))), y además, sois fans de toda la iconografía que rodea a la banda, supongo en este artículo habréis encontrado dos gratas noticias. Yo de momento ya he cambiado la nota que puse a Monoliths & Dimensions en RYM, es lo que tiene ser un #sincriterio. Si no, preguntadle a Natxo Sobrado.

Vía | SuicideByStar

Los cordobeses Estirpe ya están preparando su séptimo disco

Cronopio — Thu, 16 May 2013 15:00:43 GMT

Enclaustrados en medio de ninguna parte pero con acceso a una piscina para refrescar las ideas tras el arduo trabajo que supone un proceso de grabación, los infravalorados Estirpe se encuentran en pleno proceso de elaboración del que será su séptimo disco, sexto si dejamos fuera al acústico El sentido de la calma.

Tras una carrera ascendente (la cual en unos días os desgranaré) que tuvo su punto álgido en el magnífico Buenos días Voluntad, la banda de Miguel Ángel Martínez (conocido por ser hijo del vocalista de Medina Azahara y por tener bastante más talento que su padre) se tomó un merecido descanso interrumpido por el proceso de grabación de su primer DVD en directo El tiempo, un placer para detener, el cual fue lanzado el año pasado.

A pesar de encontrarse en el mejor momento de su carrera, la marcha del bajista de la banda, Jose Miguel Panadero, cerca ha estado de truncar los planes de grabación de este séptimo disco del cual aún no tenemos título aunque sí la promesa de que, según la propia banda, va a volver a sorprendernos. Para llevar a buen puerto esta nueva empresa han ‘fichado’ al bajista Pepe Bao, miembro de los también andaluces O’funk’illo y uno de los mejores bajistas de este país.

Nunca he arrugado la nariz ante la perspectiva de un nuevo disco de Estirpe. En esta ocasión tampoco lo voy a hacer, deseándoles toda la suerte del mundo y anhelando, en secreto, que refuercen los matices andaluces que siempre han estado en su música aunque hayan ido perdiendo presencia desde su primer disco. Los que han leído mis últimos especiales creo saben por donde voy…

Delirios de grandeza by Estirpe on Grooveshark

Right Thoughts, Right Words, Right Action será el título del nuevo disco de Franz Ferdinand

Poliptoton — Thu, 16 May 2013 13:47:28 GMT

Sabíamos que Franz Ferdinand estaban grabando nuevo material, pero no teníamos muchas más noticias sobre ellos y su futuro y la cuestión es que ya han pasado más de cuatro años desde la edicion de su último trabajo hasta la fecha, Tonight, el cual por cierto yo defiendo firmemente (y esto me hace inmensamente popular en la redacción de Hipersónica, como podéis imaginar). Bueno, pues su sello Domino acaba de hacer públicos los primeros detalles del nuevo disco: se llamará Right Thoughts, Right Words, Right Action, ha sido grabado entre Londres, Estocolmo, Oslo y el estudio de Alex Kapranos en Glasgow y saldrá a la venta el próximo 27 de agosto.

Poco cuentan, eso sí, acerca del sonido de este nuevo trabajo y parece que habrá que esperar para ver si continúa por la senda electrónica à la DFA de su anterior entrega, vuelve a las guitarras rápidas y los estribillos o tira por la calle de en medio. El grupo ha lanzado un breve trailer que incluye apenas unos segundos de un tema que da título al disco y en el que parece adivinarse un regreso al sonido de sus dos primeras referencias. Pero en fin, ‘Ulysses‘ tuvo bastante de pista falsa, así que habrá que esperar.

El disco saldrá a la venta en multitud de formatos, desde el CD y el vinilo sencillos a una Deluxe Passport Edition que incluirá dos canciones adicionales, y se compondrá de diez canciones. Éste es el tracklist confirmado:

Right Action
Evil Eye
Love Illumination
Stand On The Horizon
Fresh Strawberries
Bullet
Treason! Animals.
The Universe Expanded
Brief Encounters
Goodbye Lovers & Friends

Más en Hipersónica | Franz Ferdinand y sus covers del pasado Record Store Day pasados por el filtro de los remixes, Franz Ferdinand confirmados para el Primavera Sound 2012: ¿Primavera FIB?

El Dreambeach Villaricos cierra su cartel con Chris Liebing, Loco Dice y Laidback Luke

Ferraia — Thu, 16 May 2013 13:39:43 GMT

El Dreambeach Villaricos, que tendrá lugar los próximos 9 y 10 de agosto en la playa de Villaricos (Almería), ha cerrado hoy su cartel con 28 nuevas incorporaciones tanto de carácter internacional como nacional. Entre los grandes artistas anunciados, destacan principalmente tres: Chris Liebing, Loco Dice y Laidback Luke.

El nuevo festival andaluz ya tiene confeccionado al completo su cartel, que no es especialmente espectacular, pero no está mal para un nuevo evento musical que a ver si hay suerte y se consolida de una vez en Almería, tras la fuga del Creamfields a Xerez. Veremos cómo se comporta este sustituto. De momento, tiene a favor la ubicación, la famosa playa de Villaricos en al que se ubicaba el primer Creamfields.

Como ya anunciamos, junto con los nombres de Vitalic, Prodigy, Anthony Rother o Ben Sims entre otros, se aseguran una primera línea de cartel muy decente, apuntalada hoy con el potente y arrollador techno de Chris Liebing y las sesiones minimalistas de uno de los habituales a la hora de pinchar sesiones minimaleras, Loco Dice, que se encargará de realizar un opening especial. Asimismo, el otro gran nombre, de tirada más comercial y que atraerá a bastante gente sin duda, es Laidback Luke, productor de house con múltiples colaboraciones, remixes y bastantes recursos, ya que navega con bastante facilidad por las ramas más rompepistas del house, desde vertientes más cercanas al techno o a producciones deep.

Pero no sólo hay tech house veraniego como el que trae Robert Dietz, también hay artistas de calado dubstep para el personal como Borgore. Por otra parte, en el plano español complementan esta último avance reconocidos djs españoles amigos del progressive house como Álex Sánchez & Javi Martín o Raro & Morini.

Asimismo, también están los horarios del festival. En cuanto a las entradas, el abono es de 50€ y de 65€ con camping. La entrada del viernes vale 40€ y la del sábado 30€.

Más en Hipersónica | Pendulum, Ben Sims y Henry Saiz, nuevos nombres para el Dreambeach Villaricos, Mauro Picotto y Paul Ritch encabezan las nuevas confirmaciones del Dreambeach Villaricos

Hexvessel - Iron Marsh: ninfas como musas y el bosque como hogar

Cronopio — Thu, 16 May 2013 11:00:51 GMT

Supongo que esto del cambio climático y que hayamos convertido nuestro planeta, nuestra casa, en un lugar inhabitable es algo que os tendrá tan preocupados como a mí. Que nuestros mares se hayan convertido en el verdadero destino de los esputos con los que rebosan nuestras fosas sépticas y que nuestros bosques hayan pasado de ser nuestro abrigo y fuente de alimento al vertedero al que van a parar todos esos embases que fabricamos y desechamos de forma compulsiva, es algo que, supongo, os quitará el sueño. Con la intención de remover conciencias y recordaros que estamos hablando de algo muy serio vienen los finlandeses Hexvessel, siendo los bosques, naturales y sobrenaturales, su principal fuente de inspiración.

