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'Underworld: El despertar', matando de aburrimiento

Alberto Abuín — Mon, 20 Feb 2012 18:12:08 GMT

Los vampiros están de moda, y parece que más que nunca. Lejos quedaron las películas de terror de la Universal, que inmortalizarpn a Bela Lugosi, y años más tarde las de la Hammer, la madre del cine de terror moderno —ahora de moda otra vez, gracias a ‘La mujer de negro’ (‘The Woman in Black, James Watkins, 2012), de gran aceptación crítica—, con Christoper Lee a la cabeza, hasta llegar a la actualidad —pongamos unos cuantos años hacia atrás para definir tal término—, en la que una excelente serie de televisión, obra y gracia de Alan Ball, rejuvenece el mito vampírico hasta límites insospechados, y cómo no, la saga de vampiros pijos que parece lobotomizar a las audiencias. Los hombres lobo también está de moda, pero menos. La saga ‘Underworld’ los ha unido enfrentándolos a muerte en un mundo apestado de humanos, y es que a este paso, lo extraño será un humano.

Me considero un defensor de los dos títulos de esta saga, dirigidos por Len Wiseman —metido ahora en empresas mayores, como la de hacernos olvidar ‘Desafío total’ (‘Total Recall’, Paul Verhoeven, 1990), primera adaptación de un relato del gran Philip K. Dick—, o dicho de otra forma, no considero ‘Underworld’ (id, 2003) ni ‘Underworld: Evolution’ (id, 2006) tan malas como la mayoría de la gente piensa. Son film entretenidos en su justa medida, y que no faltan al respeto a los universos de los chupasangre ni de los licántropos, ofreciendo cine palomitero sin demasiadas pretensiones. Eso sí, la precuela —ejercicio cinematográfico parece que obligado en estos tiempos— ‘Underworld: La rebelión de los licántropos’ (‘Underworld: Ryse of the Lycans’, Patrick Tatopoulos, 2009) es vergonzosa, al igual que esta cuarta entrega, realizada única y exclusivamente debido a las tendencias de otra moda actual, la cansina 3D.

‘Underworld: El despertar’ (‘Underworld: Awakening’, Måns Mårlind y Björn Stein, 2011) continúa la acción dejada en el segundo título de la serie, aunque haciendo algo que suena a excusa argumental metida a calzador. Tras un prólogo que explica la de leches que se dan humanos y vampiros, Selena es congelada despertando doce años después en un mundo en el que los vampiros y los licántropos se esconden esperando una oportunidad de resurgir para dominar el mundo. Len Wiseman ya no dirige aunque es autor del guión y la historia, y cómo no, productor del evento. O sea, de alguna forma sigue dando las órdenes, y realmente esta película parece un intento nada más que comercial de resucitar la saga, mejorando los efectos visuales, acomodándose a la técnica 3D, y también un vehículo para su mujercita, una saltarina Kate Beckinsale, que se lo pasa en grande filmando secuencias de acción. Ella sola, claro.

Mårlind y Stein habían dirigido ‘Storm’ (id, 2005), que por aquí vimos de tapadillo, y no me extraña pues era uno de esos films pretenciosos con toques de ciencia ficción, bebedores de ‘Matrix’ (‘The Matrix’, The Wachowski Brothers, 1999) —curiosamente una de las fuentes de la saga Underworld—, y que más tarde hicieron la aún inédita en nuestras salas ‘La sombra de los otros’ (‘Shelter’, 2009). Ahora han probado las mieles del éxito al despuntar en taquilla cuando ‘Underworld: El despertar’ se ha estrenado en los USA, aunque sin cifras espectaculares. El resultado, artísticamente hablando, no ha estado a la altura de las circunstancias, a no ser que una cinta de acción, poblada de efectos visuales, con escenas de acción ridículas y una mala fotografía sea sinónimo de buen cine. Pero me temo que no, ni en nuestros sueños más húmedos.

Selena —una Kate Beckinsale como siempre, o sea, sosa y sin ganas, por muy bien que le siente el cuero— despierta de su letargo forzado, descubriendo que su amado ya no está, pero que tiene una hija de doce años, que cuando se mosquea es como Hulk, pero en pequeño y de otro color. En realidad, una nueva esperanza para la supervivencia de ambas especies. Stephen Rea hace un trasunto de mad doctor, obsesionado con la pequeña, y Charles Dance aparece en un par de escenas en plan aparición especial, por eso de darle un poco de categoría al conjunto. Selena se enfrentará a todos con su cuerpazo, sus colmillos y alguna que otra arma de fuego. Le ayudarán un vampirillo rebelde que sueña con la liberación de los suyos, y un policía amante de las causas justas. Las apariciones y desapariciones en escena de ambos personajes claman al cielo.

Pero si algo me ha llamado la atención de la película, dejando a un lado sus estupideces argumentales, es el penoso trabajo de fotografía, obra y gracia de Scott Kevan, el cual parece no conocer los matices. Por momentos demasiado brillante de luz, en otros más tenebrosos no juguetea argumentalmente con el sustancioso material que tiene entre manos. Y es que no hay nada peor que en un film de estas característica no haber sido capaces de crear una atmósfera adecuada, pero que le vamos a hacer cuando en 85 minutos —la única sorpresa del film— todo es una cansina sucesión de tópicos y lugares comunes, sin ritmo ni emoción. Y ya no hablemos de los personajes, con los nuevos hay un pase, pero que en su tercera entrega el de Selena quede reducido a la mínima expresión, oda al esquema más básico, ya es un indicio de las intenciones de sus autores. Y con ese final, podemos echarnos a temblar, porque la quinta entrega parece prácticamente necesaria.

Taquilla USA: El motorista fantasma y los espías románticos no logran su objetivo

Juan Luis Caviaro — Mon, 20 Feb 2012 13:42:00 GMT

Pasada la tontería de San Valentín, el drama romántico ‘Todos los días de mi vida’ (‘The Vow’) protagonizado por Channing Tatum y Rachel McAdams ha cedido el primer puesto de la taquilla USA al thriller de acción ‘El invitado’ (‘Safe House’), con Denzel Washington y Ryan Reynolds en el reparto (es también número uno en España). Ambas películas llevan acumulados unos 80 millones de dólares en sus dos primeras semanas en cartelera, por lo que sus responsables deben estar muy satisfechos (sobre todo los de ‘The Vow’, que costó 30 millones).

Más nerviosos estarán los productores de las dos novedades más potentes de esta semana. Especialmente llamativo es el fiasco protagonizado por ‘Esto es la guerra’ (‘This Means War’), el nuevo trabajo de McG, un cóctel de acción, comedia y romance con Reese Witherspoon, Chris Pine y Tom Hardy en el cartel. Para un producto de estas características, que ha costado en torno a 65 millones de dólares, es un duro golpe no alcanzar los 20 millones tras su primer fin de semana, porque a menos que entusiasme al público caerá pronto en el olvido. En la popular IMDb tiene una valoración de 6,2 y en la más seria Metacritic no llega al 4 sobre 10. En nuestro país se estrena el 9 de marzo, el mismo día que ‘John Carter’.

Quizá el caso de ‘Ghost Rider: Espíritu de venganza’ (‘Ghost Rider: Spirit of Vengeance’) no deba ser considerado todavía un fracaso. Sus 22 millones de dólares es una buena cifra para el estreno, y el público no tenía un buen recuerdo de la anterior entrega del motorista fantasma (aunque Nicolas Cage mantiene que las dos películas no están relacionadas); habrá que ver cómo se mantiene en las próximas semanas. En IMDb no llega al 6 y en Metacritic la consideran tan mala como ‘Esto es la guerra’; llegará a España este viernes. Por último, cabe destacar el estreno en salas norteamericanas de ‘Arrietty y el mundo de los diminutos’ (‘The Secret World of Arrietty’ para el mercado en inglés). El último trabajo del estudio Ghibli, estrenado en España el año pasado (la mejor película animada de 2011, en mi opinión), ha sido distribuido por Disney en EE.UU. y ha logrado más de 6 millones de dólares con 1.500 copias.

PD: La semana que viene se estrenan ‘Act of Valor’, ‘Good Deeds’, ‘Gone’, ‘The Forgiveness of Blood’ (la vi en Cannes) y ‘Wanderlust’, entre otras.

Vía | IMDb

'Soy leyenda 2' ya tiene guionista y 'RED 2' cuenta con director

Juan Luis Caviaro — Mon, 20 Feb 2012 10:55:00 GMT

Mientras el público pide ideas nuevas, en Hollywood siguen dando luz verde a proyectos de remakes y secuelas. La semana pasada se confirmó que se han puesto en marcha ‘I Am Legend 2’ (‘Soy leyenda 2’) y ‘RED 2’. ¿Os interesan? ¿Alguna de las dos? ¿Ninguna?

Arash Amel ha sido contratado por Warner Bros. para empezar a escribir el guion de la secuela de ‘Soy leyenda’ (2007), una superproducción que costó 150 millones de dólares y recaudó cerca de 600 en todo el mundo. Will Smith figura como productor de este proyecto (junto a Akiva Goldsman) y la intención del estudio es que repita su personaje, Robert Neville, a pesar de que tuvo un final… bueno, digamos… explosivo. Pero nada es imposible en el cine norteamericano. Puede que le den un papel de “zombie” o que aparezca en flashbacks… Ya veremos. Tampoco se sabe nada sobre la implicación de Francis Lawrence, pero lo más probable es que busquen a otro realizador, más joven y barato.

Por otro lado, Dean Parisot (‘Galaxy Quest’, ‘Dick y Jane’) se hará cargo de la puesta en escena de la segunda parte de ‘RED’ (2010), que fue dirigida por Robert Schwentke; se hizo por 58 millones de dólares y logró cerca de 200 en taquilla. La secuela vuelve a estar escrita por los guionistas Erich y Jon Hoeber, que al parecer han contado con el regreso de los protagonistas de la primera parte, Bruce Willis, Morgan Freeman, John Malkovich, Helen Mirren y Mary-Louise Parker. Habrá que resucitar a alguno también en esta historia. El estreno está fijado para el 2 de agosto de 2013 y se espera que el rodaje pueda comenzar a finales de este año, una vez que Willis haya terminado el rodaje de la quinta entrega de ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’).

PD: Smith, actualmente rodando ‘After Earth’ con Shyamalan, tiene pendiente de estreno ‘Men in Black 3’ y entre sus proyectos de futuro está ‘Hancock 2’.

Vía | HollywoodReporter

Márgenes, festival de cine español alternativo, muestra sus finalistas online

Beatriz Maldivia — Mon, 20 Feb 2012 08:27:51 GMT

Para no salirnos del tema de los premios al cine español, pero para ofrecer al mismo tiempo algo totalmente alternativo a lo sucedido ayer noche, os presento el festival de cine online Márgenes, que, desde hoy y hasta el 29 de febrero, permite ver gratuitamente a través de Internet sus diez películas finalistas. Esta acción, integrada en el proyecto ‘Cine Español en Ruta’, está organizado por la Asociación Cultural Cine-ma.

Tal como declaran sus organizadores, “Márgenes pretende difundir obras que hacen de la innovación, la experimentación con el lenguaje cinematográfico y de la indagación en géneros y temas su consigna”. Y añaden que el festival intenta ser “una ventana para dar a conocer y promocionar la parte más inquieta, ignota, precaria y atractiva de la creación audiovisual española actual”. Sin hacer distinción alguna entre obras de ficción y no ficción, el festival incluye en su primera edición films que no se hayan estrenado o hayan tenido un paso fugaz por las salas convencionales.

La película ganadora surgirá de entre estos diez títulos: ‘Buenas noches, España’ (Raya Martin. 2011), con Andrés Gertrúdix y Pilar López de Ayala; ‘Circo‘(Colectivo Los Hijos. 2010), ‘Fiebre‘ (Ignacio Guarderas. 2011), ‘El mundo que fue y el que es‘ (Pablo LLorca. 2011), ‘Historia de un director idiota‘ (Sergio Candel. 2009), ‘Holidays‘ (Víctor Moreno. 2010), ‘Los amores difíciles’ (Lucina Gil. 2011), ‘Margarita‘ (Albert Pons. 2011), ‘Rayito‘ (Lois Patiño. 2009) y ‘True Love‘ (Ion de Sosa. 2011). Una selección heterogénea de películas que incluye obras de directores consagrados y de nuevos talentos. Diez títulos que discurren entre la ficción más arriesgada, la experimentación, el documental de creación, la mezcla de géneros, el metacine…

La existencia de este festival se basa en que sus organizadores consideran que la parte “más interesante y dinámica de la creación cinematográfica española actual tiene lugar, en general, fuera de los canales convencionales de producción, distribución y exhibición”. Es una afirmación que fácilmente puede lanzarse a los cuatro vientos, debido a que el público interesado en cine español, en un principio, no podrá afirmarla o desmentirla antes de sumergirse en estas diez propuestas que se incluyen en la web. Pero sí tiene una mitad del veredicto creada: la que se refiere al cine que sí llega a los canales convencionales de exhibición. Ya que puede hallarse, en general, un descontento hacia lo visto de nuestra cinematografía, la promesa de que lo mejor está por ver, se podría recibir con auténticas esperanzas. Lo que habrá que comprobar ahora es si la segunda premisa del silogismo también se cumple. Para ello, solo hay que hacer “clic” en el botón de “play”.

