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'Millennium Actress', un viaje apasionante

Juan Luis Caviaro — Thu, 02 Sep 2010 19:11:06 GMT

‘Millennium Actress’ comienza en el espacio exterior. Vemos la Tierra en el horizonte, y cómo se abren las compuertas de una estación situada en la Luna. En su interior, una mujer se despide de un compañero, que le avisa sobre el peligro del viaje que va a emprender; ella responde sonriente: “Se lo prometí”. Sube al transporte y toma los mandos. Todo está listo para el lanzamiento… Pero todo es parte de una ficción, de una película que otra persona está viendo en una pequeña pantalla. Genya Tachibana sigue atentamente cada detalle y repite los diálogos de memoria. Cuando comienza la cuenta atrás del despegue, Genya siente un temblor en su propia realidad, como si él también estuviera en esa estación espacial; es un ligero terremoto. Durante unos instantes, las dos realidades se funden. No hay duda, estamos en el universo de Satoshi Kon.

Cuenta el cineasta, en un documental incluido en los extras del DVD, que ‘Millennium Actress’ surgió tras el éxito de ‘Perfect Blue’, cuando el productor Taruo Maki le pidió hacer otra película similar. La idea no era repetir el esquema del thriller, sino crear algo que tuviera el mismo espíritu y la misma ambigüedad. Maki quería otra fusión de realidad y fantasía, que diera como resultado una historia que no tuviera una sola lectura, que dependiera de cada uno y a la que se pudiera volver siempre para encontrar detalles nuevos. En otras palabras, encargaba a Kon un espectáculo audiovisual sorprendente, pero que mantuviera su fuerza intacta tras el primer visionado, tras el paso del tiempo. En resumen, un clásico del cine. Apenas han transcurrido ocho años desde su estreno, y con su muerte aún reciente es fácil caer en el sentimentalismo, pero quien os escribe la ha vuelto a ver y lo tiene muy claro: se logró el objetivo.

Un viaje de mil años…

Satoshi Kon y el guionista Sadayuki Murai (con el que había trabajado en ‘Perfect Blue’) comenzaron a buscar ideas para la nueva película. Tenían claro que querían abarcar un gran espacio de tiempo y plasmar períodos relevantes de la historia de Japón, así que se les ocurrió (al parecer fue idea de Murai) que la protagonista fuera actriz, y aprovechar también para incluir homenajes al cine de su país (hay escenas de ‘Trono de Sangre’ o ‘Godzilla’). De esta forma, a través de su vida y su trabajo, sus películas, podían abarcar diferentes realidades, no tenían límites y podían llevar a la protagonista a donde quisieran. Había que buscar la motivación principal de esta mujer, lo que la arrastra a su extraordinario viaje, y crear un misterio que mantuviera en vilo al público, pendiente de la resolución. En la primavera de 1998 ya tenían listo un primer borrador del guión, pero la película no estaría acabada hasta 2001.

Tras el prólogo ambientado en el espacio y el lugar de trabajo de Genya Tachibana, vemos cómo él y un cámara más joven se dirigen a la casa de Chiyoko Fujiwara para grabar una entrevista. Chiyoko es una anciana que vive prácticamente aislada del mundo, pero en su juventud llegó a ser la mayor estrella de cine de Japón, hasta que decidió retirarse de manera repentina, sin explicación, tres décadas atrás. Genya fue (y es) uno de sus mayores admiradores y aún sigue intrigado por los enigmas que rodearon su vida. Aprovechando la visita, el hombre le entrega un objeto que había estado guardando desde que ella abandonara el cine: una llave dorada. Chiyoko la toma entre sus manos, sorprendida, y comienza a recordar… Pero su historia está íntimamente ligada a las de sus películas, hasta el punto de que no es capaz de separarlas, situándose en un marco temporal que abarca mil años, mezclando los acontecimientos reales con las aventuras de sus personajes.

Tras volver a ver esta maravillosa película, he encontrado más clara la influencia del cineasta japonés en el último trabajo de Christopher Nolan, la aclamada ‘Origen’ (‘Inception’). Por el recurso de poder entrar en sueños ajenos se la ha comparado mucho con ‘Paprika’, pero me parece que en realidad tiene más similitudes con ‘Millennium Actress’, pues en ésta se aprovechan los recuerdos (los verdaderos y los falsos) para situar a los personajes en diferentes momentos históricos y géneros cinematográficos, con la amenaza de una pérdida irreparable que requiere una acción inmediata, sin pausa, en tensión constante. Algo similar propone Nolan cuando plantea una serie de misiones imposibles encadenadas, que llevan a Dom Cobb y su equipo por diferentes escenarios, los cuales se derrumban de la misma forma que los estudios de cine donde trabajaba Chiyoko, y su propia casa, tan débil como su salud.

... y una promesa

¡Nunca cambiaré! ¡Le amaré siempre!

(Chiyoko)

Al igual que ocurría con ‘Perfect Blue’, ver ‘Millennium Actress’ es como subir a una montaña rusa. A pesar de la densidad de la historia, y de todos los detalles de los escenarios (cuidados de manera obsesiva, como puede comprobarse en diferentes visionados), Kon imprime un ritmo vertiginoso a la narración, trasladándonos la misma emoción y la misma energía de la protagonista, aunque no tengamos claro a dónde nos lleva. Desde que Chiyoko libera su memoria, la película empieza a acelerar y, exceptuando breves descansos, es una carrera continua, incansable y desesperada en busca de un objetivo que parece inalcanzable. La banda sonora compuesta por Susumu Hirasawa se acopla perfectamente a la película, contribuye a introducirnos en el relato y las sensaciones de los personajes, que están llenos de vida y movimiento, de elasticidad y velocidad, gracias al excelente trabajo, entre otros, del dibujante Takeshi Honda, conocido como “Maestro” (fue responsable del diseño de los personajes junto a Kon).

A pesar del fantástico trabajo de los animadores, y del complejo (y fascinante) rompecabezas audiovisual ideado por Kon, personalmente creo que lo que engrandece a ‘Millennium Actress’, su mayor acierto, reside en el terrible drama que sufre la protagonista, su determinación, su búsqueda, su sueño, aunque sepa que cada vez está más lejos de conseguirlo. Hizo una promesa y sólo vive para verla cumplida. Es imposible no sentirse atrapado por el torbellino de emociones que gira en torno a Chikoyo, como le ocurre a Senya, que llega a abandonar su rol de simple espectador para entrar en la ficción y representar siempre al protector de su admirada estrella (por cierto, inspirada en las verdaderas actrices Hideko Takamine y Setsuko Hara). Una lástima que nosotros no podamos romper esa barrera, y tengamos que conformarnos simplemente con disfrutar la película en nuestro cómodo sofá. Y bueno, comentarla aquí.

Venecia 2010 | 2 de septiembre | Abucheos para Schnabel y frialdad ante la adaptación de 'Tokio Blues'

Beatriz Maldivia — Thu, 02 Sep 2010 17:50:10 GMT

La 67ª Mostra de Venecia no ha hecho más que empezar y ya se considera muy floja, en términos generales, su segunda jornada.

Hoy se han presentado a competición ‘Miral’, de Julian Schnabel, que no ha sido bien recibida. Se ha dicho de ella que es una «presunta oda al entendimiento entre palestinos e israelíes en la que ambos bandos acaban estereotipados hasta extremos vergonzosos». Schnabel me sorprendió gratamente con ‘La escafandra y la mariposa’ —que me gustó más que ‘Basquiat’ o ‘Antes que anochezca’—, pero supongo que se ha metido en un tema más difícil para él, ya que no puede tratarlo de una manera tan personal y única como trató el que daba origen a su film anterior. El conflicto palestino-israelí, además, es un fondo más propicio a que al autor se le vean los colores, lo cual parece ser lo que menos ha gustado a los críticos, a pesar de que el director judío se basó una obra de la periodista palestina Rula Jebreal, que ha participado en el guión. La película ‘Miral’ está interpretada por Freida Pinto (en el cartel), quien guarda un gran parecido con Jebreal.

Se ha proyectado asimismo la adaptación del superventas de Haruki Murakami ‘Tokio Blues’, que ha llevado a cabo Tran Anh Hung (‘El olor de la papaya verde’, 1992). El film japonés, cuyo título original es ‘Noruwei no mori’, pero que se conoce por el inglés, ‘Norwegian Wood’, no ha tenido una acogida calurosa, aunque sí más positiva que la de Schnabel. Al vietnamita afincado en Francia le interesaba reproducir el espíritu de los personajes de la novela de Murakami y la atmósfera de ésta mucho más que el argumento, pero los asistentes a la proyección no parecen satisfechos con este intento.

Otro film presentado a concurso ha sido ‘La pecora nera’ (‘La oveja negra’), de Ascanio Celestini. Fuera de competición se han podido ver ‘Showtime’, de Stanley Kwan y ‘The Last Movie’ (1971), de Dennis Hopper.

En la Sección Orizzonti (Horizontes), se ha proyectado ‘Invitado’ (‘Guest’), de José Luis Guerín, que se describe como un recorrido fílmico de dos horas y cuarto por diferentes festivales y que tampoco contenta.

Vía | Página oficial de la Biennale di Venezia

Cobertura del la Mostra de Venecia 2010 en Blogdecine:

1 de septiembre: Arranca una nueva edición con Aronofsky y Rodríguez inaugurando.

Vampiros de verdad: 'Drácula, príncipe de las tinieblas' de Terence Fisher

Alberto Abuín — Thu, 02 Sep 2010 15:32:00 GMT

Tras ocho años de negativas por parte de Christopher Lee a volver a interpretar al conde Drácula, por fin se decidió a hacerlo para el deleite y disfrute de los aficionado al fantástico y el terror de la mano de uno de los personajes cinematográficos más fascinantes que han existido. También ha sido uno de los más sobados, tanto que a día de hoy hay más películas que manchan su nombre que al contrario. Pero ya hablaremos de las pobres, e incluso ridículas, muestras en las que el nombre del maligno ha sido tomado en vano —¿queréis o no queréis ese especial sobre la Hammer Film, mis pequeños acólitos?—, ahora toca de nuevo hablar de Lee en todo su esplendor y cómo no, del maestro Terence Fisher, director muchas veces menospreciado pero firmante de joyas imprescindibles como la presente ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ (‘Dracula, Prince of Darkness’, 1966).

Forma parte esta película de una especie de trilogía dedicada al vampirismo por parte de Fisher, quien también se dedicaría con la misma pasión e idénticos resultados a la figura de Frankenstein. ‘Drácula’ (‘Horror of Dracula’, 1958) es la primera de ellas, seguida de ‘Las novias de Drácula’ (‘The Brides of Dracula’, 1960) que funciona a modo de interludio con Van Helsing acabando con los seguidores del conde, culminando en la que nos ocupa para después ceder el testigo a otros realizadores que salvo Freddie Francis ya no estuvieron tan inspirados.

‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ da comienzo con un breve resumen del film anterior, concretamente las escenas finales en las que Van Helsing —extraordinario Peter Cushing, que aquí no hace acto de presencia— termina con el conde reduciéndolo a cenizas. Hay que anotar que Terence Fisher cambia de formato en esta continuación, utilizando el scope (2:35), muy pocas veces utilizado en la factoría Hammer. Como el film previo fue filmado en panorámico (1:66), Fisher recurre a la estimulante idea de envolver dichas imágenes con un niebla, acentuando así el carácter fantástico del relato. James Bernard nos envuelve con su exquisita banda sonora y Fisher establece un juego con el espectador los primeros 45 minutos del relato, justo hasta la aparición de Drácula.

Ocho años esperando que Christopher Lee volviese a enfundarse la capa, los colmillos y las lentillas rojas son muchos años, y Fisher le saca un enorme provecho a la larga espera aplicándolo en el film, retrasando la aparición de la figura estelar del relato durante poco más de la mitad del metraje. En un film cuya duración ronda los 90 minutos el conde del título aparece unos diez minutos solamente. En los primeros tres cuartos de hora se desarrolla un ejercicio de suspense único, creando una tensión asfixiante mientras cuatro personajes, dos parejas, de viaje en Europa encuentran el castillo de Drácula por accidente —eso creen ellos— y allí deciden descansar.

Con un uso muy elegante del scope, y sobre todo de los silencios Fisher culmina dicho tramo del film con la escena más memorable de la película, aquella en la que el conde Drácula resucita avivado por la sangre de uno de los personajes a quien su entregado criado Klove —Philip Latham con cierto parecido a Boris Karloff, en lo que sería una operación de homenaje hacia los famosos títulos de terror de la Universal— ha asesinado para beneficio del mal. La escena en sí es de una brutalidad inusitada, y Fisher se encarga de burlar la censura de aquellos años de forma muy inteligente; de la misma forma evita los cortes en la secuencia en la que Drácula se abre la camisa para que una hipnotizada Diana beba sangre del pecho del conde. La interrupción de ese instante por parte de Charles (Francis Matthews) permite a Fisher cortar ahí y no tener problemas con la censura, pero la escena ya tiene un alto contenido erótico imposible de olvidar.

Sangre y sexo, los dos elementos con los que la Hammer jugó durante la mayor parte de su existencia y que sentaron las bases del terror moderno. A la escenas comentada hay que sumar la evolución del personaje de Helen, al que da vida Barbara Shelley, una de las musas del terror por excelencia. Helen cae mal desde el principio, es recatada, demasiado educada, puritana y protesta por prácticamente todo. En el castillo mientras una amenaza invisible se cierne sobre los personajes, Helen empieza a desmelenarse y exhibir alguno de los escotes más recordados de la Hammer. Tras su conversión al vampirismo, cosa que Fisher realiza fuera de campo, Helen se vuelve sensual, muy atractiva y deseable. Más tarde en la famosa secuencia de su ejecución, planteada como si se tratase de una violación múltiple, el rostro de Helen alcanza una serenidad que no hemos visto en sus dos estados anteriores.

Uno de los aciertos de ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ es la de presentar al malvado conde como un animal hambriento y deseoso de sangre humana, prácticamente desbocado. Cuenta la leyenda que Christopher Lee estaba bastante descontento con las frases de su personaje, así que Fisher fue quitándolas poco a poco hasta conseguir el terrorífico efecto. Jimmy Sangster, firmante de dichas frases, no estuvo de acuerdo con la idea y solicitó que su nombre fuese retirado de los títulos de crédito. Pasados más de 40 años es fácil comprobar que Sangster se equivocaba por completo y Fisher acertaba de lleno. Nunca veremos otro Drácula más furioso y salvaje como el de esta película. Su imponente presencia y sus gruñidos atemorizan por sí solos.

Christopher Lee y Terence Fisher son las estrellas absolutas de la función, con perdón de la morbosa Barbara Shelley. Juntos enriquecen un viaje hacia la misma esencia del mal apoyados en la elegancia de la cámara del director —atención a los barridos en determinadas escenas— y a algo que a día de hoy parece haberse perdido: la utilización del silencio absoluto como elemento de terror, algo que alcanza su máximo exponente en el primer tercio del relato cuando un castillo aparentemente vacío es filmado en su interior por un Fisher al que le bastan sencillos planos de pasillos y puertas para crear inquietud. La misma que se produce en el original desenlace cuando el rostro de Drácula parece mirarnos bajo las aguas heladas de su castillo.

El mal volverá a renacer.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

‘El beso del vampiro’ de Don Sharp

Top Blogdecine | Woody Allen llega sin demasiada fuerza al Top

Jesús León — Thu, 02 Sep 2010 13:37:34 GMT

Arrancamos un nuevo mes pero parece más que claro cuáles son los títulos triunfadores del verano, aunque aún hay que dejar abierta alguna posibilidad ante la llegada de algunos títulos de estas próximas semanas que pudiera sorprender. Aunque parece complicado. Woody Allen llegó con su nuevo trabajo pero no alcanza suficiente valoración en nuestro Top de editores, así que no ofrece mucha competencia a los títulos de arriba. También cabe mencionar la buena entrada para ‘44 Inch Chest (La medida de la venganza)’. Esta semana queda el Top de la siguiente manera:

1. ‘Toy Story 3’

2. ‘Origen’

3. ‘The Secret of Kells’

4. ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’

5. ‘Mis tardes con Margueritte’

6. ‘‘44 Inch Chest (La medida de la venganza)’

7. ‘Conocerás al hombre de tus sueños’

8. ‘Airbender: El último guerrero’

9. ‘Noche y día’

10. ‘Todo sobre mi desmadre’

En cuanto al Top de usuarios, parece que caen conforme pasan los días tanto ‘Los mercenarios’ como ‘Centurión’, dejando paso a lo nuevo de Allen, aunque sin mucho entusiasmo aún. Entra con fuerza la comedia ‘Todo sobre mi desmadre’, que parece ha arrancado muchas risas y la simpatía de los usuarios situándose en un meritorio cuarto puesto, al igual que ‘The Secret of Kells’. Las tres de arriba siguen intocables, aunque eso sí, Pixar se pone ahora primera, aunque parece claro quienes van a ser las ganadores del verano. Aquí os dejo con vuestro Top de esta semana:

1. ‘Toy Story 3’ (9,2)

2. ‘Origen’ (9,1)

3. ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’ (7)

4. ‘Todo sobre mi desmadre’(7)

5. ‘The Secret of Kells’ (6,7)

6. ‘El equipo A’(6,4)

7. ‘Los mercenarios’ (6,1)

8. ‘Conocerás al hombre de tus sueños’ (5,8)

9. ‘Centurión’ (5,6)

10. ‘Phillip Morris ¡te quiero!’ (5,5)

'The Bay', una de infectados a cargo de Barry Levinson

Juan Luis Caviaro — Thu, 02 Sep 2010 11:09:17 GMT

Ahora que mucha gente está pendiente de una serie sobre zombies que va a dar mucho que hablar, la adaptación del cómic ‘The Walking Dead’ (‘Los muertos vivientes’ en España), descubrimos que al director Barry Levinson (‘Sleepers’, ‘Esfera’) también le interesan estas fantásticas criaturas. Al menos, en una de sus versiones, la de infectados. El proyecto se titula ‘The Bay’ y estará producido por el equipo de la baratísima y taquillera ‘Paranormal Activity’ (Oren Peli, Jason Blum y Steven Schneider). Seguro que con ese dato ya os podéis imaginar perfectamente por dónde van a ir los tiros.

‘The Bay’, anteriormente titulada ‘Isopod’, parte de un desastre biológico originado en Craridge, Maryland (Levinson es de allí). A través de vídeos grabados con móviles, llamadas a la policía o al servicio de urgencias, y otros medios, se descubre lo que ha ocurrido, la magnitud del desastre y cómo afecta a las personas. Por el momento no hay fecha para el comienzo del rodaje.

PD: Lo último de Levinson es un telefilm para la HBO con Al Pacino, basado en la historia de Jack Kevorkian, el llamado “Doctor Muerte”. Os dejo un tráiler:

Vía | Shocktillyoudrop

'My Dog Tulip', cartel y tráiler

Juan Luis Caviaro — Wed, 01 Sep 2010 22:47:23 GMT

Sometimes, love really is a bitch.

Con ese divertido eslogan se presenta la inglesa ‘My Dog Tulip’, una película de animación basada en la novela homónima de J.R. Ackerley (publicada en 1956). Personalmente no sabía nada de este film, encontré el tráiler por casualidad, en una de esas veces que me pierdo entre páginas buscando algo que olvido enseguida, y lo cierto es que me atrapó, me parece que el dibujo encaja perfectamente con el protagonista y me encanta la idea de un hombre que encuentra por fin a su mejor amigo. Así que os lo traigo, a ver qué os parece, y también os dejo en esta entrada el cartel del film. Como os podéis imaginar, no hay fecha de estreno, pero en septiembre empezará a proyectarse en algunas salas de Estados Unidos, así que esperemos que vaya bien y podamos verla por aquí algún día no muy lejano.

Dirigida por Paul y Sandra Fierlinger, autores también del guión y de la animación, ‘My Dog Tulip’ se centra en un hombre mayor y solitario (el propio Ackerley) cuya vida cambia por completo cuando rescata a una hembra de pastor alemán, joven y alocada, a la que llama Tulip; la historia es una retrospectiva divertida y amarga de los catorce años de relación entre el escritor y la perra. Las voces corren a cargo de Christopher Plummer (¿cuándo le darán un Oscar?), Lynn Redgrave, Isabella Rossellini, Peter Gerety, Brian Murray, Paul Hecht y Euan Morton. La música la ha compuesto John Avarese.

PD: A continuación os dejo también un pequeño “making of” de la película, sobre la participación y la influencia de Plummer:

Póster vía | Impawards

Venecia 2010: arranca una nueva edición con Aronofsky y Rodríguez inaugurando

Jesús León — Wed, 01 Sep 2010 20:00:24 GMT

El director Darren Aronofsky ha regresado hoy a la Mostra de Venecia, que inicia una nueva edición, la número 67, tras ganar hace dos años el León de Oro con ‘El luchador’. Y lo hace con su nuevo (y esperado por muchos) trabajo ‘Black Swan’, que también ha traído hasta el Festival a su flamante protagonista, la bella Natalie Portman. Encargada de poner la nota elegante y glamourosa en la jornada inicial (también Jessica Alba, por cierto) mientras que, por otra parte, los dos amiguetes Quentin Tarantino (soltando alguna de sus perlas) y Robert Rodríguez (en plan tejano, ambos) han ido poniendo la nota entretenida. Recordemos que Quentin preside el Jurado y Rodríguez aprovecha la ocasión para mostrar ‘Machete’.

Y echando un vistazo a los primeros comentarios que han vertidos los dos títulos con los que arranca la Mostra de Venecia 2010, parece que no han dejado indiferente a nadie. Opiniones enfrentadas, unas entusiastas, otras repartiendo estopa, así que seguro son dos títulos interesantes.