Y es que esta banda finlandesa ha recurrido, muy inteligentemente, a todo lo que rodea al concepto de bosque y su relación con la mitología escandinava, utilizándolo como arco argumental de una carrera cuya progresión está convirtiendo a Hexvessel en una de las bandas más interesantes de todo el panorama europeo actual. Alegorías, mitos o escenificación de la más cruda realidad, ese es el vehículo utilizado por los de Tampere para que miremos al bosque no sólo como ese lugar enigmático en el que nos da miedo adentrarnos tras el ocaso, sino también como el lugar en el aprendimos gran parte de lo que sabemos y al que debemos todo, o casi todo lo que somos. Iron Marsh es la última constatación de todo esto.

Hexvessel: la psicodelia que viene del frío

Surgidos tras la mudanza de su líder, Mat Merney, hasta Helsinki en 2009, Hexvessel se configuraron como un grupo de Folk-Rock para el que la fusión entre las músicas de los años 60 y 70 y el misticismo natural del Folk de su país de origen son claves. Su debut discográfico, Dawnbearer, supo reflejar con brillantez todas estas influencias sin dejar de lado matices propios del Occult Rock, el cual se escondía tras los sonidos acústicos.

El año pasado lanzaron No Holier Temple, disco que tomó el Folk acústico del álbum de debut como punto de partida para un ejercicio más centrado en la psicodelia y sonidos aún más lúgubres, cercanos al Doom más clásico en algunos momentos. El sonido medieval y teatral de este segundo álbum les granjeó comparaciones con bandas de la talla de Faun o Wardruna, aparte de la consideración por sectores de la crítica especializada de que se habían alejado del Occult Rock tras la inclusión de elementos jazzísticos, el refuerzo de la psicodelia y la aparición del Rock Progresivo.

De cara a este 2013 no es de extrañar que la anterior afirmación se mantenga por parte de algunos sectores críticos a pesar de que, como sucedió en No Holier Temple, el Occult Rock no haya desaparecido ni haya dejado de ser importante, sino que la propia evolución de los fineses les ha llevado a ir planteándolo de una manera un tanto distinta.

Con tanto árbol muchos no son capaces de ver el universo

Precisamente en los ligeros cambios de planteamiento, en las diferentes perspectivas desde las que Hexvessel han contemplado el Folk-Rock en los dos discos anteriores, es donde muchos se han perdido a la hora de analizar la evolución del sonido de la banda finesa. Como si de un paseo por el bosque en una noche de luna llena se tratase, Hexvessel no se guardan nada a la hora de sorprendernos, turbarnos o sobrecogernos, recurriendo a todo tipo de argumentos que cuentan con la belleza y elegancia características del Folk de los fineses como ejes fundamentales.

The only way into the universe is through a clearing in the forest. Find the doorway to the end of the world and go through it

Claro ejemplo de ello es el gigantesco ‘Masks Of The Universe‘, tema que da inicio al EP y que, a pesar de los trece minutos que dura, se hace muy pero que muy corto ante el impresionante despliegue de Folk, Rock Progresivo y toneladas y toneladas de ácido lisérgico mientras nos recuerdan que el mundo se nos ha ido de las manos y la única solución es volver a empezar quemándolo todo con llamas purificadoras.

El tema inicial, el cual ocupa más de un tercio del minutaje del EP, marca las constantes en las que se mueven los fineses en este lanzamiento, el cual proviene del proceso compositivo de No Holier Temple a pesar de que en lo sonoro se distancie un tanto del citado ejercicio de 2012. El regrabado ‘Tunnel at the End of the Light‘ llega a recordarme en cierta medida a los Opeth de Damnation, cuestión que cerca ha estado de convertirse en un leitmotif en mis múltiples experiencias con este álbum a pesar de las diferencias obvias, tanto de ejecución como de planteamiento.

Como nota curiosa, Iron Marsh cuenta con ‘Woman Of Salem‘ como sus de los momentos más brillantes, siendo el tratamiento que dan a la versión de la controvertida Yoko Ono y su magnífica inclusión en el contexto artístico del álbum la constatación del talento de la banda finlandesa y la demostración de que son una banda con un mundo propio el cual no para de expandirse a pesar de que paradójicamente, en lo lírico, no paren de resaltar que el universo se nos está yendo al carajo.

Demostración de la calidad de este largo EP, dura más de 30 minutos, es que se nos pasa volando y nos deja con ganas de más, de mucho más una vez acaba ‘Don’t Break de Curse‘ entre distorsión y lamentos oníricos. Aparte de esto, la inteligencia de su planteamiento, la brillantez en lo letrístico y la riqueza artística demostradas, lo convierten en un lanzamiento que, a pesar de no ser un larga duración, va a tener una importancia tangencial no ya solo en la carrera de una banda com Hexvessel (pues confirma el status emergente de la banda a nivel europeo), sino también a la hora de destacar el legado musical de este año que aún no ha llegado a su ecuador.

No estamos en la época del año más adecuada para caer una y otra vez en un disco como Iron Marsh, pero quien sabe, quizás un paseo por el bosque sea la mejor forma de huir del calor asfixiante que se encuentra detrás de la esquina. Eso sí, si decidís visitar la naturaleza recordad, recoged toda vuestra basura y no dejéis rastro. De lo contrario me temo, las profecías de Hexvessel se acabarán cumpliendo.

Iggy Pop, de Raw Power a Orcasitas Power

Natxo Sobrado — Thu, 16 May 2013 08:06:43 GMT

Sí, sonríe, normal. Se lo ha tenido que llevar muerto. Presume aún de cuerpazo, de desgastados abdominales y la languidez pectoral que la edad no perdona. Aguanta a los nuevos bufones convertidos en un prime time por el que llueven millones de cadena a cadena con experimentos de la caja que regalan los reyes magos, pero él sonríe. Este año se han cumplido los 40 años de aquel Raw Power (1973, Columbia) con David Bowie en plan mecenas rescata contorsionistas llamados Iggy Pop. Aún podemos notar ese sabor refressscante de las burbujas.

De Muskegon, Michigan, a Detroit y a partir bocas. Y de allí a Londres en 1973, 30 años antes de pisar Orcasitas, donde Iggy Pop podría convertirse en el nuevo embajador de la candidatura del Madrid 2020 a poco que le dejasen descubrir la zona antes de llevárselo a la Caja Mágica para dar ruedas de prensa entre peloteo y peloteo de Rafa Nadal y nuestros queridísisisimos políticos. Orcasitas Pop, en dos días Pitchfork hablaría de escena. Podríamos hacer un nuevo Raval y poner bicicletas para alquilar al ritmo del Raw Power.

La culpa de tanta hostia gratuita en los conciertos de aquella época de Detroit no era suya, era de la sociedad, que nos oprime, él solo quería imitar a sus queridos The Sonics y The MC5. Él quería ladrar, contonearse y que alguien le convirtiese en estrella, para pagarle los vicios, la misma que ha acabado promocionando refrescos amarillos con un nuevo producto “adulto”.

Londres primera parada clave para que Iggy Pop llegase a Orcasitas. Londres y su querido David Bowie que es un buen tío y no solo coge prestadas las chaquetas ajenas sino que logra que sus colegas entren en sus sellos gracias a su ayuda y producción. 1971, el Max’s Kansas City como local donde se gestó el flechazo entre Bowie e Iggy Pop, el Max’s como pre-CBGB con The Velvet Underground monopolizando la pista. Ya habría tiempo de comercializar el Punk más tarde.