Vía | Márgenes.

Ganadores de los Goya 2012

Mikel Zorrilla — Sun, 19 Feb 2012 22:51:13 GMT

La edición número XXVI de los premios Goya ha dejado atrás la polémica del año anterior para centrarse en celebrar los mejores trabajos dentro del cine español de 2011. Eso no quiere decir que no hayan faltado alusiones a la delicada situación económica por la que atraviesa nuestro país, tanto de forma cómica por parte de Eva Hache, la cual desató alguna mirada de ligera incomodidad, como con una absoluta seriedad cuando llegó la hora del discurso del presidente de la Academia, donde se optó por llorar quizá demasiado por el peligro de recorte en las subvenciones al cine español

La gala se ha hecho un tanto pesada, y únicamente alguna sorpresa agradable como el premio al mejor guión adaptado y un par de momentos divertidos (genial Santiago Segura) han hecho la experiencia más llevadera. Tampoco ha ayudado que el trabajo como presentadora de Eva Hache pueda definirse como un quiero y no puedo en su intento de asemejarse a Billy Crystal. Además, este año se ha optado por repartir bastante los premios entre las principales candidatas, pero, tal y como se esperaba el premio gordo se lo ha llevado ‘No habrá paz para los malvados’. Mejor no me extiendo más y os dejo con la lista de ganadores de los Goya 2012.

Mejor película: ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor director: Enrique Urbizu por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor actor protagonista: José Coronado por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor actriz protagonista: Elena Anaya por ‘La piel que habito’

Mejor actor de reparto: Lluis Homar por ‘Eva’

Mejor actriz de reparto: Ana Wagener por ‘La voz dormida’

Mejor actriz revelación: María León por ‘La voz dormida’

Mejor actor revelación: Jan Cornet por ‘La piel que habito’

Mejor dirección novel: Kike Maillo por ‘Eva’

Mejor dirección de producción: Andrés Santana por ‘Blackthorn’

Mejor dirección de fotografía: Juan Antonio Ruiz Anchía por ‘Blackthorn’

Mejor guión original: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor guión adaptado: Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca y Rosanna Cecchini por ‘Arrugas’

Mejor dirección artística: Juan Pedro de Gaspar por ‘Blackthorn’

Mejor montaje: Pablo Blanco por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor música original: Alberto Iglesias por ‘La piel que habito’

Mejor canción original: Nana de la hierbabuena de ‘La voz dormida’

Mejor diseño de vestuario: Clara Bilbao por ‘Blackthorn’

Mejor sonido: Licio Marcos de Oliveira, Ignacio Royo-Villanova e Ignacio Royo-Villanova por ‘No habrá paz para los malvados’

Mejor maquillaje y peluquería: Karmele Soler, David Martí y Manolo Carretero por ‘La piel que habito’

Mejores efectos especiales: Arturo Balseiro y Lluís Castells por ‘Eva’

Mejor película de animación: ‘Arrugas’

Mejor película documental: ‘Escuchando al juez Garzón’

Mejor cortometraje documental: ‘Regreso a Viridiana’

Mejor cortometraje de ficción: ‘El barco pirata’

Mejor cortometraje de animación: ‘Birdboy’

Mejor película hispanoamericana: ‘Un cuento chino’

Mejor película europea: ‘The artist’

PD: ¿Os ha gustado la gala? ¿Estáis satisfechos con los ganadores o cambiaríais algo?

Premios Goya 2012: en directo en Blogdecine

Jesús León — Sun, 19 Feb 2012 19:40:00 GMT

Comienza una nueva gala de entrega de los Premio Goya, su edición número XXVI y con aires renovados. Nuevo ministro de cultura, nuevo presidente de la Academia y nueva presentadora, una Eva Hache que ejerce de anfitriona y promete dar agilidad. Esperemos que pueda, le dejen y lo consiga. Además de intentar que no nos acordemos de Buenafuente. Almodóvar y Urbizu, dos grandes de nuestro cine parece que protagonizarán el duelo más esperado. Deseamos que la ceremonia nos sorprenda (gratamente) y que los premios sean justos. No te pierdas detalle que en Blogdecine te lo contamos en directo y contamos con vuestras apuestas y comentarios.

'Lo mejor de Eva', Leonor Watling

Alberto Abuín — Sun, 19 Feb 2012 15:45:02 GMT

Lo puedo decir de muchas formas. Puedo echare piropos a Leonor Watling desde muchas perspectivas y todas serían válidas, pero lejos de ser esto una carta de amor a una de nuestras mejores actrices, lo cierto es que visionando el último trabajo de Mariano Barroso —sólo por haber hecho ‘Éxtasis’ (1996) ya merece toda nuestra atención—, me he encontrado una vez más con una de esas películas que se sustentan sobre todas las demás cosas en el impecable trabajo de un actor o actriz. Muchas veces la labor de dicho intérprete llega para salvar una película, otras esta es tan mala que dicho trabajo nos produce pena, pues ¿cuántas excelentes interpretaciones hay en películas fallidas o directamente malas —uy, idea para un post—? En el caso de ‘Lo mejor de Eva’ (Mariano Barroso, 2011) Watling es de lo más sobresaliente del film, un thriller erótico de factura a ratos impecable, y con la provocación de un relato de literatura de segunda.

Leonor Watling es una de esas actrices que interpretan con todo su cuerpo. Su fisicidad es tan importante como la convicción con la que recita sus diálogos, y evidentemente no siempre ha estado metida en películas recordables, sino más bien todo lo contrario. No quiero ni acordarme de cierta memez dirigida por Bigas Luna, o lo desaprovechada que está en cierta cinta de Álex de la Iglesia, o lo poco que sale en otras de Isabel Coixet, aunque en ‘Mi vida sin mí’ (‘My Life Without Me’, 2003) se hace notar lo suficiente. ‘Lo mejor de Eva’ da la oportunidad a Watling de lucirse como pocas veces, dejando claro que puede con personajes de hondura psicológica. La pena es que la película, sin ser mala, no está a la altura del excelente trabajo de la actriz.

El film de Barroso cuenta con un guión del propio director y Alejandro Hernández —escritor que le pega a todo demostrando que quien mucho abarca poco aprieta— cuenta la historia de Eva (Watling), una mujer que ha llegado a ser juez trabajando duro, siendo la primera de su promoción. Ahora dispone de un excelente trabajo, y tras un montón de juicios con casos irrelevantes llega el primer caso por asesinato. Una joven prostituta ha sido encontrada asesinada, y el principal sospechoso es un importante hombre de negocios, casado y con un hijo enfermo de los huesos. Eva pondrá todo su empeño en encerrar al más que claro culpable, pero ya sabemos cómo funciona la ley en nuestro país. Una noche Eva recibe la inesperada visita de Rocco (Miguel Angel Silvestre), un hombre que se dedica a la prostitución y que le advierte que si quiere hacer justicia de verdad que cuente con él. Pronto empezará un juego de engaños y mentiras que pondrán en peligro a la propia Eva.

Leonor Watling llena cada uno de los fotogramas en los que aparece, que son casi la totalidad del film, poniendo toda la carne en el asador, demostrando firmeza y fragilidad al mismo tiempo. Firmeza por la vida que ha llevado, de estudio y responsabilidad, afectada por la dura educación que su padre, fiscal y ahora muy enfermo, le dio. Y fragilidad por la atracción que siente hacia Rocco, la cual sabe puede traerle problemas no sólo de tipo sentimental, sino profesional. Si la Watling tiene que ponerse seria, lo hace, si tiene que enseñar su cuerpo en escenas de desnudo, esta vez justificado, lo hace, si tiene que ponerse dramática, también. ‘Lo mejor de Eva’ es una película para el lucimiento de una actriz, de una de nuestras mejores actrices, y es lo único que vale verdaderamente la pena en una película que nunca termina de arrancar.

Mariano Barroso se las ingenia con su puesta en escena, más cuidada que de costumbre, el paliar los defectos de un guión previsible y tópico hasta decir basta. Cualquiera que se haya empapado un poco de cine negro sabe perfectamente qué ocurrirá con el personaje de Rocco —el homenaje a una de las mejores película de Luchino Visconti no sé a qué viene—, sorpresa que evidentemente no se reservan para el final, porque ya sería tomar al espectador por tonto, algo que suelen hacer bastante en nuestro cine. Además, la no interpretación de Miguel Angel Silvestre, a quien su peor enemigo le recomendó meterse a actor, no ayuda ni lo más mínimo. No sé por qué, pero su rol, un intento de convencer a la audiencia de que sabe algo del noble trabajo de interpretar, me recuerda a Javier Bardem, salvando las distancias —años luz—. En cualquier caso, el trozo de carne está horrendo y su química con Watling, absolutamente necesaria para la historia, no existe.

Barroso, tal vez consciente de que con ello no puede hacer nada, al menos filma con cierta elegancia, y dota de algo de ritmo al film, logrando que el aburrimiento no aparezca durante toda la función, lo cual ya es bastante. Hasta me atrevería a decir que la sombra de Michael Mann navega por la película en ciertos momentos, aquellos en los que Eva pratica deporte por la noche y la amenaza se cierne sobre ella —hay un instante que parece sacado de ‘El dilema’ (‘The Insider, 1999)—. Al final, y como ocurre en muchos casos, se tiene la sensación de que ‘Lo mejor de Eva’ podría haber estado muchísimo mejor, un thriller en el que la parte de suspense no está conseguida y el retrato de su personaje central es lo más logrado. Una actriz que enamora literalmente a la cámara. También a los micrófonos, pero eso es otra historia.

Berlinale 2012 | Palmarés | 'Cesare deve Morire' gana el Oso de Oro

Juan Luis Caviaro — Sun, 19 Feb 2012 00:58:18 GMT

La Berlinale 2012 ha concluido este sábado con la victoria de un largometraje italiano. ‘Cesare deve Morire’, el nuevo trabajo de los hermanos Paolo y Vittorio Taviani (aquí podéis leer más información sobre el film), se ha alzado con el preciado Oso de Oro de la 62ª edición del festival, por decisión del jurado compuesto por Mike Leigh (presidente), Charlotte Gainsbourg, Barbara Sukowa, François Ozon, Anton Corbijn, Boualem Sansal, Jake Gyllenhaal y Asghar Farhadi, ganador el año pasado en Berlín con ‘Nader y Simin, una separación’.

El alemán Christian Petzold fue galardonado con el Oso de Plata a la mejor dirección por su trabajo en ‘Barbara’. El premio al mejor actor fue a parar a manos del danés Mikkel Boe Følsgaard, protagonista de ‘En kongelig affære’ (‘A Royal Affair’), película que también se llevó el premio al mejor guion (escrito por Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg), mientras que el de mejor actriz lo recibió la congoleña Rachel Mwanza por su interpretación en ‘Rebelle’. Otros títulos que también han entrado en el palmarés son ‘Csak a szél’ o ‘Just the Wind’ de Bence Fliegauf (Gran premio del jurado) y ‘L’enfant d’en Haut’ de Ursula Meier (Mención especial del jurado). Por lo demás, cabe destacar que el premio FIPRESCI (entregado por la Federación internacional de la crítica) de la sección a concurso se lo llevó ‘Tabu’ del portugués Miguel Gomes, que ‘Kauwboy’ de Boodevijn Koole fue elegida la mejor ópera prima, y que ‘Dictado’ del español Antonio Chavarrías se vuelve a casa sin galardón alguno, aunque al menos podrá poner en el cartel que compitió en la Berlinale. Veremos si le sirve de algo en taquilla.