Darren Aronofsky volvía a explotar el cine más sobrio, más alejado de los juegos y pretensiones de sus primeros largometrajes, y con ‘Black Swan’ parece que regresando a la fórmula que le dio tanto éxito con su anterior trabajo protagonizado por un espléndido Mickey Rourke. Y parece que ha vuelto a sacar lo máximo del papel protagonista, en esta ocasión Natalie Portman encarnando una bailarina atormentada, cuyo trabajo ha gustado mucho y ya la postulan algunos como candidata al León de Oro a la mejor actriz. La película de Aronofsky ha resultado un puzzle opresivo que bucea en el narcisismo y el ego artístico, cuyo tono próximo al horror parece resultar desconcertante.

Por su parte, Robert Rodríguez traía, fuera de la sección oficial, su ‘Machete’, una historia de venganza sangrienta que se gestó en ‘Planet Terror’ (recordemos que es el falso trailer que la precedía) y que ahora viene cargada de todos los excesos (incluido el bestial Danny Trajo), del espectáculo y la violencia que Rodríguez sabe explotar. Y los primeros comentarios, también ha producido dispares opiniones. Según unos, puro entretenimiento, mucha diversión y cadáveres por doquier. Otros han subrayado que no es más que un panfleto sin fuste, una gamberrada sangrienta que resulta cansina.

Esto de hoy ha sido sólo el aperitivo. Hasta el próximo día 11 llegarán Julian Schnabel, Sophia Coppola, Tom Twyker, Vincent Gallo, François Ozon y el español Álex de la Iglesia. La cosa promete. Estaremos atentos.

'Miedos 3D', divertido homenaje de Joe Dante al cine de terror

Juan Luis Caviaro — Wed, 01 Sep 2010 18:57:56 GMT

No llames a tu padre, querrá que nos acostemos, y yo quiero jugar…

(El fantasma de Addy)

James Cameron, el máximo impulsor del cine en 3D, ha declarado recientemente que no se deberían hacer más películas de terror de bajo presupuesto en el mismo formato que su ‘Avatar’; sostiene que son tan malas que dan una mala imagen al 3D. Es la opinión de un hombre en la cima del mundo, director de las dos películas más taquilleras de la historia, que quiere olvidar su participación en ‘Piraña 2’ (asegura que sólo estuvo unos días en el rodaje, que no es suya y no la incluye en su filmografía). Así que se entiende su postura, pero parece olvidar que los dos títulos que más daño han hecho al 3D son ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’) y ‘Airbender: El último guerrero’ (‘The Last Airbender’), que no pertenecen al género del horror (aunque es cierto que una de ellas es un verdadero horror).

Lo más curioso del asunto es que el año pasado se premió en Venecia a la mejor película filmada en este nuevo formato, y la elegida fue ‘Miedos 3D’ (‘The Hole 3D’), cuyo género creo que no permite duda alguna. Claro que es comprensible que Cameron no lo tuviera en cuenta, pues aún no se ha estrenado en Estados Unidos; es un problema cuando no cuentas con mucho dinero o el apoyo de grandes estudios. Con retraso, y tras proyectarse en varios festivales (entre otros el de Sitges), ‘Miedos 3D’ ha pasado por los cines de Italia y Rusia, y actualmente es una de las opciones de la cartelera española, eso sí, con poca fortuna, no apareciendo entre las diez películas más vistas en su primera semana. Si sirve de algo, si aún podéis verla, os la recomiendo, con las matizaciones que voy a hacer a continuación.

Sustos para toda la familia

Hay algo que se debe tener muy en cuenta a la hora de valorar ‘Miedos 3D’, y es que el guionista Mark L. Smith confesó que quería escribir una película que pudiera ver su hija de doce años. Dicho de otra forma, es cine de terror que se puede ver en casa con la familia, así que no tiene nada que ver con ‘Saw’, ‘Hostel’ o ‘La matanza de Texas’. Y otra consideración fundamental es que estamos hablando de Joe Dante, un realizador que en la década de los ochenta firmó títulos tan populares y queridos como ‘Aullidos’ (‘The Howling’, 1980), ‘Gremlins’ (1984), ‘Exploradores’ (‘Explorers’, 1985) y ‘El chip prodigioso’ (‘Innerspace’, 1987), convertidos en clásicos modernos (con mayor o menor justicia, dependiendo de con qué se las compare). Por cierto, ya que hemos citado la secuela, ‘Piraña’ (‘Piranha’, 1978) también es suya.

‘Miedos 3D’ (un título tan apropiado como ‘The Hole 3D’) nos presenta a la familia Thompson, o lo que queda de ella. Susan (Teri Polo) sabe que no es agradable para sus dos hijos, el adolescente Dane (Chris Massoglia) y el pequeño Lucas (Nathan Gamble), pero deben trasladarse a otra ciudad y volver a empezar de cero. Un día, los hermanos descubren que en el sótano de su nueva casa hay una puerta cerrada con varios candados; aburridos, y como su madre está fuera, deciden averiguar por qué está eso ahí, qué esconde. Al abrirla sólo encuentran una ligera neblina y una densa oscuridad, lo que parece ser un pozo sin fondo. Todo lo que lanzan simplemente desaparece, sin señal alguna de choque, en silencio.

La vecina de al lado, Julie (Haley Bennett), una atractiva jovencita que vuelve loco a Dane, y que también ha visto el misterioso hoyo, conoció al antiguo dueño de la casa y sabe dónde vive ahora, así que los tres van a verle, en busca de una respuesta. Carl (Bruce Dern), un viejo antipático y solitario que siente pánico por la oscuridad, sólo tiene gritos, maldiciones y frases sin sentido para los chicos, pero les avisa claramente de que ahora, con esa puerta abierta, corren un gran peligro. Dane, Lucas y Julie no tardan mucho en comprender de qué se trata: de las tinieblas del agujero surgen los mayores temores de aquellos que lo miran.

La fantástica puerta a lo desconocido, nido de los grandes miedos de los protagonistas, sirve de excusa para realizar eficaces homenajes a algunas de las propuestas habituales del cine de terror. De esta manera en una misma película tenemos una trama con el inquietante espíritu de una niña, otra con un violento muñeco y una tercera en la que hay una especie de hombre del saco. Dante no huye de los tópicos pero los maneja con soltura y profesionalidad, plenamente consciente del producto que tiene entre manos y a quién va dirigido. Apoyado en la estupenda fotografía de Theo van de Sande y en la efectiva música de Javier Navarrete (‘El laberinto del fauno’), el director llega a componer algunas escenas turbadoras (el momento de la televisión o el del servicio), antes de romper deliberadamente el efecto, pues no conviene traumatizar (aún más) al público de menor edad.

Sí que se le puede achacar a la película una cierta desgana a la hora de retratar a los personajes, pues aunque en el caso del niño no es necesario, no se ven muy razonables los comportamientos de los adolescentes (por ejemplo, la chica pierde de pronto a todos sus amigos) y no se le saca mucho provecho a los adultos (Carl apenas tiene unos minutos). En cuanto al 3D, sigo pensando lo mismo: básicamente, es un engaño que sólo sirve para encarecer la entrada y combatir la piratería. Oscurece la pantalla, los bordes no se ven adecuadamente, es incómodo, y personalmente no lo necesito para meterme de lleno en la ficción. Pero dejando esto a un lado, y admitiendo la posibilidad de que haya propuestas que verdaderamente necesiten este formato (y se proyecte en salas apropiadas), estoy seguro que los más jóvenes disfrutarán las escenas en tres dimensiones de este film, en general un digno entretenimiento para todos los públicos.

George Clooney quiere a Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti y Chris Pine para su nueva película

Juan Luis Caviaro — Wed, 01 Sep 2010 11:15:33 GMT

George Clooney está preparando su nueva película como director. Al parecer, su intención es empezar a rodar el próximo mes de febrero, y quiere contar con Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti y Chris Pine para los papeles principales. El proyecto que tiene entre manos es una adaptación de una obra teatral titulada ‘Farragut North’, un drama sobre los trapos sucios de una campaña electoral. Marisa Tomei, Evan Rachel Wood y el propio Clooney también actuarían en la película interpretando roles secundarios, aunque por el momento no hay confirmación oficial.

La obra fue escrita por el ex político del partido demócrata Beau Willimon (que también se ha encargado del primer borrador del guión del film) después de trabajar en la campaña de Howard Dean para la presidencia de Estados Unidos en 2004. Por supuesto, la historia de ‘Farragut North’ es ficción, el candidato se llama ahora Stephen Myers y los hechos sólo están inspirados en la realidad. No vaya a ser que el público piense que las cosas que verá en la película pasan realmente… Bueno, la trama se centrará en cómo Myers, un joven y ambicioso político, hará lo que sea por derrotar a su máximo rival, un veterano senador, y ser el número uno de los demócratas. Con Clooney a los mandos, y este reparto, sólo puede salir una de las películas más interesantes del año que viene.

PD: Cuando Clooney se interesó por este proyecto, hace tres años, se dijo que sería uno de los protagonistas, junto a Leonardo DiCaprio (que sería Myers) y Brad Pitt.

Vía | Vulture

Taquilla española | El nuevo Karate Kid puede con todos

Juan Luis Caviaro — Tue, 31 Aug 2010 21:12:18 GMT

Ojo a los dos primeros puestos de la taquilla: Karate Kid y Woody Allen. Lástima que sea en ese orden… A pesar del inicio de la liga de fútbol (que empieza como acabó la anterior), a los cines les ha ido muy bien, quizá por la cantidad de estrenos con cierto gancho, y es que las tres películas más vistas son novedades del pasado viernes.

En lo más alto está ‘The Karate Kid’, repitiendo en nuestro país el éxito cosechado en Estados Unidos, donde ha sido una de las películas más taquilleras de lo que llevamos de año (un pobre 2010). El remake con Jaden Smith y Jackie Chan es lo más visto en España durante su primer fin de semana, con una recaudación de casi tres millones de euros en 480 salas; en total, seis mil euros de media, una cifra espectacular. Por debajo, con 250 copias y más de cuatro mil euros por sala, aparece lo último de Allen, ‘Conocerás al hombre de tus sueños’ (‘You Will Meet a Tall Dark Stranger’), que ha contado con mucha publicidad, incluyendo la visita del director.

Dos estrenos más se han colado en el “top ten” de la taquilla española. ‘Predators’, otro remake, con Adrien Brody y producida por Robert Rodriguez, se lleva casi un millón de euros con 300 copias (tres mil euros por sala). En el último puesto aparece ‘Todo sobre mi desmadre’ (‘Get Him to the Greek’), una comedia con Russell Brand y Jonah Hill que no ha encontrado su público en nuestro país; a pesar de salir con 250 copias, apenas atrapa 210.000 € en sus primeros días en la cartelera, todo un batacazo.

PD: La semana que viene llega a nuestra cartelera otra buena ración de títulos para todos los gustos: ‘Bright Star’, ‘Lope’ (¿cuántas veces habéis visto ya el tráiler?), ‘El aprendiz de brujo’ (‘The Sorcerer´s Apprentice’), ‘Un pequeño cambio’ (‘The Switch’, comedia con Jennifer Aniston) y ‘Vaya par de polis’ (‘Cop Out’), entre otros títulos.