El otro día Juan Tallón me decía una idea clave y que sin su permiso comparto: “Me exijo mucho a mí mismo cuando escribo, pues al fin y al cabo pongo mi firma, que es el poco pero todo el patrimonio que tengo, y eso se traduce en mucho tiempo de trabajo“. Por casualidad volví a encontrar el Raw Power en la biblioteca de iTunes, volví a subir el volumen a todo gas y a pensar qué pocos en este momento nos mantenemos íntegros ante ese patrimonio, esa firma, ese ideal tan bucólico, ese ‘This Note’s For You‘ de Neil Young o esos ahí te quedas de Van Morrison tras acabar el concierto y la falta de un ¡VIVA ORCASITAS! que corear y aplaudir.

El Proto-Punk.

Lo mismo ese viaje hacia Orcasitas Pop al que a veces nos acabamos bajando muchos por comodidad es el ‘Gimme Danger’ que cantaba Iggy Pop hace 40 años.

gimme danger, little stranger
and I’ll give you a piece
gimme danger, little stranger
and I’ll feel your disease.

O lo mismo es solo una justificación, que hay que comer, y si de paso es con una bebida chispeante pues mejor aún. Al menos algunos tienen un Raw Power bajo el brazo para irse a Orcasitas o a Torrevieja.

Fotos | Zimbio, Lainformación
Más en Hipersónica | Cuando Iggy encontró a Bowie
Más en Hipersónica | Iggy and the Stooges – Ready to Die: diez motivos para salir huyendo de este disco

Rodriguez: encontrando a Sugar Man [Especial Primavera Sound 2013]

Poliptoton — Thu, 16 May 2013 07:01:16 GMT

Si algo no se le puede negar al Primavera Sound en la mayoría de ocasiones es el don de la oportunidad a la hora de elaborar su programación, una capacidad para traer a quien tienen que traer cuando tienen que traerlo. La regla tiene excepciones, claro (a fin de cuentas, un festival siempre es en gran parte un cúmulo de casualidades derivadas del número de artistas que sacan disco y/o giran por Europa en un determinado año), pero en general basta un repaso a carteles de años anteriores para confirmar que así ha sido con frecuencia. Y la presencia de Rodriguez en la edición de este año no hace más que confirmarlo.

El fenómeno Searching for Sugar Man

Rodriguez era un perfecto desconocido para el gran público hasta que hace algo más de un año se estrenó en el Festival de Sundance el documental Searching for Sugar Man, dirigido por el sueco Malik Bendjelloul. La cinta, un brillante relato que se llevó el Oscar en su categoría, cuenta de manera muy hábil la rocambolesca historia de este músico. Sixto Díaz Rodríguez es un músico de Detroit que llegó a sacar dos discos a comienzos de los años 70. Ninguno de ellos vendió una escoba y su sello Sussex Records se libró de él cuando estaba preparando un tercer disco que nunca existió. Desanimado, Rodriguez abandonó la música y volvió a su trabajo en la construcción: a pesar de haber publicado dos verdaderas joyas, no le había tocado la varita mágica del éxito y tuvo que resignarse a llevar un vida humilde.

Hasta aquí una historia más de artista incomprendido. Lo sorprendente viene cuando se descubre que hubo un lugar donde Rodriguez sí alcanzó el éxito: Sudáfrica. Sus canciones protesta se convirtieron en himnos de la lucha contra el apartheid y en aquella siniestra época, venciendo a la censura, se convirtió en un ídolo y vendió millones de discos, sin que él lo supiera y sin que (por supuesto) nadie le hiciera llegar ni un duro en royalties. La película reconstruye a continuación la gira triunfal que emprendió por el país a finales de los noventa, una vez desvelada la historia y confirmado que no se había suicidado como se pensaba (sí, el cartel del Primavera es un enorme spoiler en esta ocasión).

Recientemente se han oído algunas voces que aseguran que el filme simplifica en exceso la historia, cuando no directamente la exagera en algunas partes. Efectivamente, parece que su éxito se amplió al menos también a Australia, donde (como una rápida y sencilla búsqueda en Wikipedia puede confirmar) llegó a grabar un disco directo en 1981. Y parece que hay alguna laguna más en la historia. Pero poco importa: ni a efectos cinematográficos (la película sigue siendo espléndida y tendrá una coartada para acusación que se le pueda hacer) ni, desde luego, musicales, porque esos dos discos siguen estando ahí y siguen siendo magníficos. El Primavera Sound se apunta el tanto de traer al músico en pleno fenómeno Rodriguez (el documental ha sido un pequeño fenómeno en los cines españoles, rozando el medio millón de euros de recaudación con una exhibición mínima) y todos contentos.

La música de Rodriguez

Es inevitable acabar de ver la película y lanzarse a devorar esas dos joyitas escondidas que son los discos publicados de Rodriguez. Cold Fact fue editado en marzo de 1970 y su continuación, Coming from Reality, no mucho después, a finales de 1971. Es difícil, y probablemente innecesario, establecer diferencias entre ellos y mucho menos hablar de evolución: son dos trabajos tan próximos cronológica y estilísticamente que se pueden tomar como uno solo y, de hecho, la banda sonora de Searching for Sugar Man toma de uno y otro sin que sea fácil distinguir a qué trabajo pertenece cada corte. No hace falta ser un erudito para escuchar a Rodriguez y que a uno le venga inmediatamente a la cabeza el nombre de Bob Dylan: es evidente que las semejanzas están ahí y, teniendo en cuenta la fecha y las coordenadas artísticas en las que se movía nuestro protagonista, es absolutamente razonable que así sea y ello no tiene que restarle mérito. De hecho, si nos ponemos quisquillosos y pensamos que en aquel momento Dylan acababa de lanzar el doble y algo indigesto Self Portrait, de hecho podemos hasta decir que alumno superó al maestro durante un rato.

La sobredosis de dylanismo, pues, no desmerece en absoluto la calidad de las canciones ni niega la posibilidad de, pese a todo, crear un sonido personal. Rodriguez maneja las claves del folk americano de la época con toques psicodélicos sin renunciar a la melodía. Sus canciones mantienen un agradable equilibrio entre lo combativo y desencantado y una cierta esperanza: las letras de Rodriguez hablan de un panorama que está extremadamente jodido, pero ni se recrean en ello ni consideran que todo esté perdido. Y tanto los cortes más llenos de adornos (’Sugar Man‘, ‘I Wonder‘) como los más desnudos y cercanos al escalofrío (’Crucify Your Mind‘, ‘Cause‘) jamás pierden de vista al pop y consiguen un perfecto equilibrio que dotan de una envidiable solidez a ambos trabajos. Lo mejor que se puede decir de sus canciones es que tienes la sensación de haberlas estado escuchando toda la vida aunque apenas las hayas descubierto hace unas semanas. Y eso es un piropazo.