PD: El viernes se presentó ‘Bel Ami’, con la presencia de Robert Pattinson y Christina Ricci. Por las críticas que he leído, me temo que no cabe esperar nada valioso del film de Declan Donnellan y Nick Ormerod, calificado por Indiewire como una versión light de ‘Las amistades peligrosas’ (‘Dangerous Liaisons’).

Web oficial | Berlinale

'Wanderlust', cartel y tráiler de la nueva comedia con Jennifer Aniston

Mikel Zorrilla — Sat, 18 Feb 2012 20:17:49 GMT

Por un motivo u otro no os habíamos hablado hasta ahora de ‘Wanderlust’, la nueva comedia romántica protagonizada por Jennifer Aniston, pero no os dejéis engañar, ya que no se trata de otro proyecto para arrastrar al cine a las ávidas consumidoras de este tipo de cine, sino que estamos ante una propuesta de mayor interés. La película cuenta la historia de George (Paul Rudd) y Linda (Aniston), una pareja neoyorkina que vive en constante estado de estrés, algo a lo que no debería ayudar el hecho de tener que mudarse con el hermano de él dado el frágil estado de su cuenta bancaria. Sin embargo, de camino para Atlanta van a parar a Elysium, un lugar idílico plagado de pintorescos personajes donde el dinero es la última de las preocupaciones de sus habitantes. Ahora la cuestión es ver si eso supondrá un cambio para mejor o peor en la vida de los protagonistas. Desde luego, la premisa no suena mal, ni tampoco a típica comedia romántica hecha sin ninguna pasión.

Hace unos meses ya vio la luz el primer tráiler (podéis verlo aquí), pero la gran novedad es que Universal ha decidido lanzar a última hora (el estreno en USA está previsto para el ya inminente 24 de febrero) un tráiler para adultos que potencie el interés de cierto tipo de público hacia ‘Wanderlust’. La única duda ahora es saber si van a echar toda la carne en el asador para su estreno en salas o si se lo reservarán para su futura edición en dvd y blu-ray. El antecedente de ‘Mal ejemplo’, también dirigida por David Wain y con una premisa, al igual que aquí, más irreverente de lo habitual, nos lleva a pensar en lo segundo, pero aún nada es seguro.

Como ya habéis podido ver, el tráiler juega con la idea de ir un poco más allá y no duda en utilizar lenguaje malsonante o jugar abiertamente con el componente sexual del relato. El problema es la reciente noticia que indica que Aniston ha pedido expresamente que se eliminen unos planos en los que salía en topless como consideración hacia su novio Justin Theroux, el cual también sale en esta película. Este hecho choca frontalmente con la intención de ser irreverentes, pero en España no podremos comprobarlo hasta el próximo 5 de mayo. Por cierto, además de Theroux, Malin Akerman, Ray Liotta, Lauren Ambrose, Kathryn Hahn y Alan Alda secundan a Rudd y Aniston. Yo nunca descarto la posibilidad de descubrir una buena comedia (y en el tráiler hay algún momento que permite tener esperanzas), así que acabaré viéndola, ¿y vosotros?

Vía | Collider

Michael Fassbender será Cú Chulainn

Juan Luis Caviaro — Sat, 18 Feb 2012 18:44:02 GMT

Nos guste o no, vamos a ver muy a menudo a Michael Fassbender. Vaya fastidio, ¿no? Recientemente le vimos encabezando el reparto de ‘Un método peligroso’ de David Cronenberg, ya está en nuestras carteleras el drama ‘Shame’, por el que Fassbender fue elegido mejor actor en Venecia, pronto se estrenará el thriller ‘Indomable’ (‘Haywire’) de Steven Soderbergh, donde el intérprete tiene un pequeño papel, y también está en ‘Prometheus’ de Ridley Scott, en los cines este mes de junio. En su agenda tiene la próxima película de Steve McQueen, ‘Twelve Years a Slave’, y la segunda parte de ‘X-Men: Primera generación’, donde volverá a interpretar a Magneto. Y ahora podemos apuntar otro proyecto más, una aventura donde dará vida a Cú Chulainn (o Cúchulainn), un héroe de la mitología celta.

Fassbender (de padre alemán y madre norirlandesa) interpretará al protagonista de una historia que ha escrito para la gran pantalla el norirlandés Ronan Bennett, guionista de ‘Enemigos públicos’. Por el momento no hay director vinculado al proyecto ni fecha para el comienzo del rodaje. Cú Chulainn es el personaje principal de la serie de cuentos conocida como el Ciclo del Ulster. Como otros guerreros legendarios, Cú Chulainn era hijo de un Dios, lo que le otorga habilidades sobrehumanas; esto es, tenemos otro superhéroe mitológico en potencia, de esos que burlan las leyes de la gravedad y matan haciendo posturitas a cámara lenta. Su hazaña más famosa y la que seguramente veremos en la gran pantalla es la defensa del Ulster en la batalla de los bueyes de Cualinge, donde luchó él solo contra el ejército de Maeb, la reina de Connacht.

PD: Fassbender también suena como protagonista de ‘The Counselor’, con guion de Cormac McCarthy, y José Padilha lo quiere para el remake de ‘RoboCop’.

Vía | Variety

'John Carter', la segunda entrega de la saga ya está en marcha

Juan Luis Caviaro — Sat, 18 Feb 2012 12:30:51 GMT

Por lo general, se espera a que una película tenga éxito para empezar a preparar la segunda parte. Es lo más lógico. Sin embargo, cada es más habitual anunciar la secuela o incluso la trilogía antes del estreno del primer film, antes de comprobar si al público le apetece otra ración de la misma comida. A falta de tres semanas para que la aventura fantástica ‘John Carter’ llegue a los cines, el productor Jim Morris ha confirmado que el director Andrew Stanton (en la imagen, hablando con Taylor Kitsch) y el guionista Michael Chabon están ya trabajando en la historia de la segunda parte.

Morris también ha desvelado que el título de la siguiente entrega será ‘John Carter: The Gods of Mars’ al estar basada en ‘Los dioses de Marte’ (1914), el segundo libro de la saga creada por el escritor Edgar Rice Burroughs. Aunque el proyecto está ya en marcha, todavía no cuenta con la aprobación definitiva de Walt Disney Pictures. Y esto es así porque, según Deadline, el estudio teme perder unos 100 millones de dólares con la primera película de Stanton basada en la obra de Burroughs, una superproducción en 3D que podría haber costado en torno a 250 millones de dólares. A priori, es una locura que se esté hablado de una secuela cuando en Disney esperan pérdidas, pero supongo que el objetivo es lograr beneficios a largo plazo, explotar la marca a partir de la primera película y lograr que la siguiente sea verdaderamente rentable. O quizá piensan que si el público oye hablar de una secuela, dará por hecho que ‘John Carter’ es muy buena e irá a verla… Pronto saldremos de dudas. En España se estrena el mismo día que en EE.UU., el 9 de marzo.

PD: Os dejo un spot de la película que me ha gustado mucho. Son apenas 30 segundos y deja con ganas de ver más:

Vía | Comingsoon

Robert Pattinson no quiere aparecer en más películas de 'Crepúsculo'

Mikel Zorrilla — Sat, 18 Feb 2012 10:28:02 GMT

Son muchos los cinéfilos que están deseando que la saga ‘Crepúsculo’ llegue a su fin para dejar de quedar horrorizados cada vez que se estrene una de sus entregas (aunque siempre existe la opción de no verlas, como imagino que haréis muchos), pero cuando parecía que la llegada de ‘La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte 2’ iba a ser el la última saltó la noticia de que la nueva productora dueña de los derechos quería hacer todo lo que estuviese en su mano para seguir contándonos el apasionante relato amoroso entre Bella y Edward. Por si las moscas, ya estaban buscando una sinergia entre sus futuros estrenos vinculando aún más esta franquicia con ‘Los juegos del hambre’, ya que el tráiler de la última entrega de la franquicia iba a ser visto por primera vez en el estreno en cines de la cinta dirigida por Gary Ross. Además, también han retrasado el estreno de ‘Warm bodies’ (aquí podéis ver las últimas imágenes de este Crepúsculo con zombie), en lo que parece una astuta maniobra para lanzar su trailer junto al estreno de ‘La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte 2’ y luego intentar arrasar en su estreno próximo al San Valentín de 2013.

Además, Stephenie Meyer llevaba un tiempo coqueteando con la idea de escribir algún libro más, lo cual era el colofón para que la franquicia cinematográfica nunca terminara. El problema es que los protagonistas no tienen un contrato que les obligue a aparecer en unas películas que nunca se pensó que fuesen a existir, y eso es lo que puede salvar a muchos amantes del cine de tener que soportar el histerismo de muchas fans de la saga. De hecho, Robert Pattinson ha comentado que ya es demasiado viejo para el papel (tiene 25 años), y eso sin tener en cuenta la escritura del libro y su posterior adaptación, lo cual debería llevar unos años incluso teniendo en cuenta el estándar de calidad de todo esto. La sensación que transmite es que quiere ser políticamente correcto y evitar decir que no volvería a rodar otra entrega por nada del mundo. Eso sí, recordad los beneficios millonarios de estas películas, con lo cual a los productores poco les importará que en realidad Edward no envejezca, sino el ansia de beneficios. ¿Lograrán hacer cambiar de idea a Pattinson con una cantidad obscena de dinero? Mientras tanto, tendremos que esperar hasta el próximo 15 de noviembre para ver ‘La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte 2’. ¿Hay alguien por aquí que se atreva a decir que tiene curiosidad por verla?

PD: Os dejo una parodia animada que propone un final alternativo para la historia. Atención al cameo final, algo que muchos habíais pedido.

Vía | Comingsoon

Premios Goya 2012: sigue en directo la ceremonia con Blogdecine y a través de Twitter

Jesús León — Fri, 17 Feb 2012 16:10:55 GMT

Como ya viene siendo tradicional, nos concentraremos un año en torno a la fiesta del cine español. La gala de entrega de los Premios Goya 2012 estarán en Blogdecine y os lo contaremos en directo, para que no perdáis ningún detalle. Y también a ver si logramos (con la inestimable ayuda de la maestra de ceremonias Eva Hache) que sea más divertida.

El próximo domingo tendrá lugar la edición número XXVI y os invitamos a seguirla en directo con nosotros. Lo haremos a través de Twitter pero tranquilos, que también podéis seguir desde aquí la crónica y los comentarios en un post donde integraremos Twitter, para más comodidad.

Esperamos vuestros comentarios, apuestas y que, entre todos, hagamos de los Premios Goya algo más interesante. Que no se diga que no apoyamos al cine español.

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'La pesca del salmón en Yemen' con Ewan McGregor y Emily Blunt, tráiler

Juan Luis Caviaro — Fri, 17 Feb 2012 15:56:02 GMT

Hace dos años os informaba sobre el rodaje de ‘La pesca del salmón en Yemen’, hoy os traigo el último tráiler de la película, que está protagonizada por Ewan McGregor y Emily Blunt. Simon Beaufoy (‘Slumdog Millionaire’, ’127 horas’), ha escrito el guion de este nuevo trabajo del sueco Lasse Hallström, director de las dramáticas ‘Las normas de la casa de la sidra’, ‘Siempre a tu lado: Hachiko’ y ‘Querido John’, entre otras.

‘La pesca del salmón en Yemen’ (‘Salmon Fishing in the Yemen’) está basada en la novela homónima escrita por Paul Torday, la historia se centra en un experto británico del Centro Nacional para el Fomento de la Piscicultura y un alocado proyecto: introducir el salmón en Yemen. Aunque en un principio el doctor Fred Jones (McGregor) se niega, detrás del proyecto hay un poderoso jeque interesado en el deporte de la pesca del salmón, y una asesora del primer ministro británico que ve la oportunidad de mejorar la imagen del país en Oriente Medio, por lo que no tiene más remedio que colaborar. Por suerte para él, en Yemen le espera una atractiva ayudante (Blunt) que hará que el viaje merezca la pena…

Kristin Scott Thomas, Amr Waked, Rachael Stirling, Jill Baker y Pippa Andre también figuran en el reparto de esta comedia, que llegará a los cines de EE.UU. el 9 de marzo y el 20 de abril a los de Reino Unido; de momento no hay fecha para España. Me gustan los actores y el director no es malo, pero el tráiler me ha parecido bastante flojo, con tópicos, escenas cursis y poco creíbles. ¿Y a vosotros?