Datos | Boxoffice.es

'Conocerás al hombre de tus sueños', el desconcierto de Woody Allen

Alberto Abuín — Tue, 31 Aug 2010 19:47:03 GMT

Acusan a Woody Allen de cansancio creativo. Tal vez tengan razón, pero hay que considerar que este señor lleva dirigiendo películas desde hace más de 40 años, no siempre ha estado a la altura de sus mejores obras, y éstas se han repartido a lo largo y ancho de su filmografía. Para el que esto suscribe sus mejores títulos son ‘Annie Hall’ (id, 1977), ‘Manhattan’ (id, 1979), ‘La rosa púrpura del Cairo’ (‘The Purple Rose of Cairo’, 1985), ‘Match Point’ (id, 2005) y ‘Si la cosa funciona’ (‘Whatever Works’, 2009), curiosamente éste último uno de los films menos apreciados de su autor. El resto las encuentro más o menos interesantes, muchas de ellas excelentes, y la verdad es que muy pocas una pérdida de tiempo. Woody Allen es uno de esos directores que siempre tienen algo que mostrar por muy pobre que sea su película.

Los temas de sus películas pueden resumirse en uno: las relaciones humanas. Unas veces desde una perspectiva puramente cómica, otras con excesiva seriedad —influenciado, cómo no, por su admirado Ingmar Bergman—, y otras con una sabia mezcla de humor y drama, ese punto en el que creo Allen se mueve como pez en el agua. Lo que ya escapa a mi comprensión, teniendo en cuenta el prestigio del realizador y que todo actor viviente estaría encantado de trabajar con él, es lo difícil que lo tiene para encontrar ya no distribución para sus films, sino financiación. Ha tenido que venirse a España —con todo lo bueno que eso tiene para nosotros— y firmar un acuerdo con Mediapro, que le ha asegurado la producción de tres de sus trabajos.

Dicha relación empezó con la lamentable ‘Vicky Cristina Barcelona’ (id, 2008), sin duda uno de los peores trabajos de Allen, y continúa con la presente ‘Conocerás al hombre de tus sueños’ (‘You Will Meet a Tall Dark Stranger’, 2010) que afortunadamente está a años luz de la película por la que Penélope Cruz se llevó un merecido Oscar. Y aunque la experiencia resulta más satisfactoria sí es cierto que de todos sus films ambientados en la ciudad de Londres, es uno de los que muestra más evidencias de ese comentado cansancio, quedando por debajo de películas como ‘Match Ponit’ —sin duda, la mejor del grupo— o ‘Cassandra´s Dream’ (id, 2007), una de las películas de Allen que más ganan con el paso del tiempo.

No deja de producirme un gran desconcierto el hecho de que en medio de las dos producciones de Mediapro Allen regresase a su amada New York y filmase uno de sus mejores trabajos con una operación similar a la realizada por Clint Eastwood en ‘Gran Torino’ (id, 2008). Con el maravilloso sabor de boca que me dejó el film protagonizado por Larry David me acerqué a saborear la nueva obra de un director que para muchos es un genio, para otros casi —aquí me incluyo yo—, y a otros literalmente les parece un coñazo. Y desconcierto de nuevo. Excelentes intérpretes, historia que como siempre en manos de su director puede dar para mucho, frases ingeniosas, pero algo no termina de funcionar.

‘Conocerás al hombre de tus sueños’ —¿a qué habrá venido ese cambio en la traducción si nunca lo hacen…?— parece un batiburrillo de momentos del cine de Allen que todos reconocemos. En su anterior film realizó la misma jugada pero ésta le salió perfecta, su sentido del humor estaba más inspirado y la empatía con sus personajes se producía casi automáticamente. Esto no ocurre con su último trabajo estrenado —recordemos que ya tiene otra película en cartera, ‘Midnight in Paris‘— en el que reconocemos los típicos personajes de Allen, pero éstos no despiertan interés, no terminan de engancharnos. Ni el temeroso Alfie —Anthony Hopkins en un personaje que en otros tiempos hubiera interpretado el propio Allen—, ni el fracasado Roy —Josh Brolin demostrando que cada día se parece más a Nick Nolte—, ni la desengañada Sally —Naomi Watts esforzándose más que nunca— terminan de transmitir esa simpatía que producen casi todos los personajes de Allen por muy patéticos que estos sean.

Allen se muestra dubitativo en el hilar de las historias echando manos de elipsis impensables o de no concluir situaciones. Momentos bochornosos como el primero del gimnasio se dan la mano con otros donde se vislumbra el brillo del director, pero sin quedar nada memorable. Tampoco llama demasiado la atención que nuestro Antonio Banderas se pasee por el film derrochando su evidente carisma, pues su personaje es de los peor tratados y todo parece una mera excusa para justificar la presencia del actor ~~manchego~~ malagueño.

Música extraordinaria, algo que era de esperar dado el buen gusto musical que tiene el señor Allen; actores excelentes —lo que fallan son algunos de los personajes—, y puesta en escena a ratos viva —las escenas en el apartamento de Roy y Sally—, a ratos pobre. Mucha profesionalidad, pero poco alma. Con todo, un Woody Allen cansado es preferible a muchos realizadores inspirados.

Bradley Cooper y Ryan Reynolds serán compañeros en una comedia de acción

Juan Luis Caviaro — Tue, 31 Aug 2010 18:06:25 GMT

Era de esperar que en algún momento se cruzaran sus caminos. Dos de los “guapos” más activos y solicitados de la industria norteamericana coincidirán en una “buddy movie” (o “película de compañeros”); Bradley Cooper y Ryan Reynolds serán los protagonistas de una historia escrita por Sheldon Turner (‘La matanza de Texas: El origen’, ‘Up in the Air’) que aún no tiene título oficial. Sí se sabe que se trata de una comedia de acción sobre dos amigos que son policías de San Francisco. Dicen que se parece a ‘Arma letal’ (‘Lethal Weapon’, 1987) pero más gamberra y violenta, con la posibilidad de convertirse en un film para mayores de edad. Lo dudo, pero vale.

Lo más curioso del guión es que al parecer llega un momento en el que los dos protagonistas se ven incapaces de atrapar a los malos, por lo que se verán obligados a pedir ayuda a sus respectivos padres, que da la casualidad que son agentes retirados. Por el momento no se sabe qué actores interpretarán a esos personajes, pero parece que la intención es buscar a dos veteranas estrellas. Los primeros que me vienen a la mente son Robert de Niro y Al Pacino, o Bruce Willis y Mel Gibson… o Don Johnson y Tom Selleck, si no tienen tanto presupuesto. A ver qué pasa, aún no hay fecha para el comienzo del rodaje.

Lo próximo que veremos de Reynolds será la esperada ‘Buried (Enterrado)’ del español Rodrigo Cortés, que se estrena en octubre, y ‘Green Lantern’, la bomba de Warner para el próximo verano. A Cooper lo vimos recientemente en ‘El Equipo A’ (‘The A-Team’), tiene que rodar la secuela de la taquillera ‘Resacón en Las Vegas’ (‘The Hangover’), y su próximo estreno es el thriller ‘The Dark Fields’, en enero.

PD: La primera versión del guión de Turner se titulaba ‘Blowback’, y se iba a filmar hace cinco años con Dwayne Johnson (La Roca) en uno de los papeles principales.

Vía | Comingsoon

'Más allá de la duda', uno de los peores remakes de la historia

Alberto Abuín — Tue, 31 Aug 2010 16:21:07 GMT

Entre tantos estrenos y especiales —un día de éstos me dedico a hacer sólo especiales dadas las tristezas que me dan los estrenos en general— me he dedicado a ver un par de películas que se me habían pasado en su momento por las más diversas razones y ahora he rescatado por aquello del hambre cinéfila. A una de ella no pienso dedicarle ni la más mínima palabra, sólo diré que se titula ‘Push’ (id, 2009, Paul McGuigan) y su utilidad es la misma que la de un rollo de papel higiénico. Curiosamente la otra me ha parecido peor película, ‘Más allá de la duda’ (‘Beyond a Reasonable Doubt’, 2009, Peter Hyams), pero sí me parece que tengo que dedicarle mi tiempo, porque es muy probable que nos encontremos ante uno de los peores remakes jamás hechos.

Como todos sabéis, la película de Hyams es una nueva versión del film homónimo de Fritz Lang dirigido en 1956 y sobre el que os hablé hace poco más de un año. En el primer párrafo de mi texto casi aseguraba que no me interesaba ver el remake de dicho film porque ya tenemos la película de Lang, que es muy buena y cuando algo está bien no es necesario darle más vueltas. Tal vez fue el calor asfixiante de estos días, que ya era muy tarde, o que simplemente quería ver algo intrascendente con lo que no pensar demasiado. Desoyendo mi propia voz interior intenté apoyarme en el valor que una vez fue Peter Hyams, intrigado por si sería capaz de no estropear un guión magnífico.

La verdad es que tenemos que remontarnos más de 20 años para recordar las buenas películas de Peter Hyams. Títulos como ‘Capricornio uno’ (‘Capricorne One’, 1977), ‘La calle del adiós’ (‘Hannover Street’, 1979) y sobre todo ‘Atmósfera cero’ (‘Outland’, 1980) están en la memoria de todo buen cinéfilo y aficionado. Pero metido de lleno en los 80, Hyams empezó a perder fuelle realizando productos cada vez menos interesantes y de una calidad temible. No hay más que echar un vistazo a los últimos films de su filmografía: ‘El mosquetero’ (‘The Musketeer’, 2001), ‘El sonido del trueno’ (‘A Sound of Thunder’, 2005) y la que nos ocupa. Para llevarse las manos a la cabeza.

No es la primera vez que el director se enfrentaba a un remake. En 1990 Hyams nos había colado ‘Testigo accidental’ (‘Narrow Margin’), una revisión de un film de Richard Fleischer de los 50 de idéntico título y evidentemente muy superior al trabajo realizado por Hyams, que a pesar de tener en el reparto a un Gene Hackman en plena forma la cosa no pasaba de ser un telefilm lujoso con una puesta en escena impropia de un director que también ha hecho sus pinitos siendo el director de fotografía de sus películas desde ’2010: Odisea dos’ (‘2010’, 1984). ‘Más allá de la duda’ es la misma operación que aquélla y le reencuentra con Michael Douglas a quien Hyams había dirigido en ‘Los jueces de la ley’ (‘The Star Chamber’, 1983), película de temática similar a la que nos ocupa.

El argumento de ‘Más allá de la duda’ es básicamente el mismo que el film de Lang con los consabidos cambios. Uno de ellos es crear en la figura del fiscal la idea de la corrupción del sistema judicial, esto es, lo que Lang proponía en líneas generales sobre todo el sistema, Hyams lo reduce a una sola persona, con lo que el mensaje del film no tiene la más mínima fuerza. Al final es la historia de un fiscal que hace trampas —lo de las fotografías es delirante— y la obsesión de un joven por demostrar sus malas artes. Con esto, el famoso giro final pierde todo interés —no hablemos ya de la falsa sorpresa que produce—, Hyams parece no darse cuenta que era precisamente ese detalle argumental el que le permitía a Lang criticar todo el sistema judicial. Aquí solo queda un fiscal que abusa de su poder y un jovenzuelo que se pasa de la raya en pos del éxito.