El concierto de Rodriguez en el Primavera Sound

Había dos opciones para un concierto como éste: o Auditori o concierto flower power con el público sentado en la hierba al atardecer, un poco al estilo de Fleet Foxes hace un par de años. Pues bien, la opción escogida ha sido la segunda y Rodriguez actuará el sábado 25, cuando todavía pegue el sol, a las 19.45, en el Escenario Primavera, antaño el escenario principal del festival y hoy desplazado por el Mordor/ATPC/Calahorra. Y sí, lo que hay ahí hace años que dejó de ser hierba, pero es lo más parecido que tenemos. No tiene demasiada competencia a esa hora (bandas pequeñas en escenarios pequeños: The Sea and Cake, Melody’s Echo Chamber, Cayucas), así que puede ser una alternativa relajada para quienes quieran empezar tomándoselo con calma y reservar fuerzas para las turbulencias de más tarde. Es, en todo caso, una magnífica opción dentro del cartel del festival.

Así fue el paso de Black Sabbath por el último capítulo de CSI: Crime Scene Investigation

Chico de plexiglás — Thu, 16 May 2013 06:45:44 GMT

Ozzy Osbourne decía hace unos días que Bill Ward no podía acabar con la reunión de Black Sabbath; y así ha sido, aunque el paripé que han hecho en un capítulo de la última temporada de CSI: Crime Scene Investigation raya lo bizarro. La banda formó parte del argumento de este capítulo con una actuación en un club en el que presentaron ‘End of The Beginning’.

Bueno en realidad tocan una parte de este tema y se dejan los mejores momentos. Y a Ozzy se le va la pinza animando a un público de atrezzo que en nada tiene que ver con el que está asistiendo a sus conciertos. Mientras tanto, Ted Danson (Cheers) y Marc Vann comentan la actuación de Black Sabbath.

El tema es para la banda uno de los hits de 13, el primer álbum de Ozzy, Tony Iommi y Geezer Butler en treinta y cinco años. En el escenario está con ellos el batería Tommy Clufetos, aunque quien grabó el disco fue Brad Wilk de Rage Against The Machine.

Disfruten del vídeo los que puedan, a mí me ha parecido un pastiche puro y duro.

Vía | Blabbermouth
Más en Hipersónica | Black Sabbath – 13

Cuatro discos de los que nadie habla que merece la pena tener en cuenta

Chico de plexiglás — Thu, 16 May 2013 04:21:16 GMT

Tantos son los discos que se publican todos los meses que es imposible, aun teniendo un sistema de expurgo, poder escuchar todo lo que realmente nos interesa. Y al final nos quedamos con los álbumes de los de siempre, haciendo que el círculo se acorte y todo lo que se salga de ahí es algo de lo que no queremos saber nada. Hay discos que te llegan de rebote y sin tener ninguna referencia acabas por meterlos en la mochila y prestarles la atención que quizás en otras circunstancias no tendrían. Entre un sinfín de aspirantes hoy os voy a recomendar cuatro discos de los que nadie habla y que merece la pena tener en cuenta.

The Bad Plus – Made Possible

The Bad Plus es un trío fundado en Minessota por el bajista Reid Anderson, el pianista Ethan Iverson y el batería David King. Made Possible (Universal es su octavo álbum de estudio y para su grabación decidieron alejarse de su ecosistema, volando a Nuwva York, a los estudios The Clubhouse con Pete Rende como ingeniero de sonido. Incluye ocho temas propios y una versión de ‘Victoria’, de Paul Motian.

Para entender a este trío hay que tener en cuenta su formación clásica que han diversificado hacia terrenos ajenos al jazz convencional o al free jazz, sea rock, pop o new wave. Han versionado entre otros a Bowie, Pixies, Neil Youg, Radiohead, Tears For Fears y Nirvana, y por ello su música instrumental se ha enriquecido alejándose escurridizamente de lo que se podía esperar de ellos.

Made Possible supone un paso adelante de The Bad Plus para desmarcarse de sus anteriores entregas. Utilizan bases de sintetizadores y batería electrónica que suman a su paleta acústica. Es un trío de piano, bajo y batería, sí, pero en él encontramos como ellos bien dicen himnos de pulso acelerado, melancolía a raudales, atrevidas yustaposiciones, contorsiones plenas de ritmo y un sentido magistral de cada tema. Para empezar a disfutarlos, ¿qué te parece el cadencioso ritmo de ‘Pound to Pound’?

MF/MB – Colossus

MF/MB son de Bollnäs, una ciudad en el centro de Suecia, en la que crecieron este joven quinteto que debutó, ya con base en Malmö, en 2010 con Folded. Con este disco se les relacionó con LCD Soundsystem o The Rapture, y pudieron meter incluso un tema en la serie CSI:NY. Pero Colossus (Adrian Recordings) es un nuevo comienzo para una banda que navega entre el kraut-rock, el electro-pop de New Order o una onda de rock oscuro pero muy bailable como el de ‘The Worst Dreams’, segundo single del álbum.

Hasta hay quien los sitúa en un imposible cruce de caminos entre Arcade Fire y The Gaslight Anthem, aunque ahí mismo también estarían Titus Andronicus. Aunque cualquiera podrá encontrar en esa y en el primer sencillo del álbum, ‘Casualties’, referencias que ellos en ningún momento han escondido.

Como curiosidad, antes de la salida de Colossus MF/MB editaron Colossus Premixed, un disco de remzclas, toda una estrategia para situar al quinteto en la pista de baile.

V.O. – On Rapids

V.O. es una formación de indie pop de libro. Vienen de Bruselas y al frente de esta banda esta Boris Gronemberger, colaborador habitual en el pasado de la cantante Françoiz Breut. On Rapids (Humpty Dumpty-Matamore) es el tercer álbum de estudio de esta banda en la que también milita Aurélie Muller, ex vocalista de Soy Un Caballo.

El disco tiene un barniz inconfundiblemente familiar pues ha estado grabado y mezclado por John McEntire (Tortoise) en su estudio Soma de Chicago. When You See Red es el tema de presentación de este sexteto que elabora una música pop bella y luminosa pero también nostálgica.

En On Rapids hay toques de viento-metal, baterías que subrayan las melodías vocales y un sentimiento jazzie representado en ese single. Lo mejor está en la primera mitad del álbum que funciona mejor cuando las canciones son en inglés.

UltraRouge – UltraRouge

UltraRouge es el proyecto de Thalia Be, ex cantante de los malagueños Addictive Larsen, quien se ha unido a Mr. Conde (Santos de Goma) para crear estos doce temas en francés e inglés biselados sobre un rock que mira al electro o al pop francés. Ella misma lo ha llamado electrochic: “base electrónica, pero mucha guitarra, mucho rock & roll, violines reales, canciones garageras, temas muy de torch girl”.

Thalia B ejerce de femme fatale, de na PJ Harvey hibridada con Brigitte Bardot y Patti Smith. UltraRouge apuntan maneras y sea ‘Ma recette’ o ‘Thumbsucker’ los primeros temas a los que hincarle el diento, los casi cincuenta minutos de este debut de título homónimo que llega a través de Green Ufos.

...Like Clockwork: primeras impresiones de lo nuevo de Queens Of The Stone Age

Gabihey — Wed, 15 May 2013 18:13:09 GMT

Era de esperar, tras semanas a casi canción y vídeo por día, el esperadísimo nuevo de trabajo de Queens Of The Stone Age, …Like Clockwork se ha filtrado esta misma tarde, y en calidad inmejorable, -¿autofiltración? – en nuestros barcos piratas favoritos de la red.