PD: Os dejo también el primer tráiler, subtitulado al castellano:

'War Horse', Spielberg nos devuelve la magia de los años 40/50

Alberto Abuín — Fri, 17 Feb 2012 10:24:13 GMT

En su ópera prima —recordemos que ‘El diablo sobre ruedas’ (‘Duel’, 1971) es un telefilm, que en Europa se estrenó en sales comerciales—, la excelente ‘Loca evasión’ (‘The Sugarland Express’, 1974), el actor Ben Johnson da vida al policía que persigue a la pareja fugitiva, y las características de su personaje beben directamente del western. Ahora sólo tengo que citar películas como ‘Fort Apache’ (id, 1948), ‘Rio Grande’ (id, 1950) o ‘Caravana de paz’ (‘Wagonmaster’, 1950), y el nombre que sale por lógica es el de John Ford. En ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975), el Jefe Brody mira por encima del hombro de su interlocutor, preocupado por el peligro en el mar. El referente es Alfred Hitchcock, y la película ‘Yo confieso’ (‘I Confess’, 1953), y cuando Brody descubre el cuerpo de Chrissie, ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, 1956) hace acto de presencia; Ford de nuevo. No necesito decir en qué lugar se produce el maravilloso clímax de ‘Encuentros en la tercera fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977). En ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders of the Lost Ark’, 1981) es prácticamente imposible enumerar todas las referencias, pero estas van desde Erich Von Stroheim hasta John Huston, pasando por Victor Fleming o Michael Curtiz. Lo mismo ocurre con sus secuelas.

Sigamos. En ‘E.T’ (id, 1982) la más famosa secuencia de la silueta en la luna proviene de un film de Disney de imagen real dirigido por el director más habitual de la casa, Robert Stevenson, el título ‘Un sabio en las nubes’ (‘The AbsentMinded Professor’, 1961). El final de ‘El color púrpura’ (‘The Color Purple’, 1985) remite de nuevo a Ford y ‘Centauros del desierto’. En ‘Always’ (id, 1989) el eco de Victor Fleming es evidente, ya que se trata de un remake de una de sus películas, y Ford aparece de nuevo con ecos de ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (‘The Man Who Shoot Liberty Valance’, 1962). ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, 1998) contiene referencias a Kurosawa, David Lean y de nuevo a Ford en su film más mencionado aquí. En ‘Minority Report’ (id, 2002) Hitchcock está muy presente; y ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’, 2005) es una actualización de los modelos de producción de cineastas como George Pal y Cecil B. DeMille. En ‘War Horse’ Spielberg no disimula absolutamente nada sus gustos cinéfilos, y nos brinda el ejercicio retro más atrevido de su filmografía.

El amor y admiración hacia el maestro John Ford no es nada nuevo en el cine de Steven Spielberg, para quien suscribe uno de los mejores directores de todos los tiempos, así como suena, con sus baches —pocos— y sus logros —innumerables—, y que con el presente film, adaptación del libro homónimo de Michael Morpugo, nos brinda su mejor trabajo desde la incomprendida y grandiosa ‘A.I.’ (id, 2001). Conviene señalar que Spielberg ha declarado basarse más en la obra teatral que se representa en Londres desde hace años, a la que un servidor tuvo oportunidad de asistir hace unos meses, y que me dejó con la boca abierta por su fuerza e imaginativa en la puesta en escena —el caballo era mecánico, manejado por dos personas—. La historia sigue las andanzas de Joey, un caballo que se separa de su dueño, el joven Albert (Jeremy Irvine), al tener que servir a las tropas inglesas en la I Guerra Mundial, la cual aparece por primera vez en la filmografía de Spielberg, habiendo hecho anteriormente nada menos que cuatro incursiones —una en clave de comedia y las otras tres, dramáticas— en la II.

En un año en el que directores como Michel Hazanavicius y Martin Scorsese realizan sentidos homenajes a los orígenes del cine —y recordemos que se han estrenado films como ‘Super 8’ (id, J.J. Abrams, 2011) o ‘Drive’ (id, Nicolas Winding Refn, 2011), entre otras, y que suponen ejercicios que evocan el cine de otras épocas, adaptado a los nuevos tiempos—, no es de extrañar que Steven Spielberg —hoy por hoy el director más conocido a nivel popular— se haya querido sumar a esa especie de moda imperante en estos tiempos en los que el cine se debate entre las nuevas tecnologías y las fórmulas clásicas. No engaña a nadie con ‘War Horse’, quien no conozca a estas alturas el estilo, la firma, la mirada de Spielberg —lo subrayo porque estoy convencido de que a Spielberg se le tiene más manía que aprecio— no debería acercarse al film esperando otra cosa. Y obviar su sabor más clásico —es su películas más clara al respecto— también es un error. Pero no nos confundamos. Spielberg es lo suficientemente inteligente como para no hacer de su película un simple cúmulo de homenajes. Su amor por John Ford es evidente, pero Spielberg es Spielberg.

‘War Horse’ se divide en dos partes muy bien unidas. Por un lado, la historia de amistad entre un joven y un caballo adquirido por su padre en una subasta en la que se enfrenta con su arrendador en la típica lucha de orgullo. Albert, el hijo adolescente, entrenará el caballo para poder arar y así con la consecha su familia saldrá de la crisis en la que se haya inmersa —qué fino este detalle, hoy más que nunca el mensaje de superación llega a la audiencia—. Por otro lado, en su segunda mitad, el film se bifurca en varias pequeñas historias en las que el nexo de unión es el caballo Joey, el cual vivirá toda una aventura a través de la I Guerra Mundial en el frente francés, pasando de dueño en dueño. En la primera el espíritu del John Ford de ‘El hombre tranquilo’ (‘The Quiet Man’, 1952) navega en cada fotograma, y la fotografía de Janusz Kamisnki —absoluta merecedora del Oscar— evoca sin prejuicios los trabajos del gran Ernst Haller. La historia es si acaso bastante sencilla, vuelvo a repetir que no simple, y Spielberg demuestra ingenio al mezclar con gran pericia cine infantil y adulto. Dicho de otra forma ‘War Horse’ es el film más Disney no salido de la productora, aunque no por casualidad la titánica empresa es una de las distribuidoras del film.

Habrá quien precisamente por ello ataque el film sin piedad, como por ejemplo mi compañero Mikel. Pero no creo que eso sea un defecto. En unos tiempos en los que estamos acostumbrados a escenas fuertes, en el que en el mundo televisivo ya se atreven a cosas impensables hace unos pocos años, y que cada director apuesta por un más difícil todavía en el muestrario de las crueldades y desgracias de esta asquerosa vida, Spielberg, en un salto al vacío sin red, apuesta por la inocencia, sin caer jamás en el ridículo, apuesta por los buenos sentimientos, ofreciendo esa magia que solían contener aquellos antiguos títulos de un cine ya desaparecido, pero ahora más que nunca añorado. Y lo hace evocando a Ford, su maestro, pero sin dejar de ser él mismo, desmotrando en cada plano, en cada secuencia, que es simple y llanamente uno de los mejores. No le interesa mostrar la guerra en toda su crudeza, sino resaltar la aventura del caballo por encima de todo, como elemento liberador, como una casi extraña búsqueda de lo puro y lo auténtico en un mundo que se cae a pedazos. En ‘Cadena perpetua’ (‘The Shawshank Redemption’, Frank Darabont, 1994) —un film muy Spielberg, por cierto— el personaje de Morgan Freeman reconocía la importancia de no perder jamás la esperanza para sobrevivir en el mundo. ‘War Horse’ es el grito de esperanza de Spielberg, esta vez no solo para niños, no sólo para adultos, sino para todos.

Joey es su estandarte, su lanza de lucha. Y lo convierte en el protagonista absoluto —el caballo se merece un Oscar— muy por encima del elenco, totalmente entregado a la causa y conscientes de que son secundarios y pasajeros, a excepción quizá del interpretado por un muy correcto Jeremy Irvine. La odisea de Joey estará marcada por sus andanzas en ambos lados del frente, ingleses y alemanes, y las microhistorias que Spielberg narra son duros golpes asestados con su típica sutileza, camino de un clímax en tierra de nadie que debería entrar por derecho propio en los anales de la historia del cine —atención al cambio de fotografía en dicho instante, dotando la secuencia de un carácter onírico, irreal, y que paradójicamente evoca un episodio real ocurrido en el frente—. En el viaje del caballo seremos testigos indirectos de muchas muertes, todas ellas, atención, en fuera de campo, y en ese aspecto el uso de la elipsis por parte del director es ejemplar —como tambien lo es en el caso de ese proyectil cuyo trayecto une argumentalmente a Joey con su dueño, en un prodigio narrativo de primer orden—. Las aspas de un molino nos privarán de dos muertes injustas, la carga de la caballería inglesa contra un nido de ametrelladoras alemanas concluye con el cabalagar de Joey sin jinete, y sabremos del destino de una inocente muchacha por las palabras de su padre, sin duda la muerte humana más demoledora del film ya que es nuestra imaginación la que la describe. Únicamente Spielberg reposa su cámara en la muerte de un animal, compañero inseparable de Joey en los momentos duros.

Al final, Kamisnki vuelve a ser el protagonista, y ese atardecer rabioso brilla con fuerza delante de nuestras pupilas, mientras las dos horas y media de metraje no las hemos notado ni lo más mínimo. La odisea ha llegado su fin, la guerra ha terminado, un hijo regresa a su hogar, cansado, casi ciego, y un padre, horrorizado por los horrores que vio en combate, y cuyo rostro cansado los esconde, lo recibe orgulloso al comprender que lo mejor de él sobrevive. La escena conclusión es puro cine clásico al cien por cien, un regreso familiar que se muda retorno artístico a los orígenes, para recordarnos quiénes somos y que no debemos olvidarnos de lo esencial, aquello que nos hace humanos. El más violento de los directores, de apellido Peckinaph, rezaba en una de sus mejores películas que todos queríamos volver a ser niños, incluso los peores de nosotros, esos los que más. La inocencia como tabla de náufrago en un mundo violento. Spielberg nos lo ha concedido durante dos horas y media, en todo su esplendor. Si esto no es la magia del cine, ya no sé lo que es.

Estrenos de la semana | 17 de febrero | Los lobos de Neeson contra la masculinidad de Fassbender

Mikel Zorrilla — Fri, 17 Feb 2012 07:30:59 GMT

Vuelve a ser viernes y con él nos llegan nuevos estrenos a los cines de toda España. En esta ocasión no hay ninguna película de entre las principales nominadas de la inminente ceremonia de los Oscar, ya que habrá que esperar hasta la próxima semana para poder ver ‘La invención de Hugo’, la cinta que más nominaciones ostenta. Es una pena que no hayan aprovechado esta semana para dejar ver al público español ‘Tan fuerte, tan cerca’, la candidata a mejor película que no podremos ver hasta ya entregadas las preciadas estatuillas. Lo que sí nos llegan son un par de títulos que figuran entre las grandes ausentes de los Oscar como ‘Shame’ (muy comentada en el extranjero por el desnudo integral de su protagonista) y ‘Young Adult’, o el esperado enfrentamiento por la supervivencia entre Liam Neeson y una manada de lobos. Otros cuatro títulos completan la lista de estrenos de este 17 de febrero de 2012.

‘Infierno blanco’

Dirección: Joe Carnahan. Título Original: The Grey. País: USA. Año: 2012. Duración: 115 min. Género: Acción, drama, thriller. Interpretación: Liam Neeson (Ottway), Dermot Mulroney (Talget), Frank Grillo (Diaz), Joe Anderson (Flannery), James Badge Dale (Lewenden), Dallas Roberts (Henrick), Nonso Anozie (Burke), Ben Bray (Hernandez). Guion: Joe Carnahan y Ian Mackenzie Jeffers; basado en el relato corto “Ghost walker”, de Ian Mackenzie Jeffers. Producción: Joe Carnahan, Jules Daly, Ridley Scott y Mickey Lidell. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Montaje: Roger Barton y Joseph Jett Sally. Diseño de producción: John Willett. Vestuario: Courtney Daniel. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en USA: 27 Enero 2012.

Sinopsis: El personaje interpretado por Liam Neeson es el líder de un indisciplinado grupo de trabajadores de una refinería cuyo avión se estrella en las remotas montañas de Alaska. Los supervivientes, expuestos a heridas mortales y un tiempo inclemente, disponen de pocos días para escapar de los gélidos elementos. Y por si el terrible frío fuera poco enemigo, una manada de lobos salvajes, amenazantes y sanguinarios, persiguen incansablemente a sus presas humanas. A medida que las indefensas víctimas caen una a una, las posibilidades de supervivencia del último de estos hombres son cada vez más remotas.