Y por si no nos llega el hecho de que Hyams estropea el argumento tenemos que aguantar unas interpretaciones muy poco convincentes. En el original Dana Andrews era lo peor del mismo, un actor bastante soso que tuvo la suerte de estar dirigido por alguno de los más grandes directores que ha habido. Superarlo era fácil, pero en el film de Hyams han preferido lo difícil: quedar por debajo del trabajo de Andrews, por lo menos en lo que respecta a Jesse Metcalfe, inservible actor al que un papel de tal envergadura le queda muy grande para sus aptitudes. Amber Tamblyn tampoco da la talla, y es que intentar ponerse a la altura de Joan Fontaine debería estar penado por la ley.

La presencia de Michael Douglas no termino de entenderla. Supongo que es para darle más caché al film, más categoría, y no estaría mal si el actor hubiese perfilado un personaje malvado inolvidable. Tenía todos las herramientas para hacerlo debido al cambio que Hyams hace en el guión, pero el actor además de salir poco parece totalmente desganado, como si no creyese en lo que hace. No sería de extrañar que Douglas, convencido de la nula calidad del proyecto, se limitase a cumplir mínimamente, cobrar su cheque y a otra cosa.

La buena noticia es que la semana que viene el film de Fritz Lang sale a la venta en DVD en nuestro país. Ya era hora.

Otra crítica en Blogdecine:

‘Más allá de la duda’, un thriller para otros tiempos

'Bright Star', cartel y tráiler

Juan Luis Caviaro — Tue, 31 Aug 2010 10:58:02 GMT

Uno de los estrenos más interesantes del próximo viernes, y del que apenas habíamos dicho nada en Blogdecine, es sin duda ‘Bright Star’, lo nuevo de la directora Jane Campion (‘El piano’, ‘Retrato de una dama’). La película formó parte de la programación del festival de Cannes de 2009 (donde obtuvo buenas críticas), es un drama romántico ambientado a principios del siglo XIX y está protagonizada por la australiana Abbie Cornish (‘Candy’) y el inglés Ben Whishaw (‘El perfume’). Otros destacados miembros del reparto son Paul Schneider, Kerry Fox, Olly Alexander, Antonia Campbell-Hughes y Thomas Sangster.

Basada en la biografía ‘Keats’ escrita por Andrew Motion, ‘Bright Star’ nos traslada a Londres en 1818 para narrarnos el encuentro entre el poeta John Keats y su vecina Fanny Brawne, una extrovertida estudiante; empiezan con mal pie y sus aficiones son opuestas, pero John y Fanny se ven envueltos en un apasionado romance y pronto sienten la necesidad de estar siempre el uno con el otro, hasta llegar a límites que escapan a la razón. La película se estrenó hace casi un año en Estados Unidos, consiguiendo una valoración de 8,1 en Metacritic, 8,2 en RottenTomatoes y 7,2 en Imdb. A continuación os dejo el tráiler de la película, que como dijo un lector, pinta muy bien, la verdad.

Tráiler en versión original:

Tráiler doblado al español:

PD: Apenas hay diálogo, pero prestad atención a la lectura de la carta, al final del vídeo. Comparad uno y otro. Sólo escuchad, cerrad los ojos.

Vía | Impawards

Rodajes de agosto del cine español | Juan Diego será el general Armada en la recreación del 23-F

Beatriz Maldivia — Tue, 31 Aug 2010 07:34:33 GMT

Os habíamos comentado ya que se comenzaba a rodar, durante este mes de agosto, el largometraje ‘88’, que dirige Jordi Mollá y protagonizan Beatriz Montañez y Rubén Ochandiano. También estabais al corriente del rodaje de ‘Lo imposible’, de J.A. Bayona, así como de que Almodóvar comenzaba este mes la filmación de ‘La piel que habito’.

Asimismo, se os ha ido informando del progreso de ‘El Capitán Trueno y el Santo Grial’, que, después de dar un numerosas vueltas por distintas manos y de pasar más de una década sin saber vería la luz, por fin se convierte en una realidad. Finalmente, no será Juanma Bajo Ulloa quien se encargue de él, debido a la dificultad de llegar a un acuerdo con el productor de Filmax, Julio Fernández. En su lugar está Antonio Hernández, director de películas de gran calidad como ‘En la ciudad sin límites’ o ‘Lisboa’, y responsable de ‘Los Borgia’, que tenía sus fallos, pero no creo que se debiesen a la labor de dirección.

Además de estos proyectos ya comentados en Blogdecine, son varios los rodajes en los que se ha escuchado en primer grito de “acción” a lo largo de este mes de agosto.

‘23-F’

Chema de la Peña rueda, la película ’23-F’, que produce Lazona Films con guión de Joaquín Andújar.

Paco Tous interpreta a Tejero, Juan Diego al general Armada, Jesús Castejón hace del teniente general Aramburu Topete y Fernando Cayo encarna al Rey.

Después de varias TV-movies al respecto del hecho, se me antoja dudosa la aportación que pueda tener convertirlo, esta vez, en un largometraje para cines. Cuando se trata de unos acontecimientos tan documentados y de los que existe tanto material grabado, sólo se podría aportar algo retratando lo que hubo alrededor y no en el propio momento del golpe.

‘Águila roja, la película’

La serie de Globomedia ‘Águila roja’ va a tener su versión fílmica. José Ramón Ayerra, se encarga de dirigir a David Janer, Javier Gutiérrez, Francis Lorenzo, Inma Cuesta, Myriam Gallego, Pepa Aniorte, José Ángel Egido, Roberto Álamo, Santiago Molero, Xavier Elorriaga, Mariano Peña, Antonio Molero, Stany Coppet y Martina Klein.

No veo la serie, así que tampoco puedo decir que me emocione saber que se va a convertir en película, pero quizá les quede bien. Espero que no sea otro ‘Alatriste’.

‘El hombre de las mariposas’

Aunque nos anunciaron que se rodaría hace un año, no ha sido hasta el pasado viernes 13 de agosto que ha comenzado en Requena (Valencia) el rodaje del primer largometraje como director de Maxi Valero, guionista de títulos como ‘La estancia’ (2004) y ‘Escuchando a Gabriel’ (2007).

Lucio, un ex militar ruso que vive exiliado en España, debe hacerse cargo de forma involuntaria su sobrina Natasha, una niña conflictiva de 12 años. Estos dos seres desarraigados, educados en la violencia, real y social, deben enfrentarse al reto de convivir y socorrerse, para lo cual se verán obligados a sacar lo poco que aún pueda quedar de bueno en su interior. Jacob, el padrastro de la niña, un tipo de los bajos fondos relacionado con negocios ilegales, tendrá un papel clave en el futuro de la niña; y Silvia, una médico que también esconde su pasado, será el nexo entre Lucio, la niña y la realidad que los rodea.

Lluís Soler (en la fotografía) estará en el lugar de Darío Grandinetti, junto con Ana Millán, Carlos Manuel Díaz, Sergio Caballero y la niña Claudia Silva son sus protagonistas.

‘El hombre de las mariposas’ tiene previsto su estreno para la primavera de 2011.

No conozco las películas que salieron de los guiones de Valero, por lo que no puedo evaluar sus capacidades narrativas. En cuanto al aspecto que tiene el proyecto presente, tampoco es fácil aventurar nada, ya que el argumento poco parece que pueda aportar, así que todo habrá que esperarlo de los resultados dramáticos que se deriven del retrato de personajes y del aprovechamiento de los conflictos.

‘Carne cruda’

Tirso Calero rueda en la Comunidad Valenciana su ópera prima, ‘Carne cruda’, una comedia negra en la que un par de vendedores de pisos, durante un fin de semana en el campo, caen en las redes de una secta de devoradores de carne humana liderados por una ex hippy y la cuestión será matar o morir de hambre.

Los actores que protagonizan el largometraje son Alejandro Tous, Canco Rodríguez, Rebeca Valls, Ana Asensio, Susana Estrada, Máximo Valverde, Diego Arjona, Ferrán Gadea, Joan Gadea, Albert Forner y Fernando Albizu.

El proyecto suena tan disparatado que no parece que pueda tener una validez ni siquiera en tono de comedia absurda. Pero es difícil saberlo únicamente con estos datos, así que habrá que esperar a ver resultados.

‘Superzebraman’

Javier Urtasun ha dirigido la primera coproducción hispano nigeriana de la historia en Nollywood (sobrenombre por el que se conoce a la industria local por ser la 3ª a nivel mundial), de la que se puede ver ya un tráiler.

Michael es un humilde camarero de un bar de música en vivo en Lagos, Nige-ria. Su vida tran¬scurre tran¬quil¬a¬mente hasta el día en que aparece Niurka, una nueva can¬tante de la cual se enam¬ora perdidamente. Niurka es una mujer fría y cal¬cu¬ladora que sólo se rela¬ciona con europeos blan¬cos con el obje¬tivo de irse a Londres para trabajar en la MTV. Michael se da cuenta del amor imposi-ble que pre¬tende y cae en depresión. Así, una noche se embor¬racha en el bosque. Allí conocerá a Puli, una cebra que habla y que le ofrecerá el poder de las cebras para ser blanco y negro al mismo tiempo y así poder con¬quis¬tar a la mujer de su vida. Todo se complicará cuando Michael pierda el con¬trol del poder, con unas con¬se¬cuen¬cias ter¬ri¬bles: ya no será nunca más blanco o negro, sino una cebra humana, y eso en un continente paraíso de los más sanguinarios cazadores supondrá un grave problema…Además de la películaUrtasun también ha hecho un documental sobre su producción.

Esto puede ser cualquier cosa.

TV-movies

Se rueda la tv-movie germano-española ‘Implosion’, en la que participan Zip Films y TV3. Se rueda la tv-movie Morir en 3 actes , que producen Estrategia Audiovisual, La Nutria Produccions y TV3.

Documentales

Copia Cero Producciones inicia el rodaje del largometraje documental ‘La sombra de Evita‘, de Xavier Gassió.

Vía | Cine y Tele Online.

Estrenos DVD de la semana | 30 de agosto | Sobre el country, la venganza, la guerra y el franquismo

Juan Luis Caviaro — Mon, 30 Aug 2010 16:56:55 GMT

Tras una semana repleta de estrenos, en ésta sólo contamos con cuatro novedades en la sección de cine en DVD; curiosamente no sale ningún título clásico, algo que viene siendo habitual. Eso sí, se trata de estrenos destacados (uno de ellos ganador de un par de Oscars, al mejor actor principal y a la mejor canción original) que más de uno querrá llevarse a casa. Las opciones son acompañar a un veterano cantante en declive, a un policía vengativo, a un soldado honesto y/o a un cómico amargado. Echad un vistazo:

‘Corazón rebelde’

Director: Scott Cooper. Actores: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Robert Duvall, Colin Farrell, Sarah Jane Morris, Beth Grant, Annie Corley, Tom Bower, Alexandria Morrow.