Recapitulemos un poco antes de entrar en harina. Primero, los desérticos se encargaron de ponernos los dientes largos con la lista de colaboraciones de su primer trabajo en cinco años. Después vino la presentación de la nueva formación (Josh Homme, Troy Van Leeuwen, Dean Fertita y Michael Shuman) y de ‘My God Is The Sun‘ en el Lolapalooza brasileño. Más tarde vendría la presentación de ‘I Appear Mising’ y la autofiltración de ‘I Sat By The Ocean’ y ‘If I Had A Tail’. Por último, si hace unos días nos quedábamos prendados de ‘Kalopsia’; la actuación de QOTSA para la emisora belga Studio Brussell, nos dejaría el imponente tema con el que se abre el disco y del que os hablaba hoy mismo Black_Gallego, ‘Keep Your Eyes Peeled’.

Las conclusión a día de hoy y antes de darle al play es muy clara: expectativas por la estratosfera. En cierto modo es lógico. Estamos hablando de uno de los bastiones del stoner rock de EE.UU, estamos hablando de Josh Homme y estamos hablando de un parón de cinco años tras un Era Vulgaris de lo más descafeinado. Aún así, lo dicho, estamos hablando de un grupo que ha firmado cosas como Songs for the Deaf: #RESPECT.

Ha llegado el momento, cerremos los ojos, ajustemos los auriculares y preparémonos para uno de los discos del año o una de las decepciones de la temporada. Y es que, las medias tintas no son para el desert rock. PLAY.

‘Keep Your Eyes Peeled’

“Hola, somos Queens Of The Stone Age y por si no nos conoces, esto es lo que hacemos”, parece decir el increíble tema que abre el disco. Ese sonido pesado a más no poder, esa línea de bajo llevando el peso de la canción, esas rupturas de guitarra y batería (en este caso, a cargo de Joey Castillo). Si la RAE registra alguna vez el concepto “palotismo” en el diccionario, debería empezar por ‘Keep Your Eyes Peeled’. Una manera inmejorable de abrir una vuelta tras un lapso de cinco años y que además, violoncello mediante (¡!), engancha a la perfección con el tema que le sigue. No se puede pedir más.

‘I Sat By The Ocean’

Un poco de la misma manera que ‘Millionare’ y ‘No One Knows’, ‘Keep Your Eyes Peeled’ y ‘I Sat By The Ocean’ funcionan estupendamente en pareja. Se trata de la melodía que viene después del golpetazo, de esas preciosas líneas de guitarra a cargo de Josh Homme que vienen tras la bestialidad rítmica del bajo más stoner. Y todo eso, sin perder el ritmo machacón característico de su robot rock salvo en los también clásicos puentes made in QOTSA. Otra delicia de tema para lucimiento del líder del indiscutible front man de californianos.

‘The Vampyre Of Time And Memory’

Y la bizarrada tardó solo dos temas en aparecer. Me refiero al synth clavado que acompaña al piano que abre ‘The Vampire Of Time And Memory’ un tema por otra parte de lo más blues. Si no de qué, ese solazo de guitarra en el 1:20. Se trata de una canción atípica para Homme y los suyos, una balada de rock clásico con tintes, efectivamente, blues, que de algun modo responde a la pregunta de qué hubiera pasado si… Led Zeppelin hubiesen hecho robot rock.

‘If I Had A Tail’

No me lo explico. Este tema con importantes tintes glam en el que colaboran Alex Turner, Nick Olivieri (esos coros de ultratumba) y Brody Dalle a mí me suena irremediablemente a los NIN de Pretty Hate Machine. Y no, por aquí se supone que no ha pasado Reznor. En fin, el caso es que pese a ser un tema que inicialmente no gustó nada a mi compañero Chico Del Plexiglás, a mí me encanta. Y es que, por lo que a mí respecta, los QOTSA de Lullabies to Paralyze, los QOTSA más accesibles e incluso bailables, los de las palmas fáciles en concierto, son tan buenos o más como los QOTSA de Rated R.

‘My God Is The Sun’

Y aquí está, el motivo que todos estábamos esperando para marcar bien en rojo el 18 de julio, fecha del único concierto programado de Queens Of The Stone Age. Un verdadero pepinazo, carne de directo, con todas esas líneas de guitarra entremezcladas y esa maravilla de batería a cargo de Dave Grohl. Grohl, que está nada más y nada menos que al mando de las baquetas en seis de los diez temas (todos excepto ‘Keep Your Eyes Peeled‘, ‘I Sat By The Ocean‘, ‘‘Kalopsia’‘ y ‘…Like Clockwork‘) se luce en lo que mejor sabe hacer, esos golpes rítmicos de caja y tambor que cortan el estribillo en, sin duda, uno de los mejores temas del álbum.

‘Kalopsia’

Ahora sí. El tema en colaboración con Trent Reznor no nos puede gustar más. Y digo nos, porque si a Chico de Plexiglás le gustó, a mí lo cierto es que me ha ganado con cada escucha. Se trata de un tema de lo menos QOTSA, pero que al mismo tiempo abre una interesantísima vía de evolución para el grupo antes inexploradas. Se trata de un tema con importante influencia psy, envuelto en una atmósfera made in Reznor de lo más oscura, que acaba por romper hacia al final con unas líneas rítmicas y de guitarra que terminan por balancearse y cerrarse sobre sí mismas. Una verdadera joya.

‘Fairwater Friends’

Tenía que haber un pero. Estaba claro. Es escuchar la primera estrofa y echarse las manos a la cabeza. Parecía imposible, pero Elton John ha conseguido fagocitar no solo a Josh Homme, sino a Trent Reznor, a Nick Olvieri y a Mark Lanegan que también colaboran en el tema. Queens Of The Stone Age haciendo rock estadio, señores, ver para creer. Ni unas guitarras aceptables salvan el desaguisado de ese piano tan cansino y esos coros que se tropiezan una y otra vez los unos con los otros. ¿La parte positiva? La primicia de saber que ‘Fairwater Friends’ será firme candidata a sonar en el autobús del Bayern cuando Guardiola anime a los suyos.

‘Smooth Sailing’

Pero tranquilos todos. La cosa parece que remonta y de nuevo con el toque glam. ¿Eso que suena es Prince cantando en un disco de QOTSA? Pues parece que sí, y ni tan mal. Lo cierto es que para una fan fatal de temas como ‘You’ve got a killer a scene there man’, ‘Smooth Sailing’ supone un acelere y puesta a punto de una de las cosas que mejor saben hacer Josh Homme y los suyos: temas con alto contenido sexual. Y es que un disco de QOTSA sin su particular ‘Auto-Pilot’ no es un disco de QOTSA.

‘I appear Missing’

Otra sorpresa. Esta vez para bien. Se trata del adelanto que menos gustó por aquí y sin embargo, lo bien que queda en el disco. Llega de una manera lógica, como un tema de transición hacia un final anunciado. Recupera ese típico riff horror vacuii de los QOTSA de Era Vulgaris, pero lo hace con dignidad, asumiendo su papel refrescante en el conjunto del disco. Todo un acierto. Incluyendo – inexplicablemente – esa última aparición del espíritu de Prince hacia el final.