Crítica en Blogdecine: ‘Infierno blanco’, lobos sanguinarios y engañosos

‘Shame’

Dirección: Steve McQueen. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 97 min. Género: Drama. Interpretación: Michael Fassbender (Brandon), Carey Mulligan (Sissy), James Badge Dale (David), Nicole Beharie (Marianne), Hannah Ware. Guion: Steve McQueen y Abi Morgan. Producción: Iain Canning y Emile Sherman. Música: Harry Escott. Fotografía: Sean Bobbitt. Montaje: Joe Walker. Diseño de producción: Judy Becker. Vestuario: David C. Robinson. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en Reino Unido: 13 Enero 2012.

Sinopsis: En ¡Shame’ conoceremos a Brandon, un hombre de treinta y tantos años que vive en un confortable apartamento en Nueva York y es adicto al sexo. Pero el ritmo metódico y ordenado de su vida se ve alterado por la imprevista llegada de su hermana Sissy, una chica rebelde y problemática. Su presencia explosiva llevará a Brandon a perder el control sobre su propio mundo.

Crítica en Blogdecine: ‘Shame’, sexo liberador

‘Young Adult’

Dirección: Jason Reitman. País: USA. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: Charlize Theron (Mavis Gary), Patrick Wilson (Buddy Slade), Elizabeth Reaser (Beth Slade), Patton Oswalt (Matt Freehauf), Jill Eikenberry (Hedda Gary), Richard Bekins (David Gary), Collette Wolfe (Sandra Freehauf). Guion: Diablo Cody. Producción: Diablo Cody, Lianne Halfon, Mason Novick, Jason Reitman, Russell Smith y Charlize Theron. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Eric Steelberg. Montaje: Dana E. Glauberman. Diseño de producción: Kevin Thompson. Vestuario: David Robinson. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en USA: 16 Diciembre 2011.

Sinopsis: Charlize Theron interpreta a Mavis Gary, una escritora de libros para adolescentes que vuelve a su pueblo natal para revivir sus días de gloria e intentar recuperar a su amor del instituto (Patrick Wilson). Cuando todo parece ir de mal en peor, Mavis se encuentra con un antiguo compañero de clase que tampoco ha triunfado al terminar el instituto.

Crítica en Blogdecine: ‘Young Adult’, el encanto de lo despreciable

‘La mujer de negro’

Dirección: James Watkins. Título original: The woman in black. Países: Reino Unido, Canadá y Suecia. Año: 2012. Duración: 95 min. Género: Terror. Interpretación: Daniel Radcliffe (Arthur Kipps), Ciarán Hinds (Sr. Daily), Janet McTeer (Sra. Daily), Liz White (Jennet Humfrye), Shaun Dooley (Fisher). Guion: Jane Goldman; basado en la novela de Susan Hill. Producción: Richard Jackson, Brian Oliver y Simon Oakes. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Montaje: Jon Harris. Diseño de producción: Kave Quinn. Vestuario: Keith Madden. Distribuidora: Aurum. Estreno en Reino Unido: 10 Febrero 2012.

Sinopsis: ‘La mujer de negro’ nos cuenta la historia de un joven abogado de Londres, Arthur Kipps (Daniel Radcliffe), que se ve obligado a dejar a su hijo de tres años para viajar al remoto pueblo de Crythin Gifford y encargarse de los asuntos del propietario recientemente fallecido de Eel Marsh House. Sin embargo, cuando llega a la vieja y escalofriante mansión, descubre siniestros secretos del pasado de los lugareños, y su inquietud no hace más que aumentar cuando vislumbra a una misteriosa mujer vestida de negro.

¿Qué podemos esperar? Un intento de Daniel Radcliffe de quitarse de encima el encasillamiento como Harry Potter, y encima de la mano de la mítica productora Hammer. La opera prima de su director, ‘Eden Lake’, fue muy satisfactoria, así que habrá que tener cierta esperanza en que revalide ese talento.

‘Viaje al centro de la Tierra 2’

Dirección: Brad Peyton. Título original: Journey 2: The mysterious island. País: USA. Año: 2012. Duración: 94 min. Género: Aventuras, fantástico, familiar. Interpretación: Dwayne Johnson (Hank), Josh Hutcherson (Sean), Vanessa Hudgens (Kailani), Michael Caine (Alexander), Luis Guzmán (Gabato), Kristin Davis (Liz). Guion: Brian Gunn y Mark Gunn; basado en un argumento de Brian Gunn, Mark Gunn y Richard Outten. Producción: Beau Flynn, Tripp Vinson y Charlotte Huggins. Música: Andrew Lockington. Fotografía: David Tattersall. Montaje: David Rennie. Diseño de producción: Bill Boes. Vestuario: Denise Wingate. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en USA: 10 Febrero 2012.

Sinopsis: ‘Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa’ comienza cuando Sean Anderson recibe una señal codificada pidiendo ayuda. Incapaz de detenerle en su búsqueda del origen de la señal, el nuevo padrastro de Sean, Hank, se une a él en una expedición que primero les llevará al Pacífico Sur y luego a un lugar que pocas personas han visto o han vivido para contarlo. Se trata de un sitio de increíble belleza, con extrañas y amenazadoras formas de vida, volcanes, montañas de oro y más de un secreto impactante. Junto con Gabato, el único piloto de helicópteros dispuesto a asumir el riesgo del viaje, y la hermosa y decidida hija de Gabato, Kailani, parten en busca de la isla. ‘Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa’ cuenta también con la presencia de Michael Caine en el papel del abuelo de Sean, Alexander, el viajero solitario al que han acudido a buscar, y con Kristin Davis como la madre de Sean, Liz.

¿Qué podemos esperar? Una simpática aventura para toda la familia o una estupidez sin pies ni cabeza. Al menos tendremos por ahí a Michael Caine, aunque sospecho que aceptó salir en ella para financiarse algún capricho personal.

‘Cuenta atrás’

Dirección: Fred Cavayé. Título original: À bout portant. País: Francia. Año: 2010. Duración: 87 min. Género: Thriller. Interpretación: Gilles Lellouche (Samuel), Roschdy Zem (Hugo), Gérard Lanvin (comandante Werner), Elena Anaya (Nadia), Mireille Perrier (comandante Fabre), Claire Pérot (capitán Susini), Moussa Maaskri (capitán Vogel). Guion: Fred Cavayé y Guillaume Lemans. Producción: Cyril Colbeau-Justin. Música: Klaus Badelt. Fotografía: Alain Duplantier. Montaje: Benjamin Weil. Diseño de producción: Philippe Chiffre. Distribuidora: A Contracorriente Films. Vestuario: Marie-Laure Bruchon. Estreno en Francia: 1 Diciembre 2010.

Sinopsis: Samuel y Nadia son una pareja que vive feliz en París. Él trabaja como enfermero y juntos esperan su primer hijo. Pero todo cambia cuando Nadia es secuestrada bajo la mirada impotente de su marido. Para salvar a su esposa, Samuel deberá ayudar a escapar del hospital a un paciente que se encuentra bajo vigilancia policial. Y a partir de ese momento, empezará su particular cuenta atrás.

¿Qué podemos esperar? Un thriller cumplidor para pasar el rato. Ha tardado más de un año en estrenarse en España pese al protagonismo de Elena Anaya, así que muy memorable no será.

Crítica en Blogdecine: ‘Cuenta atrás’, Elena Anaya secuestrada en un trepidante thriller

‘Hello! How are you?’

Dirección: Alexandru Maffei. Título original: Buna! Ce faci? Países: Rumanía, España e Italia. Año: 2010. Duración: 105 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Dana Voicu (Gabriela), Ionel Mihailescu (Gabriel), Paul Diaconescu (Vladimir), Jordi Garcia, Ana Popescu (Toni), Ioan Ionescu (Marcel). Guion: Lia Bugnar. Producción: Tudor Reu y Antoni Solé. Música: Dragos Alexandru. Fotografía: Radu Aldea. Montaje: Mihai Codleanu. Diseño de producción: Andreea Hillerin y Mihaela Ularu. Distribuidora: Paycom Multimedia. Estreno en Rumanía: 4 Marzo 2011.

Sinopsis: Una comedia romántica sobre una pareja que, después de 20 años de matrimonio, no sienten ya ningún tipo de atracción el uno hacia el otro. Después de varias noches de chatear a lo loco, ambos están convencidos de haber encontrado el amante perfecto en la Web. La fascinación hacia el amante virtual se mezcla con el sentimiento de culpa, pero ninguno sospecha que la persona de quien se ha enamorado por Internet no le es tan desconocida. Aunque sea especialmente liberal en sus propias relaciones sexuales, su hijo de 17 años está más que sorprendido cuando descubre las historias de amor de sus padres.

¿Qué podemos esperar? La opción exótica de la semana para aquellos que quieran acercarse al cine pero que no les convence ninguno de los otros seis estrenos. Además, estando tan reciente San Valentín, aún los habrá que quieran ver una historia romántica.

Berlinale 2012 | Los dramas dominan la jornada

Beatriz Maldivia — Thu, 16 Feb 2012 19:36:48 GMT

La jornada de hoy de la Berlinale o Festival de cine de Berlín, del que os venimos hablando a diario desde la inauguración de su 62ª edición, no destacará por la repercusión mediática de las películas proyectadas. De momento, quienes figuran en sus créditos no responden al star system de Hollywood ni tampoco a la lista de nombres de prestigio habituales en los festivales, sino más bien a la clásica tradición de ir descubriéndonos nuevos talentos que, tal vez, puedan sumarse a ese firmamento de estrellas. No parece ser el caso en el día de hoy. Un denominador común de la jornada ha sido la subida de intensidad emocional en las cintas presentadas, y eso que muchos estaban quejándose de una Berlinale excesivamente dramática.

La película más notoria puede haber sido la coproducción húngaro-francesa ‘Csak a szél’ (‘Solo el viento’), dirigida por Bence Fliegauf. El film habla de la discriminación y el miedo con los que tienen que convivir, diariamente, muchas personas de raza gitana. Nos trae la protesta a través de la historia particular de una asistente del hogar, que a duras penas logra mantener a su familia con su sueldo, y del terror en el que vive, después de que haya sido asesinada una familia gitana en el pueblo en el que habitan. Indiewire ha aplaudido esta recreación de hechos reales, recalcando la labor del director a la hora de crear una tensión físicamente palpable. En Screendaily destacan una valiente apuesta que, por momentos, bordea el documental, aunque advierten de que no es una película para todos los públicos, no tanto por su violencia, como porque la opción de mantener la tensión contenida puede dar la impresión de que “no pasa nada”. Sin embargo, incidien en que ese riesgo se ve recompensado por el climático final. Avisados quedamos.

De momento, hay menos críticas que repercusiones extracinematográficas, ya que es notoria la polémica que ‘Csak a szél‘ ha generado en Hungría al recibir subvenciones del ministerio de justicia, en vez del de cultura. Para algunos, la cinta podría ser un intento del gobierno húngaro por lavarse la cara ante acusaciones de xenofobia. En cualquier caso, esta propuesta, encuadrada dentro de un tipo de cine social que utiliza actores no profesionales, puede tener interés tanto fílmico como de denuncia.

Una recepción más cálida por parte del público ha tenido el drama germano-noruego de Matthias Glasner ‘Gnade‘ (‘Clemencia’), una historia sobre una mujer que, mientras se intenta aclimatar al nuevo sitio en el que vive – una gélida zona de Noruega, en la estación en la que apenas hay sol –, atropella a una persona y, acto seguido, decide darse a la fuga. Las repercusiones morales que, en los días siguientes, ese acto va a tener para la protagonista y su marido son la base de un drama contenido y reflexivo. Indiewire saca a colación la belleza cinematográfica de este melodrama intimista que reflexiona sobre la posibilidad de vivir sin la compasión o sin la capacidad de perdonar.

En un tono igualmente dramático e introspectivo, la película alemana ‘Was bleibt’ (‘A casa el fin de semana’), de Hans-Christian Schmid, nos narra la decisión de una madre de dejar de tomar la medicación para su enfermedad mental y el efecto que dicha determinación provoca en su familia. En Variety han distinguido la ejecución profesional de esta pieza de cámara, que no reescribirá ninguna regla del género, pero que logra absorber al espectador. En el Hollywood Reporter dan prioridad a lo “refrescante” que resulta ver ese drama abordado con cierto distanciamiento, pero con una importante dosis de sensibilidad. En El Séptimo Arte elogian la opción “fría” de la película, pero advierten de que sus autores no la saben cerrar adecuadamente y, por tanto, termina haciéndose tediosa. En una onda idéntica, se pronuncia Cine-Vue: aunque la película posee sus aciertos dramáticos, no hay suficiente fuste como para que el final resulte enteramente satisfactorio. Parece que, aunque juegue en casa, ‘Was bleibt’ no suena para el palmarés.