Sinopsis:

Bad Blake (Jeff Bridges) es un cantante de música country que vive una vida apartada de la sociedad, que ha pasado por demasiados matrimonios y ha tomado demasiado alcohol en su vida. Cuando parece que nada puede salvar la existencia de Bad, aparece Jean (Maggie Gyllenhall), una reportera que descubrirá al verdadero hombre tras esa dura apariencia.

Características del DVD:

Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.35:1 16/9 anamórfica.
Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Polaco.
Subtítulos: Inglés, Castellano, Polaco, Hebreo.
PVP Recomendado: 14,95 €

Contenido Extra:

Escenas eliminadas. Bad toca “Somebody Else” en Santa Fe. Jean ayuda a Bad a recoger sus cosas. Bad visita a Tommy detrás del escenario. Bad y Jean en Taos. Palabras de ánimo de Wayne. Malas recaídas. Tráiler.

Edición especial: Por 17,95 € también podéis comprar una edición que incluye un CD con la banda sonora original.

Crítica en Blogdecine:

Oscars 2010: ‘Corazón rebelde’, inmenso Jeff Bridges

‘Al límite’

Director: Martin Campbell. Actores: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Bojana Novakovic, Shawn Roberts.

Sinopsis:

Thomas Craven es un hombre movido por el dolor y que busca la verdad después de que su única hija, Emma, haya muerto por una bala que la policía creía que iba destinada contra él. Destrozado por la inesperada muerte de su hija, el veterano inspector de policía de Boston busca respuestas y se enfrentará (o acabará) con cualquier cosa o persona que se interponga en su camino.

Características del DVD:

Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.40:1 16/9 anamórfica.
Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano.
Subtítulos: Inglés, Castellano, Inglés para sordos.
PVP Recomendado: 18,50 €

Contenido Extra:

Escenas eliminadas/alternativas.

Críticas en Blogdecine:

‘Al límite’, Mel Gibson es la santa justicia

Al límite de la vergüenza

‘Green Zone: Distrito Protegido’

Director: Paul Greengrass. Actores: Matt Damon, Greg Kinnear, Brendan Gleeson, Amy Ryan, Jason Isaac.

Sinopsis:

Durante la ocupación de Bagdad en 2003 por tropas extranjeras, mayormente estadounidenses, al subteniente Roy Miller y a su equipo de inspectores les encomiendan la misión de recorrer el desierto en busca de armas de destrucción masiva supuestamente almacenadas allí. Registran escondite tras escondite, a cual más peligroso, pero en vez de letales agentes químicos, descubren un elaborado plan que da la vuelta al propósito de su misión. Rodeado de agentes con objetivos contradictorios, Miller debe abrirse camino entre una maraña de espías en un país desconocido mientras intenta encontrar respuestas que quizá sirvan para salvar a un gobierno o para extender la guerra en una región muy inestable. No tardará en descubrir que, en un momento difícil y en una región explosiva, el arma más difícil de encontrar es la verdad.

Características del DVD:

Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.40:1 16/9 anamórfica.
Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Húngaro.
Subtítulos: Inglés, Castellano, Croata, Holandés, Portugués, Húngaro, Esloveno.
PVP Recomendado: 16,99 €

Contenido Extra:

Escenas inéditas con los comentarios del director Paul Greengras y Matt Damon. Matt Damon: Listo para la acción. Cómo se hizo Green Zone.

Edición especial: Por 30,5 € también podéis adquirir un pack (4 discos) que incluye la trilogía de Jason Bourne.

Críticas en Blogdecine:

‘Green Zone: Distrito Protegido’, Bourne busca armas de destrucción masiva en Irak

‘Green Zone: Distrito Protegido’, Greengrass y Damon de aventuras en Irak

‘Pájaros de papel’

Director: Emilio Aragón. Actores: Imanol Arias, Lluís Homar, Roger Príncep, Carmen Machi, Fernando Cayo, Diego Martín, Oriol Vila, Cristina Marcos, José Ángel Egido, Emilio Aragón ‘Miliki’.

Sinopsis:

‘Pájaros de papel’ es la historia de las peripecias de una compañía de artistas de vodevil y, en particular, de una extraña y singular familia encabezada por un cómico y músico, Jorge Del Pino; un ventrílocuo, también músico, Enrique; y Miguel, un niño de 10 años hijo y nieto de artistas. Le acompañan en sus aventuras y desventuras la cupletista Rocío Moliner y Merceditas, una joven bailarina.

Características del DVD:

Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.35:1 16/9 anamórfica.
Audio: Dolby Digital 5.1 Castellano.
Subtítulos: Inglés.
PVP Recomendado: 14,95 €

Contenido Extra:

La historia. Los personajes. La música. La producción. El director.

Edición especial: Por 17,95 € también podéis adquirir una edición que incluye un CD con la banda sonora original.

Crítica en Blogdecine:

‘Pájaros de papel’, la lágrima fácil

PD: Si pedís mi opinión, os recomiendo ‘Corazón salvaje’, sólo por la sensacional interpretación de Bridges, o ‘Pájaros de papel’, más emocionante de lo que puede parecer en un principio. En ambos casos la compraría con la banda sonora, por tres miserables euros más.

Vía | ZonaDVD

'Enredados' ('Tangled'), carteles

Juan Luis Caviaro — Mon, 30 Aug 2010 08:39:32 GMT

Habíamos visto el tráiler, pero no el cartel de ‘Tangled’ (‘Enredados’), la nueva película de animación de los estudios Walt Disney, después de ‘Tiana y el sapo’ (‘The Princess and the Frog’). Así que en esta entrada os traigo el teaser estadounidense (que es eso que tenéis ahí arriba) y el póster para el mercado internacional (en este caso, concretamente para los cines franceses), ya con un diseño más clásico, y agradable a la vista. Es de esperar que saquen otro más adelante, cuando se aproxime la fecha del estreno. En Estados Unidos la podrán ver a partir del 24 de noviembre, sin embargo a las salas españolas no llegará hasta el 4 de febrero. Si no me importara un pimiento, ahora mismo estaría molesto.

Basada en el cuento clásico ‘Rapunzel’, de los hermanos Grimm, ‘Enredados’ ha sido dirigida por Nathan Greno y Byron Howard (co-director de la flojísima ‘Bolt’) y en la versión original cuenta con las voces de Mandy Moore, Zachary Levi, Donna Murphy, Ron Perlman y Jeffrey Tambor, entre otros. La historia, modernizada para atraer a los nuevos jóvenes, nos presenta a un encantador bandido llamado Flynn Rider, que consigue escapar de prisión y esconderse en una misteriosa torre, donde cree que nadie le buscará; lo que no imagina es que allí está atrapada Rapunzel, una hermosa joven con un kilométrico cabello dorado cuyo único deseo es escapar y vivir grandes aventuras. La película se podrá ver en salas 2D y 3D.

PD: En EE.UU. (y en España) se iba a titular ‘Rapunzel’, hasta que en Disney pensaron (redoble de tambores, por favor) y llegaron a esta genial conclusión: “Con ese título algunos asumen que se trata de un cuento de hadas sólo para chicas, cuando no es así. Hacemos películas para que sean apreciadas y amadas por todos“. Así que ‘Tangled’, ‘Enredados’, que suena más a… no sé, ¿una de esas comedias con Sandra Bullock o Katherine Heigl?

Vía | Impawards

Taquilla USA: el último exorcismo será el primero

Alberto Abuín — Mon, 30 Aug 2010 02:34:25 GMT

Stallone y sus ochenteros mercenarios han bajado bastantes enteros en su tercera semana —aunque lleva una digna recaudación— y cede el paso a un par de cintas que prácticamente han acaparado la atención del público estadounidense. La primera de ellas es una vuelta al cine de exorcismos filtrada por la reciente manía del falso documental dentro del cine de terror, ‘The Last Exorcism’. Se trata de la ópera prima de Daniel Stamm que se alza con aceptables críticas y buena recepción por parte del público votante en la IMDb.

El film de terror es seguido muy de cerca por ‘Takers’, la historia de un grupo de ladrones de bancos que en uno de sus trabajos se topan con un duro detective. Hayden Christensen encabeza un reparto en el que también podemos encontrarnos con el veterano Matt Dillon y con el excelente Idris Elba, más apreciado en sus trabajos para la televisión —‘The Wire‘—. Sin embargo ni las críticas han sido buenas ni el público votante está satisfecho. Aquí se estrena el 5 de noviembre.

Vía | IMDb

Nick Cassavetes reúne un interesante reparto para su nueva película, 'Yellow'

Juan Luis Caviaro — Sun, 29 Aug 2010 17:56:26 GMT

Sienna Miller (‘G.I. Joe’), Ben Foster (‘Pandorum’), Melanie Griffith (‘Cecil B. Demente’), Lucy Punch (‘Conocerás al hombre de tus sueños’) y la veteranísima Gena Rowlands (‘Paris je t´aime’). Ellos serán los protagonistas de la nueva película que está preparando Nick Cassavetes, un drama titulado ‘Yellow’. Ya sabréis que Cassavetes es hijo de Rowlands, a quien ya ha dirigido en tres ocasiones: ‘Volver a vivir’ (‘Unhook the Stars’, 1996), ‘Atrapada entre dos hombres’ (‘She´s So Lovely’, 1997) y ‘El diario de Noa’ (‘The Notebook’, 2004).

La historia se centra en una mujer joven cuya adicción a las drogas la ha arrastrado a una vida miserable llena de problemas; el papel principal lo interpretará Miller, mientras que los demás darán vidas a las personas más importantes de su entorno, las mayores influencias positivas y negativas de su vida. El guión lo ha escrito Cassavetes junto a su mujer, la actriz Heather Wahlquist, que también podría intervenir en el film (sería lo más lógico, a menos que el guión sea una basura y/o no soporte que su marido la dirija). Esperemos que Nick se haya puesto las pilas y que su nuevo trabajo no se parezca en nada a la última, la bochornosa ‘La decisión de Anne’ (‘My Sister´s Keeper’).

PD: El padre de Nick, John Cassavetes fue nominado al Oscar en tres ocasiones: como actor por ‘Doce del patíbulo’ (‘The Dirty Dozen’, 1967), como guionista por ‘Faces’ (1968) y como director por ‘Una mujer bajo la influencia’ (‘A Woman Under the Influence’, 1974).

Vía | Comingsoon

Críticas a la carta | 'Memento'

Juan Luis Caviaro — Sun, 29 Aug 2010 08:44:35 GMT

Te mientes a ti mismo para ser feliz. Eso no es malo, todos lo hacemos.

(Teddy)

Una mano sostiene una fotografía. La agita, y la imagen comienza a desaparecer, a quedarse en blanco. Como un vivo recuerdo que muere, que se desvanece por completo. Así comienza ‘Memento’ (2000), la primera película con la que Christopher Nolan impactó al mundo, y empezó a convertirse en uno de los cineastas más conocidos, aplaudidos y admirables que existen. Aunque (de manera inevitable) los hay que se están empeñando tozudamente en restar valor a su trabajo, y por otro lado, quienes se han entusiasmado más de la cuenta con sus últimas películas, es innegable que el cine de Nolan es un soplo de aire fresco. Es capaz de entretener hasta dejar al público clavado en la butaca, al mismo tiempo que obliga a reflexionar sobre lo que se está viendo. Pocos consiguen enmudecer de esta forma, y que, una vez fuera de la sala, uno esté deseando discutir sobre la película. Eso, sencillamente, es la marca de un gran creador.