‘Like Clockwork’

Y final. Josh Homme vuelve a echar mano del piano y del falsete más agudo en el imponente tema que cierra el disco. Un tiempo lento en el que se recoge un poco de esa atmósfera psy de ‘Kalopsia’ y al mismo tiempo se revisa el toque blues de ‘The Vampyre Of Time And Memory’. Soprenden agradablemente esas cuerdas en el crescendo hacia la mitad del tema y que el clasicismo y el toquecito viejoven suene ~~esta vez sí~~ realmente bien. Sin duda, una manera soberbia de cerrar un álbum que, a primera escucha, se siente alucinante.

Like Clockwork en Hipersónica

El Spotify de Google: Google Play Music All Access

probertoj — Wed, 15 May 2013 15:20:51 GMT

9,99 dólares. Ése es el precio que Google ha anunciado hoy para la cuota mensual de suscriscripción de Google Play Music All Access, el rumoreado ataque de Google a la línea de flotación de Spotify. Streaming con acceso desde los dispositivos móviles y desde la web y con acuerdos con la industria discográfica para que el catálogo no deje de crecer (de momento, 20 millones de canciones, asegura Google).

De momento sólo está disponible en EEUU, aunque si os hicisteis con la cuenta de Google Music en la primera oleada, antes de llegar a España, os aparecerá la oferta de probarlo gratis. A estas horas, mientras todavía se desarrolla la Google I/O 2013, si queréis probarlo os dará error en el servidor.

Google Play Music All Access: servicios y precio

Este nuevo servicio de Google Play Music también nos dará acceso a radios y recomendaciones personalizadas en función de los artistas y grupos que hemos escuchado. También playlists diseñadas por la propia gente de Google Music. Y, claro, tendremos acceso a nuestra biblioteca personal con las canciones que hemos subido nosotros a la nube, sin necesidad de que estén dentro de las que ofrecen las discográficas. Un buen combo que mezcla lo mejor de Spotify con lo bueno de Amazon Cloud Player o iTunes Match… pero aún sin llegar a las capacidades de almacenamiento de la oferta de Amazon (hasta 250.000 canciones propias).

De momento, sólo se anuncia una única tarifa mensual, a 9,99 dólares, que habrá que ver cómo se transforma, si lo hace, en su salto al mercado internacional. Ni opciones de menor precio pero con funcionalidades capadas (como ofrece Spotify), ni pagos anuales con descuento respecto al mes a mes.

Play Music All Access: extras y disponibilidad

Google ha hecho hincapié en dos puntos fuertes del servicio: el motor de recomendaciones y ese caballo ganador que es permitir el streaming de lo que no tienes con lo que no tiene el propio Play Music All Access. Además, ha asegurado que habrá una “radio sin reglas”, que permitirá a los propios usuarios crear emisoras de cualquier artista en concreto.

En cuanto a dispositivos, se podrá acceder a Google Play Music All Access desde cualquiera de ellos, ya que cuenta con funcionalidad desde cualquier navegador. Además, estará disponible en Android y también en iOS a través de la aplicación nativa de Google Music que ya existe para ambos sistemas operativos. Por supuesto, habrá posibilidad de crear playlists desde la propia aplicación y otras funcionalidades que ya deberíamos dar por básicas y sin embargo no siempre se cumplen.

Queens Of The Stone Age sacan su vena más macarra en 'Keep Your Eyes Peeled'

Black Gallego — Wed, 15 May 2013 15:11:19 GMT

Parece que Josh Homme y los suyos no se cansan de estar en boca de todo el mundo. Todos los medios van a casi post diario dedicado a hablar de todas las novedades que Queens Of The Stone Age van soltando hasta que llegue la fecha, cada vez más próxima, para que todos podamos echarle el guante al ansiado …Like Clockwork. El 4 de junio está a la vuelta de la esquina, pero se nos hace eterno para poder escuchar al completo un disco del que ya hemos oído más de la mitad de su contenido.

Tras enseñarnos ayer un fragmento de ‘Kalopsia‘, ahora nos presentan el vídeo de su tema ‘Keep Your Eyes Peeled‘, que ya pudimos oír hace unos días en su versión en vivo y nos dejó un sabor de boca inmejorable. No por nada ha sido una de las candidatas en nuestra querida sección del jitazo de la semana. Esta vez la banda nos lo presenta con otro curradísimo y brillante vídeo de Boneface, que está haciendo maravillas para decorar este nuevo trabajo de #veryconservative y su pandilla.

Los que ya hayan oído la versión en directo no se encontrarán nada nuevo, pero eso no es excusa para no ponerse este tema una y otra vez en bucle. Ese riff de guitarra tan basto y oscuro que suena mucho a Stoner, pero pasado por un pozo de brea. Una línea de bajo sucia y adictiva que nos llama al palotismo y Homme volviendo a hacer gala de gran vocalista. Con todo lo que llevamos oído de …Like Clockwork, casi seguro que el regreso de Queens Of The Stone Age después de tanto tiempo va a ser uno de los más sonados y destacados del año. Y este tema será una grandiosa apertura para el álbum.

Daft Punk: repaso discográfico

Natxo Sobrado — Wed, 15 May 2013 14:01:16 GMT

Daft Punk son un buen caso de estudio respecto a los que les rodea más que a sí mismos, que no dejan de ser un dúo correcto de electrónica con un gran álbum y dos malos, uno muy malo, horrible, sí. Ahora andamos con ellos de vuelta en Random Access Memories (2013, Columbia) y ese estudio mejora aún más puesto que se reabre la polarización entre el culto a cuando alguien considera a un grupo bueno por ser (supuestamente) íntegro a un sonido (que hasta hace dos días le era tan indiferente como una vichyssoise) o denostarlo por venderse al capital y que lo escuche hasta mi abuela en el telediario. Tres álbumes resumen la discografía de Daft Punk y la amplitud de miras de muchos.

Homework (1997, Virgin)

Apoteósico, insuperable, perfecto, “disco redondo”, disco de culto, disco insuperable, disco generacional… Se han dicho tantas cosas sobre Homework que parece que haya que bajar la cabeza y decir sí a todo por pensar lo contrario. Homework es un coñazo. Es el House sin alma, la culminación del House machacón que se ha cargado todo el poso negro que llevaba en los inicios de Chicago hasta lograr embasarlo en un tetabrick de plástico, ponerle una etiqueta cool y venderlo en grandes superficies. Adiós a cualquier groove querido.

Homework es PUM PUM PUM PUM en un momento en que el Big Beat estaba triunfando con guitarras y electrónica, al tiempo que el Trip Hop y el Downtempo seguían rellenando recopilatorios. Los mejores años de la electrónica. Salvo ‘Around The World‘ y ‘Da Funk‘ el resto son carne de incitación a las compras en tiendas de moda low cost con olor a plastiquele.

‘Rock’n Roll‘ es uno de los peores temas de Daft Punk en ese intento de pachanga de verbena que ha acabado convirtiéndose en dogma de fe indiscutible. Para este sonido mejor irse a los distintos 12” de AFX, un tipo de producción más orgánica y con mayor fuerza, puestos a buscar caña. Aunque con Homework la caña se busque entrando al mar con los pantalones remangados por si se te mojan los bajos.

El Electro de sus queridos artistas recitados en ‘Teachers’ (siempre viene genial tener algo así para adueñarse de los valores positivos ajenos y de paso facilitar la tarea al plumilla) acaba transformado canciones anodinas, en pequeños fogonazos donde el Funk no existe pero se le reivindica, al igual que el Acid donde las tabletas de mascar se han transformado en una base de cemento armado sobre la cual rebotan distintos secuenciadores. Qué diferencia de uso de samples de los grandes artistas frente a ‘High Fidelity’.