La película danesa ‘En Kongelig Affære’ (‘A Royal Affair’) se sitúa, por su parte, en el género del drama histórico y nos cuenta cómo una joven reina, que está casada con un rey loco, se enamora en secreto de otra persona. Juntos, iniciarán una revolución que cambiará la nación para siempre. No es la primera vez que el realizador danés Nikolaj Arcel retrata a la clase política de su país: lo hizo en el 2004 con ‘Kings Game’ y, ahora, retrocede dos siglos para retratar a la familia real danesa. Para La Vanguardia supuso un respiro en una Berlinale sobredimensionada de dramas y logró vencer los recelos de muchos reticentes al cine histórico. Posiblemente, fuera del marco del Festival no sea una película que destaque especialmente, pero los tráilers dan fe de un producto muy competente y de una historia ciertamente interesante. El film está protagonizado por el célebre intérprete danés Mads Mikkelsen, a quien podemos ver, junto a la actriz Alicia Vikander, en el fotograma que abre el artículo.

'Young Adult', el encanto de lo despreciable

Mikel Zorrilla — Thu, 16 Feb 2012 18:35:25 GMT

Hay varios tics dentro del cine independiente americano que se repiten tan a menudo que pueden llegar a ser irritantes. Una de las cosas más comunes es arriesgar en el retrato inicial del protagonista, al cual permiten hacer cosas que serían censurables para algunos. El problema es que también es habitual que la cobardía acabe apoderándose del guionista y dicho personaje sufra una transformación para acomodarse más a los esquemas habituales del cine comercial. Otro punto habitual es la aparición de algún secundario que llama especialmente la atención, el cual no es raro que sea interpretado por alguna gran estrella que busca relanzar su carrera o simplemente alejarse un poco de la asfixiante exigencia de las grandes producciones de USA. Esto que digo también sirve para algunas comedias (‘Mal ejemplo’, ‘Carta blanca’, etc.), en las cuales se hace especial hincapié en los apuntes negativos de los protagonistas en los minutos iniciales para que luego acaben consiguiendo una redención con el objetivo, imagino, de conseguir el innecesario perdón del espectador por su actitud previa.

La pega de ese modelo es que llega un punto en el que a ver que se empieza a dar mucho bombo a una producción indie por su carácter transgresor no queda otra que sospechar: ¿Volverán a intentar colármela con algo que empieza muy bien para luego ir desinflándose por no ser capaz de llevar hasta las últimas consecuencias su propuesta? Ese temor era lo que marcaba cualquier expectativa que se pudiera tener hacia ‘Young Adult’, otra de las olvidadas en las nominaciones de los Oscar, el último vehículo para el lucimiento interpretativo de Charlize Theron. Y una vez vista, la cuestión es ¿estamos ante otro timo o sabe jugar con los elementos a su disposición para mostrar una evolución coherente de su singular protagonista?

Uno de los supuestos grandes atractivos de ‘Young Adult’ era que suponía el reencuentro del dúo Jason Reitman y Diablo Cody tras el notable éxito hace algunos años de ‘Juno’, la cual el primero consiguió ser nominado al Oscar de mejor dirección, mientras que la segunda se llevó la preciada estatuilla a mejor guión original. Eso sí, lo primero que debéis asimilar es que los parecidos entre ‘Young Adult’ y ‘Juno’ prácticamente se acaban ahí, ya que ‘Juno’ jugaba a ser ingeniosa con el problemático tema del embarazo adolescente, mientras que en la cinta que nos ocupa el foco de interés es la determinación de la protagonista por recuperar a su novio del pueblo en el que antes vivía. Hasta ahí puede sonar hasta romántico, pero el problema es que él está casado y encima ha tenido descendencia muy recientemente. Y es que lo importante aquí es conseguir que marcando negativamente al personaje principal se consiga mantener el interés del público y que éste no ceda a la tentación de odiar a Theron y desconectar de lo que se le está contando.

Cody no escatima en dotar a su protagonista de reacciones censurables o comentarios que a algunos les parecerán escandalosos, aunque sí evita cargar innecesariamente contra ella. ¿Qué sentido tendría demonizar a Mavis cuando ella no es más que una misántropa que no termina de encontrar su lugar en la vida? El guión de Cody tiene como objetivo equilibrar la, no voy a negarlo, despreciable actitud de Mavis, y para ello no duda en utilizar a modo de contraste la descripción de un pueblo gris, que goza de algunos de los peores vicios de la gran ciudad (las cadenas de comida rápida a las que es asidua Mavis) y en el que, en el fondo, nunca pasa nada. Esto es algo muy de agradecer, ya que el cine americano tiene una tendencia a potenciar las virtudes del regreso a tus raíces (la vida en una pequeña población), cuando en realidad ésta puede acabar destruyéndote como persona si ése no es el estilo de vida que más encaja contigo. Tampoco es que los habitantes del pueblo sean retratados de forma muy positiva, sino como una especie de perdedores que han asimilado su situación para encontrar una relativa felicidad. Por su parte, Reitman prefiere pasar inadvertido en la puesta en escena y confiar más en el guión (un error a veces, ya que la mediocridad del lugar a veces contagia al relato y el interés decae) y el talento interpretativo de Theron. Ni siquiera se aprovecha de una escena hacia el final de la película en la que un personaje suelta un discurso para intentar destacar.

Sin embargo, el gran atractivo de ‘Young Adult’ es la actuación de Charlize Theron, una actriz que no ha sucumbido a la tentación de vivir de su belleza (no por nada era antes modelo) y ha sabido manejar su carrera combinando producciones más comerciales con otros títulos más pequeñitos, siendo capaz de adaptar su físico a las necesidades del personaje. Aquí sí que es necesario resaltar su belleza física, pero no faltan situaciones donde sale algo más desfavorecida para fomentar así la fragilidad mental del mismo. Y es que Theron lo borda, sabiendo utilizar el carácter desagradable de su personaje, pero sin caer en reacciones gratuitas ni histrionismos baratos, ya que Mavis simplemente es una persona que no ha madurado (no es casual la elección de su profesión) y lo quiere todo a su gusto. Esa inadaptación es lo que aprovecha para modular su actuación y ganarse cierto cariño por parte del público.

En el apartado de secundarios encontramos algún rostro conocido como los de Patrick Wilson (correcto como el antiguo novio de Mavis) o Elizabeth Reaser (cumplidora como la esposa del anterior), pero el otro personaje realmente relevante corre a cargo del poco conocido Patton Oswalt. Es muy curioso que el único que sabe captar la contradictoria personalidad de Mavis sea el habitante del pueblo que tiene una vida más complicada, ya que fue atacado en su adolescencia y eso le ha dejado graves secuelas físicas. Es evidente que su función es la de servir de elemento redentor de la protagonista, la forma de ver que hay que aceptar lo malo que te da la vida y continuar adelante. Y la verdad es que Oswalt realiza muy bien su función como amigo escuchante y encargado de consolar a Theron en sus momentos más bajos, siendo esto lo que podría acabar siendo una grave traición a los postulados de ‘Young Adult’. Lo único que voy a deciros es que en la resolución de esto se encuentra el gran momento de la película, hasta tal punto que no se me ocurre ni una sola forma mejor de resolver la historia de Mavis.

En definitiva, ‘Young Adult’ es una película que sabe jugar a la perfección con la un tanto despreciable actitud de su protagonista, pero no para condenarla, sino para ofrecer un retrato sincero que potencie lo buen personaje que es sin amilanarse a la hora de mostrar todo lo negativo. Además, sabe mantenerse fiel a lo que presenta y ofrecer un desenlace coherente con lo que ha ido sucediéndose. Todo ello potenciado por la excelente actuación de Theron, la cual no tiene problemas en abrazar un complicado personaje en el que ha de equilibrar su censurable comportamiento (recordar la premisa argumental) con la necesidad de conseguir cierta empatía por parte del público. Cierto es que hay tramos en los que a uno no le importa demasiado lo que está pasando, pero el subidón final logra que ‘Young Adult’ sea una experiencia recomendable. Y es que nos ahorraremos muchas frustraciones si aceptamos que no todo pueden ser obras maestras y nos conformamos con propuestas tan estimulantes como ésta.

Encuesta de la semana | Oscar 2012

Juan Luis Caviaro — Thu, 16 Feb 2012 16:45:51 GMT

Volvemos con las encuestas en Blogdecine. Tras dedicar las dos últimas a la comedia, mi intención era continuar con los géneros y entrar en los apasionantes terrenos de la ciencia-ficción, pero estamos en plena temporada de premios cinematográficos y como queda poco más de una semana para la 84ª edición de los Oscar, cambié de idea y he preferido dejaros este cuestionario sobre los famosos premios de la Academia de las artes y las ciencias cinematográficas de Estados Unidos.

Sí, básicamente es una quiniela de los Oscar 2012. He incluido todas las categorías (incluso la de corto documental, que a nadie le importa) pero no es necesario apostar por un ganador en todas, solo las que queráis, como si solo marcáis una casilla. Igualmente, si os apetece, podéis aclarar vuestro pronóstico para la noche del 26 de febrero (y me refiero a los premios…) en un comentario y así descubrimos al lector con mayor habilidad adivinatoria. Publicaré los resultados de la encuesta la semana que viene, unos días antes de la gala de los Oscar, que por cierto volveremos a comentar en directo en Blogdecine, no lo olvidéis, espero veros aquí.

Sin más, os animo a participar, ya sea en la encuesta o en los comentarios, que parece que este año las nominaciones de la Academia han resultado bastante polémicas (Russell Crowe calificó de “bullshit” la ausencia de Ryan Gosling entre los actores finalistas).

Cargando…

PD: ‘La invención de Hugo’ puede lograr once estatuillas y ‘The Artist’ diez. ¿Creéis que arrasará una de las dos o que los premios estarán muy repartidos?

Tom Hiddleston, Anna Paquin y Elijah Wood en 'Black Wings Has My Angel'

Juan Luis Caviaro — Thu, 16 Feb 2012 14:02:38 GMT

¿Loki, Rogue y Frodo juntos en una película? Me apunto.

Ése ha sido el comentario de un lector de la web ComingSoon, donde he encontrado la interesante noticia que os traigo. Efectivamente, Tom Hiddleston, Anna Paquin y Elijah Wood, los actores que han dado vida a los conocidos personajes Loki (‘Thor’), Rogue (‘X-Men’) y Frodo (‘El señor de los anillos’), van a coincidir en una película de Cargo Entertainment titulada ‘Black Wings Has My Angel’ (en español, “Alas negras tiene mi ángel”). El rodaje debería comenzar en el mes de septiembre, por el momento no se ha anunciado fecha de estreno.

La historia de ‘Black Wings Has My Angel’ está basada en la novela de Elliott Chaze y se centra en un antihéroe, un exconvicto que, con la ayuda de una atractiva “acompañante” de lujo que conoce en un motel, planea dar un giro a su vida robando un camión blindado. El guion lo han escrito Barry Gifford, Christopher Peditto (alias “harto-de-bromas-sobre-mi-apellido”) y Alfonso Pineda Ulloa. Este último, realizador mexicano responsable de los largometrajes ‘Going Down’ (2003) y ‘Violanchelo’ (2008), será quien dirija la película, que solo costará entre 5 y 7 millones de dólares. Se supone que Hiddleston interpretará al expresidiario, Paquin a la prostituta y Wood a un maleante que pone en problemas a la pareja protagonista (no me imagino a Frodo intimidando a Loki, pero habrá que verlo en pantalla). Suena bien el proyecto, ¿no os parece?

PD: A Wood lo podremos ver en diciembre en ‘El Hobbit: Un viaje inesperado’ (el tráiler lo tenéis aquí) y después en el remake de ‘Maniac’ (Mikel os dejó unas fotos del rodaje), ya en 2013.