Christopher Nolan nació en Londres en 1970 y al parecer empezó a grabar sus propias historias a partir de los siete años, con una cámara Súper 8 que tenía su padre. Estudió Literatura pero no perdió su pasión por el cine, rodando cortos como el interesante ‘Doodlebug’ (1997). En 1998 logró terminar su primer largometraje, ‘Following’, un thriller (en blanco y negro) sobre un tipo que se mete en líos cuando empieza a seguir a la gente por la calle; el presupuesto salió de su bolsillo y el rodaje le llevó un año, pues los miembros del equipo tenían otros empleos y sólo libraban los fines de semana. En ese momento ya se estaba gestando el siguiente proyecto de Nolan, una oscura historia de venganza y amnesia basada en un relato de su hermano menor, Jonathan.

Durante el verano de 1996, Jonathan le contó a Christopher Nolan una historia que había ideado mientras estudiaba en la universidad. Encontró fascinante un trastorno psicológico que impide crear recuerdos nuevos, y sobre eso imaginó una trama de venganza personal. A Christopher le encantó y animó a su hermano a seguir trabajando en ella. Unos meses después éste le envió un primer borrador de un relato titulado ‘Memento Mori’ (expresión latina que significa “recuerda que morirás”). A partir de ese texto, cada uno desarrolló la historia a su manera. Christopher lo extendió para dar lugar a un guión cinematográfico e incorporó algunas ideas tan importantes como la de empezar la historia por el final, y narrar a partir de ahí, la característica más representativa del film, que por cierto se rodó en sólo 25 días.

Fue su mujer, Emma Thomas, quien consiguió que la productora Newmarket se interesara por el guión de ‘Memento’, estimando el presupuesto en apenas cuatro millones y medio de dólares (al parecer, el coste final fue de nueve millones). En un principio, la intención era que el protagonista lo interpretara Brad Pitt, pero estaba comprometido con otros rodajes y entonces empezaron a buscar a un actor menos solicitado (y que saliera barato). Se barajaron los nombres de Alec Baldwin, Aaron Eckhart o Thomas Jane, pero finalmente Nolan quedó cautivado por el interés y la pasión de Guy Pearce, y le dio el papel de Leonard. Al parecer, el director quiso a Carrie-Anne Moss para encarnar a Natalie tras verla en ‘Matrix’ (1999), mientras que el de Teddy fue para Joe Pantoliano después de que la propia actriz le recomendara (también intervino en la misma película de los hermanos Wachowski). Que no nos podamos imaginar a estos personajes con otra piel, me parece señal de un excelente casting.

Eterna venganza

Leonard es un hombre atrapado en una vida pasada. Sufre de “amnesia anterógrada”, una lesión cerebral que no le permite recordar nada que se extienda más allá de diez minutos, así que vive a saltos, en breves pedazos de tiempo, sin poder saber dónde está, qué está haciendo o con quién está. Sólo puede vivir el momento, un presente de unos minutos, antes de que su mente se quede en blanco. La causa fue un dramático acontecimiento ocurrido años antes: Leonard se despertó en mitad de la noche tras oír gritos de su mujer; alguien la estaba violando, y él lo mató, pero no vio a un segundo asaltante que le golpeó en la cabeza, dejándolo inconsciente. Leonard no ha olvidado eso, recuerda su vida hasta el golpe. Y lo más importante, recuerda que debe vengarse; matar al hombre que violó y asesinó a su mujer, porque además fue el que le hirió y le dejó en ese estado, para siempre.

Para tratar de sobrellevar su situación, Leonard se apoya en sus comportamientos rutinarios, que aún mantiene, y en mensajes que él mismo se escribe, antes de que su memoria le falle. Lo que considera esencial (como su misión) se lo hace tatuar en el cuerpo, para tenerlo siempre presente, y para saber con quién está tratando, cuál es su coche o dónde se hospeda, recurre a las fotografías. Usa una vieja Polaroid, una cámara que revela las imágenes al instante, lo que permite a Leonard realizar rápidas anotaciones, como el nombre de la persona retratada, el teléfono o algún consejo a tener en cuenta más adelante, cuando haya olvidado todo. Es interesante que Leonard diga que esas fotos (que no dejan de ser recuerdos materiales) no se pueden romper, que para destruirlas debes quemarlas; en otra escena, él se deshace de unos objetos que pertenecieron a su mujer (que le recuerdan a ella) de esa misma manera, a través del fuego.

Lo más llamativo de ‘Memento’ es su inusual estructura narrativa. La idea es situarnos en la mente y el drama de Leonard, así que Nolan divide la historia en segmentos y los dispone en orden inverso, desde el final al principio. Lejos de ser un simple truco para confundir al público, para complicar la trama de manera innecesaria, lo que se consigue es dejarnos en la misma situación que el protagonista: cada secuencia comienza cuando su mente “despierta”, así que si se encuentra dentro de un coche o se da cuenta que está corriendo, no sabe por qué, tiene la misma información que nosotros. Ésta es la línea de acción principal, pero hay otra paralela que avanza de manera normal (aunque se incluyen episodios recordados por Leonard, flashbacks), y que para evitar mayor confusión se nos presenta en blanco y negro. Las dos narraciones llegarán a coincidir en el tramo final de la película, cuando se resuelven todos los cabos sueltos y descubrimos todo eso que Leonard no sabe (o no quiere saber).

Sin embargo, lo que me parece más fascinante de ‘Memento’ es la manera en la que Leonard construye su propia realidad, su propia verdad. A partir de lo que recuerda y lo que él mismo se dice (en esos mensajes) que es cierto, sin cuestionarlo, es capaz de cambiar lo que quiera, consciente de que pronto olvidará lo que ha hecho, y luego creerá que todo está en su sitio, que no hay nada malo, y que él sigue siendo ese hombre en busca de una justa venganza, aceptando con normalidad lo nuevo que ha incorporado. Si no puedes crear recuerdos nuevos, o si puedes engañarte a ti mismo hasta llegar a creer tus propias mentiras, todo está bien, no hay arrepentimiento, no hay culpa, no hay de qué preocuparse. Simplemente, borras, te justificas, y sigues adelante. A ver, ¿por dónde iba?

'The Karate Kid', el niño kung-fu

Alberto Abuín — Sun, 29 Aug 2010 04:22:28 GMT

Lo digo desde el principio: ‘The Karate Kid’ (id, 2010, Harald Zwart) me ha parecido uno de los peores remakes que se han hecho jamás, —dentro de poco os hablaré de otro que se lleva la palma de la vergüenza ajena—, un producto, eso sí perfectamente diseñado para cierto tipo de espectador, a ser posible de origen yanqui, y en concreto de una edad entre los 10 y los 13 años. Nunca me gustó el film original, muy superior al que nos ocupa, desde luego, pero John G. Avildsen no hizo más que repetir la operación de su exitosa ‘Rocky’ (id, 1976), que se alzó con 3 Oscars, trasladando el boxeo al mundo del karate y dando un toque más juvenil a la historia. Avildsen es un director torpe, pero por aquel entonces tenía un buen olfato para el éxito.

Ahora le ha tocado el turno al impersonal Harald Zwart —director de memeces como ‘Agente Cody Banks’ (‘Agent Cody Banks’, 2003) o ‘La pantera rosa 2’ (‘The Pink Panther 2’, 2009), y productor de la recientemente estrenada entre nosotros ‘Zombis nazis’ (‘Død snø’, 2009, Tommy Wirkola)— repetir el éxito de su predecesor, cosa que ha logrado con creces. De hecho estamos ante el remake más exitoso de los últimos años, algo que no deja de sorprender si tenemos en cuenta la cantidad de defensores acérrimos que el film de 1984 tiene. Los tiempos cambian y en este caso ha sido para mejor, al menos económicamente hablando. Otra cosa es la calidad.

La historia de ‘The Karate Kid’ versión 2010 es la misma que la de 1984 cambiando unos cuantos elementos, por eso de actualizar la trama convenientemente ambientada en China, país que ha adelantado a Japón como potencia y compite directamente con Estados Unidos. Ya no estamos en USA, Pekín es la ciudad en la que vive el protagonista, que se ha mudado allí con su madre en busca de nuevas oportunidades —claro, la crisis mundial hace que no pueda encontrar trabajo en todo el territorio estadounidense—, éste es más joven que el personaje al que daba vida Ralph Macchio. Ya no hablamos de un adolescente, sino de un niño, de color, cuya triste existencia —sus nuevos compañeros lo tienen atemorizado— será iluminada por enseñanzas de kung-fu.

Exacto, en una película cuyo título es ‘The Karate Kid’ el protagonista aprende kung-fu. No sólo lo aprende, sino que llega a dominarlo a la perfección practicando incluso la auto enseñanza inventándose una espectacular patada que para asombro del mundo entero —el público del torneo final y por suma el espectador— será repetida en unos monitores gigantes como si de un videojuego se tratase. Tengo un gran problema de credulidad con esta película, nada de lo que ocurre en ella me convence ni lo más mínimo.

Son muchas las cosas que me distancian y no puedo remediarlo. Un chavalín de 12 años en un país cuyas costumbres le tendrían que sonar a chino, nunca mejor dicho. Anda metido en líos con una pandilla de mal encarados que lo arrinconarán en un momento crucial del film en el que servidor pierde por completo la fe en lo que está viendo. Jackie Chan se pone a demostrar sus habilidades con un grupo de niños a los que no sacude en ningún momento pero igualmente los deja para el arrastre como si fueran cualquier matón de sus películas de artes marciales. No puedo dar crédito a la secuencia, y a partir de ahí todo se hace cuesta abajo.

El film es demasiado largo y sugiere además una historia de amor entre el protagonista y una niña china, historia que da muchas vueltas y termina por estancarse. También introduce un trauma en el personaje de Jackie Chan por aquello de compartirlo con su alumno —repito, un repelente niño negro al que no conoce absolutamente de nada más que de enseñarle kung-fu haciendo que se quite y se ponga la chaqueta hasta el cansancio— y así fortalecer sus previsibles e increíbles lazos de amistad. A la sobriedad de un esforzado, aunque totalmente desaprovechado, Jackie Chan, hay que sumar la insufrible simpatía de Jaden Smith, que no es más que una versión en pequeño de Will Smith, y el histrionismo de Taraji P. Henson, que da vida a su gritona madre.

Puesta en escena totalmente funcional, desaprovechando el formato scope por mucho que Zwart se explaye filmando maravillosos paisajes orientales. Todo termina ahogado por una omnipresente banda sonora de James Horner, que en estos tiempos alejados de sus mejores partituras ha olvidado el significado de la palabra sutilidad. Su música subraya profundamente y ensalza cada instante de ‘The Karate Kid’ hasta tal punto que si uno cierra los ojos tiene la sensación de estar ante un film épico de batallas al estilo de la trilogía de Peter Jackson. Horroroso.