Homework es el culmen de una década que tras el subidón inicial volvía a tocar el suelo sobre el cual coger fuerzas para el próximo siglo. En la sombra el resto ya se encargaría de levantar lo tirado.

Discovery (2001, Virgin)

Discovery es el mejor álbum estructurado dentro del mainstream y de paso del resto de escena, puestos a generalizar, de los últimos años. Es un álbum conceptual en el mejor sentido y no en el de máquinas de pin ball y Elton Johnes horteras. Te coge en el segundo uno, te mete el sample de ‘More Spell on You‘ de Eddie Johns, te canta el ‘One More Time’ las veces que haga falta y no te deja suelto hasta que en ‘Veridis Quo‘ se pasan de nuevos vástagos (lejanos) de papá Moroder y le hacen casi un calco al productor italiano.

Ahí comienza el descenso con calma, ‘Short Circuit’ es lo que antes ha sido ‘Superheroes’ o ‘Voyager’, pequeños altos en el camino de un álbum con un inicio hasta ‘Nightvision’ de escándalo. Las cinco primeras canciones funcionan como una sola de 21 minutos. Ni silencios de salida al final ni entrada con subida gradual. La unión son unas campanadas para los tres primeros cortes.

Discovery es el álbum con el que Daft Punk se merecen toda la gloria por lo eficaz de su producción. Si solo pudiésemos salvar un himno ahí estaría ‘One More Time’ con su correspondiente corte abajo prolongado con el que yo me vengo arriba cual hooligan. Qué manera de estirar esa sensación entre bucles de panderetas, sintes y voces filtradas cantándole a la evasión.

No son los únicos puntos positivos. Está el Synth Funk metido en ‘Harder, Better, Faster, Stronger‘, jitazo quemado por los creativos publicitarios sacados de una tómbola, el bajo del medio tempo ‘Something About Us‘, está el éxtasis de Hi-NRG de ‘Superheroes‘ y de ‘Crescendolls‘, hasta las guitarras cutres filtradas de ‘Aerodynamic‘ y ‘Digital Love‘ de los 80 merecedoras de una pira casan aquí.

El sonido de la infancia de Daft Punk convertido en un álbum enorme.

Human After All (2005, Virgin)

De cuatro en cuatro, sin buscar explotar demasiado la gallina de los huevos de oro en álbumes de estudio, aunque sí con alguna parada en forma de directo o remix, Virgin tenía que hacer caja. Human After All vuelve a ser el tercer cambio que Daft Punk propone. Si alguno bueno tienen los franceses es su escaso estatismo en una fórmula que les ha funcionado y podrían haber estirado más.

Con Discovery ya adelantaron su entrada al Electroclash, aunque desde ‘Teachers’ ya dejaron claro que el Rock, entendido de la forma más amplia, es parte de su caldo de cultivo (‘The Brainwasher’ es la continuación de ‘Rock’n Roll’). El Electroclash como tal es uno de los mayores mojones que ha podido dar la música electrónica y en los primeros años del 2000 lo sufrimos bastante. Human After All se hace un Bowie y llega tarde a los Miss Kittin & The Hacker, Vitalic, Ladytron y Felix da Housecat (quien se salva de tanta quema).

2005 es el año del horror del Electroclash. El año en que sale este Human, el OK Cowboy de Vitalic, el Witching Hour de Ladytron y el Odyssey de Fischerspooner. Rock y Electro. A estas alturas el House que en algún momento pudieron tener ya ha desaparecido. El Big Beat tiene una continuación a su altura en forma de canciones de anuncio y de vuelta a la farra de verbena.

Era difícil mantener la excelencia de Discovery y más aún el poder de algunos himnos sueltos. En Human no hay himnos, más bien hay genocidios (‘The Prime Time Of Your Life’). Es mejor no pensar en el camino que abrieron algunos nombres como Kraftwerk, Afrika Bambaataa o DJ Hell porque en el tercero de Daft Punk esto acaba en un best seller de tapa blanda regalado con un periódico gratuito en una gasolinera.

Y a partir de aquí, con ‘Television Rules The Nation’, Justice cogerían el relevo del público dos años más tarde.

El jitazo de la semana: Primal Scream - '2013'

Visnuh — Wed, 15 May 2013 13:32:22 GMT

Que sí, que sí… que ya lo sabemos: esta ha sido la semana Daft Punk. Todos los trending topics, posts y artículos de media red y comentarios en redes sociales y blogs han sido acaparados por el dúo robótico galo, pero como a nosotros nos gusta llevar la contraria, no vamos a hablar de ellos en el Jitazo de esta semana… Además, no podemos insertar ningún corte todavía, así que para qué preocuparnos.. Ya habrá tiempo, que me huelo que este lanzamiento va a dar mucho la lata a lo largo de los próximos meses.

El jitazo de la semana: Primal Scream – ‘2013’

2013 es el año que nos ha tocado vivir, el enésimo de la crisis (¿alguien se acuerda de cuándo empezó esto?), el de las subidas, el de los incumplimientos… Pero ‘2013’ es también el título de nuestro Jitazo de esta semana, firmado y protagonizado por B.

Y no, no penséis que el título de estos más de nueve minutazos de una de las mejores canciones que le hemos oído a Bobby Gillespie es por casualidad. Él no vive en España, pero esta situación, los ricos sin escrúpulos y todo lo que nos ha llevado hasta aquí no es exclusivo de nuestro país. Crítica feroz en forma de música y estandarte de More Light.

Y como todas las semanas, antes de continuar, ¿cuál es vuestro jitazo para dentro de 7 días? Aunque nos podemos imaginar algo por aquí…

Loading…

El jitazo de los lectores: Pet Shop Boys – ‘Axis’

Vosotros, los lectores, nos habéis salido esta semana menos reaccionarios, pero con una buena elección: ‘Axis’, lo último que hemos podido escuchar de Pet Shop Boys.

El tema con el que Neil Tennant y Chris Lowe adelantan Electric es cuanto menos desconcertante. Por un lado es lo más parecido a los PSB de toda la vida, y a la vez lo más alejado de los PSB de los últimos tiempos. Un tema de lo más bailable, y con apenas protagonismo para la voz de Tennant. A ver qué más sorpresas guarda el dúo para el 15 de julio.

Otros Posibles jitazos

James Holden – ‘Renata’

Seguimos hoy con electrónica, aunque menos pop y mainstream, pero igual de jitazo aunque no haya conseguido ese honor. Porque ‘Renata’, lo nuevo de James Holden es todo un hit.

Si con ‘Gone Feral’ ya nos quedó claro que su Inheritors va a ser un disco muy a tener en cuenta, con esta nueva producción con nombre de mujer, Holden nos deja claro que será un imprescindible. Y ya hay ganas, que, aunque parezca que fue ayer, desde su The Idiots Are Winning han pasado ya siete larguísimos años.

Jay – ‘Motero’

Motero by DHR-029

El toque nacional de la semana lo ponen Jay, otros miembros de esa escena gallega de la que ya os hemos hablado por aquí y que, como también os hemos dicho, está que arde últimamente.