Vía | ComingSoon

'Shame', sexo liberador

Mikel Zorrilla — Thu, 16 Feb 2012 12:01:21 GMT

El sexo es uno de los motores de la industria cinematográfica, no ya sólo por los, nunca mejor dicho, obscenos beneficios del porno, sino porque los desnudos de una estrella más o menos importante en Hollywood siempre causa un gran revuelo. Algo habitual suele ver que, en un momento u otro de su carrera, la gran mayoría de actrices acaba mostrando sus pechos. Puede ser que realmente obedezca a necesidades dramáticas del guión (la excusa que muchas utilizan para justificar su primer desnudo), a que la actriz no era tan conocida en ese momento o simplemente a que se llegue a crear una película casi con ese único objetivo. El mejor ejemplo que me viene a la cabeza es el de la ridícula ‘Striptease’, donde Demi Moore mostró sus encantos a cambio de 12,5 millones de dólares, el máximo salario que había recibido cualquier actriz por una película hasta la fecha, y eso que ni siquiera era la primera vez que lo hacía. Otro caso muy comentado fue el de Halle Berry en la tan absurda como entretenida ‘Operación Swordfish’, donde se da por hecho que cobró medio millón de dólares adicionales sólo por aquella escena gratuita en la que salía sin la parte superior de su bikini. No obstante, lo que es mucho menos habitual es ver a un actor enseñar su miembro viril, en una muestra de hipocresía a la que cuesta encontrar un ejemplo equivalente.

Y es que, sin entrar a valorar aún su calidad, ‘Shame’ ha causado una gran expectación entre cierto sector del público por los comentarios sobre el desnudo integral de Michael Fassbender, en especial cuando lo vemos como dios lo trajo al mundo de frente. Hasta George Clooney hizo una alusión a su tamaño cuando recogió el globo de oro al mejor actor que ganó en la última edición de estos premios. El problema de este apunte frívolo es que puede provocar que ‘Shame’ acabe siendo recordada como la obra donde ver desnudo al protagonista de ‘X-Men: Primera generación’. ¿Hasta qué punto era necesario todo esto y, sobre todo, sirve para que ‘Shame’ acabe siendo una buena película?

Pronto queda claro que lo de Fassbender no es algo gratuito, sino una elección específica que ayuda a remarcar el estado emocional de los personajes principales de ‘Shame’. ¿Por qué digo dos? Pues porque tanto Fassbender como Carey Mulligan aparecen completamente desnudos coincidiendo con su presentación al espectador, y eso es algo que sirve para recalcar lo que está por llegar. ‘Shame’ es una radiografía de la desnudez humana, pero la física sólo funciona a modo de aviso de la emocional, que es lo que vertebra el relato. Y es que Steve McQueen no está interesado en contarnos una historia convencional, pero tampoco cede a los vicios del cine diferente, donde la narrativa tradicional parece una trampa a evitar con la finalidad de ser realmente especiales. Lo que McQueen busca es retratar la reacción emocional a un trauma del pasado que nunca llegamos a conocer, siendo esto un gran acierto, ya que el halo de misterio permite al espectador elucubrar sobre lo que ocurrió en el pasado de los dos hermanos, pero también no pone un límite claro al origen del estado de sus personajes.

Lo que sí nos transmite ‘Shame’ es una atmósfera incómoda sin ser molesta, donde la banda sonora sirve de bastión para incidir en el componente emocional del relato. Además, McQueen opta por llevar la superficialidad de su protagonista a los no muy abundantes diálogos de ‘Shame’, donde únicamente hay una escena en la que éstos cobren una importancia capital, donde resulta un gran acierto apostar por un plano sostenido del cara a cara dramático entre los dos protagonistas. Por lo demás, los diálogos son un mero accesorio para llegar a su psique, donde lo dominante es el secretismo hacia su pasado y la superficialidad impuesta por su protagonista.

Sin embargo, es muy difícil que dos personas reaccionen por igual ante un suceso traumático. Puede ser que te convierta en un ser frágil, siempre al borde del precipicio, y extremadamente dependiente del cariño de tu hermano, la única persona capaz de arrojar algo de luz sobre tu desastrosa experiencia. Es aquí donde brilla con luz propia Carey Mulligan, ya que McQueen sabe aprovechar la imagen delicada de la actriz para darle un giro de tuerca y evitar caer en una languidez que, de una forma u otra, estaba empezando a apoderarse de todas sus actuaciones. Aquí eso no pasa, pues su Sissy transmite una candidez y fragilidad tan extrema que sabes que siempre corre peligro. Quizá la brillante escena en la que canta una canción sea el mejor reflejo de ello, pero es algo consistente a lo largo de todo el metraje, algo que la protagonista de ‘An Education’ aprovecha para ofrecer la que seguramente sea su mejor interpretación hasta la fecha.

Ante la hipersensibilidad de Mulligan se sitúa un Fassbender que ha conseguido una comodidad existencial optando por un completo desapego emocional (de ahí que se encuentre a gusto en compañía del personaje de James Badge Dale, cuya superficialidad resulta cómica en comparación), donde el sexo funciona como vía de escape y única fuente de auténtico placer. El problema es que sus constantes encuentros sexuales sólo son un parche que le sirven para ir tirando, y todo se tuerce en cuanto surge algo similar a una emoción con sus compañeras de cama. Es curioso que ‘Shame’ haga tanto hincapié en la potente masculinidad de Fassbender, no ya sólo por su desnudo, sino porque Brandon ~~exhuma~~ exuda una virilidad que resulta irresistible para las mujeres hasta decir una sola palabra (brillante una escena que tiene lugar en el interior de un vagón de metro), cuando él no deja de ser un inadaptado con una necesidad sexual insaciable.

Y es que no sólo se acuesta con infinidad de mujeres, sino que no tiene reparos en abusar del porno y la masturbación. Y esta ansia es algo que Fassbender logra retratar a la perfección, evitando caer en el peligroso patetismo de su situación para retratar a Brandon como un animal herido y enjaulado que no quiere contactar con una realidad dolorosa. ¿Para qué dar libre cabida a las emociones si éstas sólo van a servir para comerte por dentro? Y si un sentimiento se interpone en tu camino siempre puedes huir para evitar que te atrape, algo que Fassbender también muestra de forma brillante, siendo quizá la mejor actuación masculina de todas las que parecían nominables de cara a los Oscar. Lástima que toda la comidilla alrededor de su miembro viril haya acabado jugando en su contra.

En definitiva, es una pena que una película tan potente como ‘Shame’ haya quedado fuera de la carrera de los Oscar cuando tiene tantos aspectos que merecen ser alabados (y no, no estoy pensando en cierta parte de la anatomía de su protagonista), pero sobre todo su capacidad para querer ser una película emocional sin caer en trucos visuales más o menos efectivos como sucedía en el caso de ‘El árbol de la vida’. Aquí la historia importa, pero sólo como medio para perfilar mejor al personaje de un inmenso Michael Fassbender, para el cual todo elogio se queda corto para su actuación en ‘Shame’. Y es que no estamos ante una película perfecta (hay una ligera tendencia a la reiteración), pero sí ante una cinta notable que triunfa de forma clara en su principal objetivo. Muy recomendable.

'Cuenta atrás', Elena Anaya secuestrada en un trepidante thriller

Beatriz Maldivia — Thu, 16 Feb 2012 10:37:30 GMT

La penúltima película de Fred Cavayé, que llegará mañana a nuestras pantallas, – la última, ‘Les Infidèles’, tiene previsto estrenarse en abril en España – vuelve a apostar, al igual que lo hiciera en su exitosa ‘Pour elle’, por poner a una persona común en una situación extraordinaria. Esta persona es Samuel (Gilles Lelouche), un celador de hospital, que tiene la desgracia de atender a un herido grave, envuelto en asuntos realmente turbios. Como ya os adelantaba aquí, una organización criminal secuestra a la mujer del celador, Nadia (Elena Anaya), embarazada de ocho meses, para obligar a Samuel a sacar a ese herido del hospital, a pesar de que tan siniestro paciente está fuertemente custodiado por la policía. La pulsión de Samuel por lograr rescatar a su mujer es lo que cargará de tensión la hora y media de ‘Cuenta atrás’ (‘À bout Portant’).

Cavayé apuesta por ciertas constantes del thriller trepidante antes que por la opción de la verosimilitud que, en su momento, adoptaron películas como ‘Frenético‘ de Roman Polanski –asimismo ambientada en París–. Ciertas resoluciones de secuencia están al límite de lo creíble. En su lugar, el realismo se busca en una estupenda dirección de fotografía y a unas acertadas localizaciones de los suburbios parisinos, así como a una credibilidad física de la acción, lejos de excesos de superhéroe por parte del protagonista –eso sí, parece que el personaje de Samuel ha dedicado unas cuantas horas de su vida al gimnasio–.

Si bien ‘Cuenta atrás’ no destaca por su originalidad, se ve beneficiada por poseer un ritmo envidiable, gracias al cual funciona como un canónico thriller sin pretensiones. El guion, lejos de ser una excusa para hilvanar unas pocas secuencias de acción, administra distintos puntos de giro que logran una progresión de la trama que no deja lugar al aburrimiento. En ese sentido, la apuesta por el género crea una película que, en mi opinión, supera a ‘Pour elle’, cinta que conoció un reciente remake con Russell Crowe: ‘Los próximos tres días’, sobre la que ya ofrecí mis consideraciones. En ‘Pour elle’, el intento por buscar un efecto realidad era mucho más intenso que en ‘Cuenta atrás’, lo que paradójicamente provocaba que los aspectos más inverosímiles de la trama resultasen más chirriantes.

Los actores son uno de los puntos fuertes de la película. Si bien los policías están, en líneas generales, algo desdibujados – y con un reparto no muy acertado en algunos casos, con la notable excepción de Gérard Lanvin – los protagonistas no muestran fisuras. Tanto Gilles Lelouche como Elena Anaya logran lo más importante: que, con muy pocos minutos, su amor parezca absolutamente genuino para que así hagamos nuestra la tensión que padece el personaje de Samuel. Anaya, además, logra salir airosa de un empeño muy difícil: no convertirse en una mera “gritona en apuros” que sólo le complique la vida al protagonista. El sufrimiento de su personaje es en todo momento palpable y las acciones que realiza en estado de avanzada gestación son tan verosímiles como dramáticas. Es, en definitiva, un personaje que, pese a las duras circunstancias en las que se encuentra – prisionera y embarazada – logra no ser totalmente pasivo. Roschdy Zem, por su parte, encarna con carisma a un delincuente absolutamente gris que iremos percibiendo de forma muy distinta según se presenten las revelaciones del guion.

Como detalle de originalidad en una película que parece, en ocasiones, ser esclava de las convenciones de género, habría que señalar un curioso mecanismo de guion. En un momento dado, Samuel tiene que entrar en la comisaría para salvar a Nadia. Para ayudarle, el personaje de Hugo habla con sus contactos en los bajos fondos para que, a cierta hora, se dediquen a crear desorden público simultáneo y, con él, el consiguiente caos policial. Es algo frecuente en el cine francés más reciente, que ve – con las producciones de Luc Besson a la cabeza – una rentabilidad comercial en el aliarse con las revueltas de los suburbios frente a una policía y una autoridad francesas más cuestionadas que nunca. No resulta algo exclusivo del país vecino, pues un remake de cualquier nacionalidad podría contar con el mismo elemento de la realidad para que formase parte de su juego, pero en Francia la presencia de estos disturbios parece tan frecuente que fuese imposible sustraerse a ella.

Ser tan canónica hace que ‘Cuenta atrás’ no sea particularmente memorable, pero cuando termina, la sensación que queda es la de haber pasado una entretenida hora y media. Y hoy en día es innegable que no son tantos los thrillers resueltos con esta solvencia. Su punto de partida es menos original que el de ‘Pour elle’ y puede que eso no convierta a esta cinta en carne de remake pero, desde luego, refuerza el prestigio de Fred Cavayé como un más que dotado director comercial.

Superman construyó la Gran Muralla china

Juan Luis Caviaro — Wed, 15 Feb 2012 16:08:08 GMT

Bueno, más o menos. Henry Cavill, el nuevo actor que da vida a Superman en la película que prepara Zack Snyder, va a ser el protagonista de un drama épico ambientado en el siglo V antes de Cristo que se centra en el misterio que rodea la construcción de la Gran Muralla de China. Ahora ya sabemos de dónde sacaba el dinero el hombre de acero antes de trabajar como periodista, fue arquitecto y albañil en sus ratos libres…

Bromas aparte, el proyecto está en manos de Edward Zwick, director de ‘El último samurái’ y ‘Diamante de sangre’ entre otras, y parte de un guion escrito por Marshall Herskovitz y el propio Zwick, que desarrollaron una historia de Thomas Tull (jefazo de Legendary Pictures) y Max Brooks (hijo de Mel Brooks y autor del libro ‘Guerra mundial Z’). La película, que se titulará ‘The Great Wall’ (sí señor, muy imaginativo), es la primera producción de Legendary East, filial de Legendary Pictures en Asia, y debería comenzar a rodarse pronto, ahora que Cavill ha terminado su trabajo para ‘Man of Steel’. Por ahora no hay fecha de estreno.