En definitiva, que aún no gustándome el film de 1984 lo prefiero mil veces al presente despropósito. Eso sí, como operación comercial, absolutamente magistral.

John Cusack será Edgar Allan Poe

Juan Luis Caviaro — Sun, 29 Aug 2010 00:23:24 GMT

James McTeigue ya tiene al protagonista de su próxima película. El director de ‘V de Vendetta’ y ‘Ninja Assassin’, protegido de los hermanos Wachowski, ha convencido al cotizado John Cusack para que interprete el papel principal de ‘The Raven’, esto es, para que sea Edgar Allan Poe. Lo ha confirmado el actor en su cuenta de Twitter, algo cada vez más habitual en Hollywood. Lo que no se sabe es qué pasa con Jeremy Renner y Ewan McGregor, pues se dijo que estaban prácticamente fichados; se rumorea que aún siguen a bordo, pero para ocuparse de papeles secundarios. Ya veremos, si es así McTeigue dispondría de un fantástico reparto.

Pero si no, ‘The Raven’ (‘El cuervo’) seguiría siendo, en principio, un proyecto interesante. Según informó en su momento el director, la película no será un biopic de Poe, aunque se tomarán aspectos de su vida para retratarle adecuadamente en la pantalla. La trama situará al escritor al frente de la complicada investigación de una serie de siniestros asesinatos que parecen tener un mismo autor; un thriller al estilo de ‘Seven’, aclaró McTeigue, pero situado a mediados del siglo XIX (menos mal). El guión lo firman Ben Livingston y Hannah Shakespeare (!!), y por el momento sigue sin haber fecha para el inicio del rodaje.

PD: Según Imdb, con ésta ya hay 16 películas tituladas ‘The Raven’.

Vía | Comingsoon

Vampiros de verdad: 'El beso del vampiro' de Don Sharp

Alberto Abuín — Sat, 28 Aug 2010 17:37:43 GMT

Volvemos a los vampiros salidos de la productora británica Hammer Film, casa que se dedicó a renovar todos los mitos del cine de terror modernizando el enfoque al añadir los elementos que caracterizan la mayor parte del terror moderno: sangre y sexo. Estamos en 1963 y aún faltaban tres años para que Christopher Lee se decidiese a ponerse de nuevo los colmillos y la capa de Drácula. Durante los ocho años que separan el primer Drácula de su continuación, Lee rechazó varias ofertas, siendo una de ellas un proyecto titulado ‘Dracula and the Dammed’, que terminó convirtiéndose en ‘El beso del vampiro’ (‘The Kiss of the Vampire’, 1963, Don Sharp).

La Hammer había obtenido un éxito arrollador con ‘Drácula’ (id, 1958, Terence Fisher) y ‘Las novias de Drácula’ (‘The Brides of Dracula, 1960, Terence Fisher), por lo que decidieron volver sobre el tema vampírico a pesar de la negativa de Lee a volver a interpretar al mítico conde. Ya en ‘Las novias de Drácula’ el personaje no aparecía aunque se hace referencia a él en el prólogo de la cinta. Precisamente es con esa película con la que ‘El beso del vampiro’ tiene varios elementos en común, poniéndose en práctica algunas ideas que se tenían pensadas para el film de Fisher.

Anthony Hinds, uno de los jefazos de la casa decide levantar el proyecto e incluso tiene que prescindir del director estrella de la casa, Terence Fisher, que en ese momento se encuentra en Alemania filmando ‘El collar de la muerte’ (‘Sherlock Holmes und das Halsband des Todes’, 1962), por lo que Hinds tiene que echar mano de Don Sharp. El director australiano debuta en la Hammer con el film que nos ocupa, probablemente su mejor aportación a la casa británica. Sharp sería conocido también fuera de la Hammer por adentrarse en el mundo de Fu-Manchú con dos films con Christopher Lee, y sobre todo por ‘The Curse of the Fly’ (id, 1965) un remake de ‘La mosca’ (‘The Fly’, 1958, Kurt Neumann), muy considerado hoy día.

El argumento de ‘El beso del vampiro’ nos lleva a la Baviera de 1910 cuando una pareja de recién casados, Gerald y Marianne Harcourt (Edward de Souza y Jennifer Daniel), se queda sin combustible en su coche cerca de un castillo en el que habita el doctor Ravna (impresionante Noel William), uno de los ciudadanos más importantes de la región. Ravna invitará a la joven pareja, alojada en una pensión, a una cena en el castillo y más tarde a un baile de máscaras en el que se descubrirá el verdadero interés de Ravna. Éste es el jefe de una secta vampírica que desea convertir a Marianne en una nueva discípula. El guión está firmado por John Elder, que no es otro que el propio Anthony Hinds, que realizó algunos de los guiones más exitosos de la productora.

Así pues el esquema argumental recuerda en parte al de ‘Las novias de Drácula’ e incluso hay alguna que otra secuencia que parece copiada. Por ejemplo, el instante en el que el profesor Zimmer (Clifford Evans) —nuestro cazavampiros particular, movido por una venganza personal— debe curarse la mordedura de un vampiro. Al igual que en el film de Fisher el profesor cauteriza la herida pero en lugar de utilizar agua bendita como hacía Van Helsing, usa alcohol. Pero con todo el film logra apartarse de los films previos al aportar apuntes muy interesantes. Uno de ellos es el tratamiento del vampirismo como una secta demoníaca, lo cual alude al origen del mito en sí. Otro es algo más común en la Hammer y puede encontrarse en numerosas películas de la productora, indagar en la perversidad de la aristocracia, que no tiene que estar reñido con la cultura. Atención al instante en el que el hijo de Ravna hipnotiza a Marianne con una pieza de piano tan sombría como bella.

Pero el más interesante de todos es la resolución de la historia, en la que se utiliza una situación que iba a rodarse en ‘Las novias de Drácula’ pero por razones presupuestarias no pudo ser. Me refiero a ese singular desenlace en el que Ravna y sus seguidores son eliminados por toda una horda de murciélagos en una secuencia que recuerda mucho a las de ‘Los pájaros’ (‘The Birds’, 1963, Alfred Hitchcock), detalle por el cual la distribuidora de ambos films, la Universal, decidió retrasar el estreno de ‘El beso del vampiro’ con el fin de que no surgieran comparaciones. Sin embargo y a pesar de sus similitud con dicho film, Sharp juega en cierto momento de la película a ser Hitchcock, en el buen sentido de la expresión, planteando una intriga que recuerda a films del maestro como ‘Alarma en el expreso’ (‘The Lady Vanishes’, 1938).

‘El beso del vampiro’ no es una película fácil de ver —salvo en USA, en un estupendo pack de 8 películas dedicado a la Hammer—, y nunca ha recibido la consideración que se merece. No está a la altura de las grandes obras de Terence Fisher, pero desde luego sí está a años luz de las obras menores de la Hammer en la que se suele agrupar la película. Una interpretación algo floja por parte de Edward de Souza y alguna que otra situación forzada en su tercio final la alejan de la perfección, pero sus méritos la mantienen como un muy interesante producto sobre el vampirismo con un inolvidable personaje: Ravna, cuya relación incestuosa con sus hijos, sugerida inteligentemente, es de lo más atrevido de la época. Aquella en la que sabían que la sugerencia tiene mayor poder que la evidencia.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

‘La sangre del vampiro’ de Henry Cass

'Vanishing on the 7th Street', tráiler

Juan Luis Caviaro — Sat, 28 Aug 2010 10:10:09 GMT

‘Vanishing on the 7th Street’ es el peculiar título de la nueva película de Brad Anderson, director al que debemos ‘Session 9’ (2001), ‘El maquinista’ (2004; que he vuelto a ver y de la que os hablaré pronto) o la reciente ‘Transsiberian’ (2008). En su nuevo trabajo, Anderson vuelve al cine de terror para contarnos la terrible aventura de unos supervivientes amenazados por un enemigo invisible. Hayden Christensen, Thandie Newton y John Leguizamo protagonizan el film, que forma parte de la sección oficial del festival de Toronto.

Escrita por Anthony Jaswinski, ‘Vanishing on the 7th Street’ nos presenta una ciudad cuya población se ha desvanecido inexplicablemente de la noche a la mañana; las únicas cuatro personas que quedan se refugian en una cafetería para poder defenderse de “algo” que les ataca en la oscuridad. El tráiler me ha gustado, debo reconocerlo; a pesar de recordarme a bastantes películas anteriores (la más obvia es ‘Soy leyenda’), y de contar con Christenten como protagonista principal, me apetece ver qué hace Anderson con esta trama, si es capaz de mantener la atención durante todo el metraje, o es sólo un cúmulo de sustos hasta el súper-sorprendente desenlace. Por el momento no hay fecha de estreno.

Gracias a Wopr por el aviso.

PD: Si os fijáis, en el avance aparece escrito en una pared ‘Croatan’, una inscripción con su propia historia, situada en Roanoke Island en 1597. Si os pica la curiosidad podéis leerla aquí.

Adam Sandler, Katie Holmes y Al Pacino en 'Jack and Jill'

Juan Luis Caviaro — Fri, 27 Aug 2010 23:30:54 GMT

Ya tenemos en el horizonte la nueva comedia de Dennis Dugan, responsable de cosas como ‘Os declaro marido y marido’ (‘I Now Pronounce You Chuck & Larry’), ‘Zohan: Licencia para peinar’ (‘You Don’t Mess with the Zohan’) o la reciente ‘Niños grandes’ (‘Grown Ups’). El realizador volverá a contar con su actor favorito, Adam Sandler, para una película que se va a titular ‘Jack and Jill’. Katie Holmes y Al Pacino (sí, el de ‘El padrino’ y ‘Heat’) son otros de los actores que acompañarán al taquillero cómico al frente del reparto.

Escrita por Steve Koren, Robert Smigel y Ben Zook, ‘Jack & Jill’ se centra en Jack, un tranquilo hombre de familia, que recibe la visita de su hermana gemela, Jill, para celebrar el día de Acción de Gracias; pero la mujer tiene problemas y se quedará en casa de su hermano más tiempo del que éste esperaba. Holmes será la mujer de Jack, Pacino se interpretará a sí mismo (os aseguro que no es una broma) y Sandler dará vida a los dos hermanos. Sí, amigos, se va a cumplir nuestro gran sueño de ver la versión femenina de Sandler… apenas puedo contener mi entusiasmo. El rodaje comenzará el próximo mes de octubre, y se debería estrenar a mediados de 2011. Voy a comprobar ahora mismo si puedo reservar ya las entradas.

PD: Holmes vuelve a ser actriz poco a poco. Está terminando el rodaje de la miniserie ‘The Kennedys’, donde interpreta a Jackie Kennedy, y tiene pendientes de estreno ‘Don´t Be Afraid of the Dark’, producida por Guillermo del Toro, y ‘The Romantics’, que os da igual.

Vía | TheHollywoodReporter