Ellos publicaban Vacaciones En Vietnam el mes pasado en Discos Humeantes, y de ese álbum nos quedamos con la distorsión indie de ‘Motero’, que no es más que otra prueba más de que tenemos que tener siempre un ojo puesto en Galicia.

Queens Of The Stone Age – ‘Keep Your Eyes Peeled’

Y a estas alturas ya estamos todos al tanto de la vuelta de la banda de Josh Homme, Queens Of The Stone Age tras un largo paréntesis de seis años. Así que, después de tan larga espera, ya hay ganas de escuchar su Like Clockwork al completo.

Al completo aunque ya nos hayan destripado casi la mitad del disco. La última en caer era esta ‘Keep Your Eyes Peeled’ que nos dejaba doblemente satisfechos al sonar exactamente a lo que esperamos de ellos.

The Devil’s Blood – ‘I Was Promised A Hunt’

Pero QOTSA no son los únicos que regresan porque, aunque mucho menos sonado, tenemos de vuelta también a los holandeses The Devil’s Blood con su tercer disco de estudio, III: Tabula Rasa And The Death Of The Seven Pillars.

Con este ‘I Was Promised A Hunt (Part I)‘ tenéis casi un cuarto de hora para recrearos en el más oscuro rock psicodélico, aunque si por casualidad os supiera a poco, siempre podéis hacer uso también de la segunda parte (Youtube).

Chris Hadfield – ‘Space Oddity’

Y os decía al principio que esta ha sido la semana de Daft Punk ya que han dejado por fin escuchar su Random Access Memories en streaming, pero también ha sido la de Chris Hadfield, que, para quien no lo sepa, es un astronauta, que está pasando ahora por un jet lag considerable tras su regreso a la Tierra.

Él ha tenido más acierto que muchos otros (y buenas dotes musicales, que también hacen, todo sea dicho) para elegir su forma de despedirse de la Estación Espacial Internacional, haciendo el cover mejor traído de la historia: ni siquiera Bowie puede presumir de haber cantado su ‘Space Oddity’ en el espacio, ¿no? El viral de la semana, sin duda, y todo un señor jitazo. Va por ti Chris.

En Hipersónica | El jitazo de la semana

The Rosquettes - We could have been bigger than...: se acerca el verano

Black Gallego — Wed, 15 May 2013 11:01:16 GMT

¿Vais notando cada vez más como una mayor sensación de acaloramiento en vuestro cuerpo? ¿Qué cada vez se hace más difícil ir andando por la ciudad por la mañana? ¿Qué entráis en el coche y sentís como si hubierais entrado en una sauna y urgentemente abrís las ventanillas y encendéis el aire acondicionado? ¿Qué vuestras camisas van presentando cada vez más unos antiestéticos chorretones en la zona axilar? ¿Qué cada vez hace menos tiempo para ir escuchado a Low? Así es amigos. Se acerca el verano.

Una oda al verano y la inocente juventud del Pop

Efectivamente. El verano está a la vuelta de la esquina. Aunque en algunas zonas más norteñas se note menos, o el calor se oculte detrás de algunos días de chubascos, la realidad es que cada vez se acerca más la época para relajarse en una terraza al Sol con una cerveza, coger la sombrilla y la toalla para marcharse a la playa más cercana y con menos basura, pillarse unos días en el trabajo para marcharse de viaje y/o disfrutar del relax. Y la llegada del verano también se nota en la música que escuchamos.

let's eat Russian salad by THE ROSQUETTES

Aparte de los horrorosos recopilatorios de Caribe Mix Dosmilequis, también es época de la musiquilla más animosa, más agradable y la que más motiva a la diversión y al jaraneo. Y ya tenemos entre nuestras manos, prematuramente al verano como los catálogos de moda veraniega del Corte Inglés, uno de los primeros discos que más evocan a esta estación. No es otro que el debut en larga duración del trío sevillano, The Rosquettes. Un debut que nos hace entrar al verano con ganas.

The Rosquettes, un jaraneo de influencias sesenteras (y no tan sesenteras)

En We could have been bigger than… hacen recopilación de todas esas influencias musicales de la década de los sesenta. No es difícil encontrar canciones que nos rememoren directamente a The Kinks, otras a los Beach Boys, o la rápida mezcla entre referencias separadas en el tiempo como Buddy Holly y Yo La Tengo. Un estilo que reivindicación del Pop más juvenil y entretenido y de la Psicodelia garagera amable y sin pretensiones. Un buen mejunje diseñado para ofrecernos un rato ameno para hacernos mover un rato el esqueleto o relajarnos con un zumo de malta bien fresco.

the mysterious ironmonger by THE ROSQUETTES

Sin embargo, y aunque es un trabajo que evoca muchísimo al periodo veraniego, The Rosquettes comienzan confundiéndonos con ‘Rain‘. “Rain, it rains on me even sunny days” mientras esas animosas guitarras y esa batería tan propia de la música Beat sesentera te llaman a la fiesta. Hay mucha influencia de ese sonido Pop tan popularizado por The Beatles y The Kinks, pero también hay mucho Surf Rock (’Shaker Pack!‘), Psicodelia suave y nada empalagosa (’Watteke‘), y ramalazos garageros (’The Mysterious Ironmonguer‘).

Una gran amalgama de influencias que da forma a este disco, lleno de canciones para incentivar el espíritu juvenil y el “Figth For Your Rigth To Party”. Diversión por encima de todo. Por supuesto, si lo escuchas en una calurosa mañana como las que predominan últimamente por el Sur peninsular, parece como si ambos estuvieran hechos para ser inseparables. Canciones entretenidas y agradables, algunas más destacadas que otras, que serán del agrado de todo aficionado al Indie Pop y a la Psicodelia menos enrevesada pero tampoco almibarada.

shaker pack! by THE ROSQUETTES

No busques en We could have been bigger than… el trabajo definitivo de Pop españolperocantadoeninglés de este año. Puede que haya otros que te parezcan más estimulantes y notables, pero te aseguro que con este te espera un rato más que bueno, divertido y disfrutable. El verano se aproxima y The Rosquettes ya no están llamado para que nos vayamos poniendo el bañador y cojamos la tabla de Surf, aunque estemos afincados en pleno Madrid.

we could have been bigger than… by THE ROSQUETTES

Depeche Mode dará tres conciertos en enero en España: The Delta Machine Tour pasará por Barcelona y Madrid

Chico de plexiglás — Wed, 15 May 2013 09:17:25 GMT

Era muy muy raro que Depeche Mode presentara Delta Machine, su decimotercer disco de estudio, solo en el BBK Live 2013. Esta mañana Live Nation ha confirmado que el grupo de Basildon actuará el 15 de enero en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 16 y 17 de enero en el Palacio de los Deportes de Madrid.

The Delta Machine Tour volverá a Europa, donde ahora mismo están iniciando gira, el próximo mes de noviembre, y no podían faltan las principales ciudades del estado español. A sus espaldas ya tendrán el callo de haber rodado por el Viejo Continente y Norteamérica presentando este nuevo álbum que todos han considerado de madurez.

Las entradas se pondrán a la venta el jueves 30 de mayo en los puntos oficiales: www.livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés.

Vía | Live Nation www.livenation.es
Más en Hipersónica | Depeche Mode – Delta Machine: bendita madurez, Depeche Mode: todo lo que necesitas saber sobre The Delta Machine Tour