En cuanto a Cavill, que sé que hay muchas lectoras interesadas en su carrera cinematográfica (en especial si sus papeles requieren que se quite la camiseta en varias escenas), mucho antes de que llegue a los cines la superproducción de Superman (14 de junio de 2013) le podremos ver en el thriller ‘La fría luz del día’, donde comparte protagonismo con Bruce Willis, Sigourney Weaver y Verónica Echegui (el tráiler lo podéis ver aquí); se estrena el 4 de abril.

PD: Se supone que el actor también estará en ‘Immortals 2’, pero de momento no hay información oficial al respecto. No fue el taquillazo esperado así que igual no hay continuación.

Vía | Reelz

'Seeking a Friend for the End of the World', cartel y tráiler de la respuesta cómica a 'Melancolía'

Juan Luis Caviaro — Wed, 15 Feb 2012 13:29:53 GMT

Aquí os dejo el cartel y el tráiler de la comedia romántica de ciencia-ficción ‘Seeking a Friend for the End of the World’, sobre cuyo rodaje nos informó Beatriz el año pasado. Es un título llamativo que cuenta con dos rostros populares, el cómico Steve Carell y la irregular Keira Knightley, que hacen una extraña pareja en esta historia donde el fin del mundo es inminente, un punto de partida que puede dar mucho juego. El póster es el enésimo “photoshop disaster“ de la industria norteamericana (aquí están los peores de 2011), que con tanto dinero como tienen no entiendo cómo pagan estas cosas, pero el tráiler no está mal, incluye varias escenas divertidas y se intuye que va a tratar algunas situaciones interesantes. Espero que sea más ácida de lo que apunta el tramo final del vídeo (antes de la broma del policía), donde inevitablemente suena la música optimista y esperanzadora tan habitual en el cine comercial. ¿Qué os ha parecido a vosotros?

‘Seeking a Friend for the End of the World’ (“buscando un amigo para el fin del mundo”) parte de la devastadora noticia de que un enorme asteroide va a caer en la Tierra, provocando la extinción de la raza humana (pobrecillos los banqueros y los políticos, ahora que lo habían resuelto todo). Carell interpreta a Dodge, un hombre que tras ser abandonado por su esposa decide buscar a su antigua novia de instituto; durante el viaje estará acompañado por su vecina, a quien da vida Knightley, una joven que quiere pasar junto a su familia las últimas horas de vida en el planeta. El guion lo firma Lorene Scafaria (escribió ‘Nick & Norah’) quien también debuta como directora con esta película. Además de los actores mencionados, en el reparto figuran Patton Oswalt, Rob Corddry, Adam Brody, Connie Britton, Mark Moses, Rob Huebel, Derek Luke, Gillian Jacobs y William Petersen. A partir del 22 de junio estará en los cines de EE.UU., de momento no hay fecha para España.

PD: Aparte de ésta, Carell tiene pendiente de estreno ‘Great Hope Springs’, de David Frankel, donde interpreta un papel secundario. Los protagonistas son Meryl Streep y Tommy Lee Jones, que encarnan a una pareja que tras 30 años de matrimonio decide poner a prueba su relación.

'Infierno blanco', lobos sanguinarios y engañosos

Mikel Zorrilla — Wed, 15 Feb 2012 11:19:12 GMT

Los parajes nevados tienen un potencial cinematográfico difícil de igualar, en especial para la creación de suspense o terror. Es innegable que ver fluir la sangre sobre la nieve tiene una fuerza dramática impresionante, de ahí que me sorprenda que no sea algo que haya sigo explotado lo suficiente por el slasher (alguno hay, pero poca cosa), donde no me consta que haya ningún psychokiller suficientemente icónico que se haya aprovechado de ello. Sin embargo, John Carpenter sí que supo aprovechar todas sus posibilidades para la creación esa obra maestra que es ‘La cosa (El enigma de otro mundo)’, aún hoy su mejor trabajo y quizá también la mejor película de terror de la historia. Sin embargo, en los últimos tiempos sencillamente no está muy de moda utilizar un buen paisaje poblado de nieve para aislar a los personajes y a partir de ahí decidir el tono que dar a lo que se nos cuenta. Los casos más populares que me vienen a la mente son ‘Whiteout’ (que ni llegó a estrenarse en cines en España de lo horripilante que era) y la precuela de la cinta de Carpenter, la cual mejor olvidar su existencia dada su alarmante mediocridad.

Ese vacío es algo que viene a llenar ‘Infierno blanco’ (la cual no tiene nada que ver con los otros dos largometrajes que ostentan ese mismo título en España), una película que toma como base una premisa similar a los hechos reales que dieron lugar a ‘¡Viven!’, pero con una finalidad distinta: ¿Qué sucedería si los escasos supervivientes de un accidente de avión que ya tienen que lidiar con el peligro de morir por las bajísimas temperaturas se convirtieran en el objetivo de una manada de lobos que los ve como intrusos en su territorio? Ese punto de partida es lo que más ha potenciado la campaña de promoción de la película para atrapar a unos espectadores ávidos de ver truculentos ataques de lobos sanguinarios que vayan mermando el número de supervivientes, pero ¿es ‘Infierno blanco’ una sucesión más o menos efectiva de matanzas que demoniza la figura del lobo en aras del entretenimiento o estamos ante algo más que ver a lobos morder hasta la muerte a pobres incautos?

Lo primero que conviene avisar es que si eres una de esas personas que no soportan a Liam Neeson como actor, mejor vayas olvidando la existencia de ‘Infierno blanco’, ya que su peso en la función es similar al de George Clooney en ‘Los descendientes’, es decir, Neeson es el Dios de la función y todo se filtra al espectador a través de su perspectiva. Y lo mejor de todo es que Neeson, que ya se había ganado una reputación como eficaz protagonista de thrillers comerciales tras el éxito de ‘Venganza’, ofrece una actuación estupenda, siendo capaz de transmitir todas las emociones al espectador por las que va pasando Ottway, el protagonista de la función. Y es que resulta curioso que ‘Infierno blanco’ sitúe como persona de la que dependen el resto de supervivientes a alguien con tendencias suicidas, un hombre cuyo dolor le hace desear la muerte, pero ésta le es esquiva (¿Qué probabilidades hay de ser uno de los supervivientes de un trágico accidente de avión?) pese a convivir a diario con ella (su trabajo consistía en ejercer como francotirador y ejecutar a esos lobos con los que ahora tiene que enfrentarse de nuevo). Quizá sea un tanto censurable hacer esta aseveración, pero a buen seguro la muerte de su esposa Natasha Richardson hace casi tres años ha sido la causante de que Neeson nos ofrezca una interpretación al nivel de sus mejores trabajos en una cinta, no vamos a engañarnos, con pocas ambiciones. Eso sí, resulta curioso que los flashbacks relacionados con el antiguo amor de Ottway sean el elemento más frágil de su trabajo.

El problema del superlativo trabajo de Neeson es que prácticamente aniquila cualquier posibilidad de que el resto de personajes tengan el más mínimo interés. Tampoco ayuda nada que en su descripción se abuse de forma desmesurada de los tópicos, dando como resultado que únicamente James Badge Dale tiene una escena con algo de entidad en su última aparición. El resto se limitan a ser víctimas potenciales del asedio de los lobos, ya que incluso el que desafía el liderazgo de Ottway carece de un interés más allá de ser un contrapunto necesario para que la rutina no se apodere aún más de la progresión dramática del relato. No es que sus interpretaciones sean malas, simplemente parten con tal desventaja que nunca llega a importarnos demasiado lo que les pase.

Detrás de las cámaras encontramos a Joe Carnahan, un realizador que no termina de encontrar su sitio tras ‘Narc’, su prometedor debut, a la cual siguieron esa tontería que pretendía ser la respuesta americana a las primeras películas de Guy Ritchie que es ‘Ases calientes’ y el divertido paso a la gran pantalla del televisivo ‘El equipo A’. Cuesta creer que esta última película tenga tanta relevancia en los primeros pasos de ‘Infierno blanco’, pero lo cierto es que el protagonista iba a ser Bradley Cooper, pero fue finalmente sustituido por Neeson, en lo que ha acabado siendo un acierto similar a la del señor que inventó la rueda. En ‘Infierno blanco, Carnahan evita ceder a la tentación de potenciar el elemento paisajístico y cautivar así al espectador con la belleza natural de los escenarios canadienses donde se rodó, ya que decide usar muchos planos cerrados, potenciando así la sensación de aislamiento de los protagonistas pese a encontrarse en un lugar inmenso en el que lo que realmente llama la atención es su presencia.

Más allá de eso, conviene llamar la atención sobre la escasa capacidad de Carnahan para crear un convincente clima de suspense, ya que el guión que él mismo firma junto a Ian Mackenzie Jeffers (el autor del relato en el que se basa ‘Infierno blanco’) abusa demasiado del cliché y los lugares comunes. Tras el accidente, la película pronto se convierte en un viaje previsible en el que lo único que llama la atención es predecir quién va a ser la siguiente víctima y cómo va a morir (y es que no todos son asesinados por lobos sedientos de sangre humana). Es ahí donde aparece el otro grave problema de ‘Infierno blanco’, y es que la historia se alarga demasiado, oscilando a partir de la mitad de metraje entre lo repetitivo y lo cansino. Un par menos de supervivientes hubiese ahorrado a la película unos 20 minutos de metraje que le hubiesen venido de maravilla.

Algunos os estaréis preguntando que cuándo voy a hablar de los lobos si éstos parecían que iban a ser el principal aliciente, pero es que sus apariciones en ‘Infierno blanco’ son mucho más escasas de lo que pueda parecer, así que si vuestro único aliciente era ver a lobos sanguinarios podéis ir tachando la película de vuestra lista de futuros visionados. Y es que se prefiere jugar con su peligrosidad como una amenaza siempre presente, pero que cuando se hace visible resulta letal, de ahí que los ataques de los animales sean algo fulminante que no deje espacio para responder a sus víctimas. Sí que conviene destacar la notable escena en la que básicamente vemos los ojos de varios de los integrantes de la manada, ya que quizá sea el único momento de calma tensa en el que llegamos a tener constancia física de su presencia.

Greg Nicotero y Howard Berger, dos genios en lo suyo, son los responsables del diseño de las criaturas, a las cuales consiguen dotar de un realismo tremendo, al mismo tiempo que tienen un aspecto implacable que haría pensárselo a cualquiera dos veces antes de cruzarse en su camino. Éste es el otro punto en el que brilla la película, siendo una pena que, por necesidades de la historia, sus apariciones sean tan escasas. Quizá unos cuantos millones más de presupuesto hubiesen venido bien para poder tenerles más minutos en pantalla.

No han faltado las críticas de asociaciones en defensa de los animales hacia la forma que tiene ‘Infierno blanco’ de retratar a estos animales, ya que sí que se ofrece una visión un tanto radical de los mismos, pero lo cierto es que los lobos no hacen nada muy diferente a lo que haríamos nosotros si de repente apareciesen unos animales salvajes en plena ciudad: Acabar con ellos. Además, la cinta se centra más en retratar la lucha por la supervivencia (repito que no todas las muertes están originadas por el ataque de estos animales) que en ensañarse mostrando a los lobos zampándose a humanos incautos.

En definitiva, ‘Infierno blanco’ es una nueva confirmación de lo buen actor que es Liam Neeson, y también que ese talento puede servir perfectamente para ofrecer una estupenda actuación en una producción eminentemente comercial. La pega es que, con la salvedad de los propios lobos, el resto de la película no está a la altura del trabajo de Neeson, en especial por la necesidad del cine reciente de hacer cintas de duraciones muy por encima de lo que la historia necesita. Y es que se podría perdonar el abuso de tópicos para la descripción del resto de personajes si esto no provocara varias caídas de interés en lo que se nos está contando (algo que afecta mucho al clima de constante suspense que quiere conseguir), pero eso es consecuencia de la tiranía actual de tener que durar más de lo necesario. Al final lo que queda es un entretenimiento correcto en el que la actuación de su protagonista destaca tanto sobre el resto que hasta puede quedar la sensación de haber visto algo peor de lo que realmente es ‘Infierno blanco’. Para pasar el rato.