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'The Cold Light of Day' con Henry Cavill, Bruce Willis y Sigourney Weaver, tráiler

Juan Luis Caviaro — Tue, 31 Jan 2012 00:14:30 GMT

Como pasó con Sam Worthington, parece que vamos a ver a Henry Cavill hasta en la sopa. Buena noticia para sus fans, mala para los demás actores con un perfil similar. Aquí os dejo el tráiler de ‘The Cold Light of Day’, un thriller de acción con el nuevo Superman como protagonista (y lo de Superman lo digo por la película de Zack Snyder, no por ese plano que hay al final del vídeo), a quien acompañan en pantalla Bruce Willis, Sigourney Weaver, Verónica Echegui, Óscar Jaenada, Shira Scott Astrof, Caroline Goodall, Jim Piddock y Joseph Mawle, entre otros. Se estrena el 6 de abril, al menos en EE.UU.

La participación de Echegui y Jaenada (al que no he visto en el avance) se explica porque la historia de ‘The Cold Light of Day’ tiene lugar en España. Así es, ‘The Cold Light of Day’ nos contará la historia de un joven norteamericano que viene a nuestro país a pasar unas vacaciones con su familia; sin embargo, ésta es secuestrada (posiblemente por malvados toreros con sombrero mexicano y acento italiano) y el protagonista se ve envuelto en una conspiración gubernamental que tiene relación con un oscuro secreto de su padre. No creo que sea necesario ver el tráiler (y tampoco la película…) para saber qué ocurre a continuación. Disparos, persecuciones, golpes, caídas, intriga barata, un poco de romance… La fórmula habitual. El guion lo firman Scott Wiper y John Petro, y la puesta en escena ha sido responsabilidad de Mabrouk El Mechri, un nombre que permite cierta esperanza sobre la calidad de la película. Es el director de ‘JCVD’, que a algunos nos gustó, creo recordar.

PD: Espero que no nos hayan revelado la escena en la que muere Willis…

Sundance 2012 | Palmarés

Juan Luis Caviaro — Mon, 30 Jan 2012 15:12:53 GMT

Seguimos con información sobre premios cinematográficos. Aquí os traigo el palmarés de la 28ª edición del festival de Sundance, centrado como sabéis en el cine independiente (o eso dicen) y celebrado en Salt Lake City (Utah). La triunfadora de este año 2012 ha sido ‘Beasts of the Southern Wild’ del debutante Benh Zeitlin, que ha logrado el gran premio del jurado en el apartado de drama. La película, a la que pertenece la imagen de arriba, es una fábula sobre el fin del mundo protagonizada por una niña de seis años que vive con su padre. Fox Searchlight ha adquirido los derechos de distribución y la estrenará a lo largo de este año. Parece ser que gustó mucho y no se discute su victoria.

Prestigiosos realizadores como Spike Lee y Stephen Frears competían en Sundance con sus últimos largometrajes, ‘Red Hook Summer’ y ‘Lay the Favourite’, pero no recibieron premio alguno. Tampoco el español David Trueba, que presentó ‘Madrid, 1987’, protagonizada por José Sacristán y María Valverde. Otro español, Rodrigo Cortés, presentó su nuevo y esperado trabajo, ‘Luces rojas’, y aunque no aspiraba a ningún galardón, volvió a lograr comentarios muy positivos y una sana controversia (y distribución internacional). Objetivo cumplido en su caso. Cabe destacar que hubo suerte para dos largometrajes chilenos; ‘Violeta se fue a los cielos’ de Andrés Wood (coproducción española, nominada al Goya a la mejor película iberoamericana) y ‘Young & Wild’ de Marialy Rivas recibieron premios a la mejor película internacional y el mejor guion internacional, respectivamente. La primera narra la vida de la popular cantante Violeta Parra y la segunda gira en torno a una adolescente criada en el seno de una familia religiosa que es acusada de “fornicadora”.

Por lo demás, comentaros que el otro gran premio del jurado fue para el documental ‘The House I Live In’ de Eugene Jarecki (una reflexión sobre la batalla de Estados Unidos contra el narcotráfico) y que ‘The Surrogate’ de Ben Lewin, con John Hawkes, Helen Hunt y William H. Macy entre los protagonistas, se alzó con el premio especial del jurado al mejor reparto y uno de los galardones que entregó el público (la película trata sobre el escritor Mark O´Brien, que a los 36 años decide contratar a una “especialista” para tener sexo por primera vez). Podéis consultar el extenso palmarés en la web oficial del certamen.

PD: Se presentaron 117 largometrajes de 30 países diferentes; 45 de ellos dirigidos por debutantes (24 competían).

'Los descendientes', heredarás la tierra

Beatriz Maldivia — Mon, 30 Jan 2012 11:38:52 GMT

‘Los descendientes’ (‘The Descendants’, 2011), la quinta película de Alexander Payne, presenta, con inmediatez pasmosa el conflicto al que se enfrentan sus protagonistas: George Clooney interpreta a un marido cuya esposa sobrevive a duras penas en un hospital. Antes de darnos esta información –sirviéndose de una voz en off de la que, afortunadamente, el autor no abusará desde entonces–, el único instante que nos ha mostrado la película es un cerradísimo primer plano de esta mujer disfrutando del esquí acuático. No vemos el accidente ni el momento de comunicar la noticia al esposo: no son necesarios, la película no va por ahí. Con mucha calma y sin incluir ningún momento de intensidad dramática, lo que mostrará la cinta a partir de ahí es cómo esa fatalidad cambia las vidas del marido y de las dos hijas de esa señora, a la que conoceremos muy bien, pero siempre por referencias.

Si bien directores consagrados y admirados confían en que sus films transmitirán mejor los sentimientos al espectador remarcando el dramatismo de sus hechos y demostrando la injusticia de que les ocurran a buenas personas, afortunadamente hay otros que saben que no es echando mano de esas facilidades como se consigue conectar mejor con el público. El director de ‘Los descendientes’, que también es guionista, junto Nat Faxon, escoge una familia que no es ni mucho menos perfecta: ni la señora accidentada ni su marido han sido cónyuges ejemplares que merezcan seguir juntos durante décadas. Las hijas, interpretadas por Shailene Woodley y Amara Miller, son niñas modélicas cuya existencia inmaculada quedará rota por la desgracia. Tampoco estamos en el otro extremo de los adolescentes problemáticos e intratables. El punto intermedio y de tremenda normalidad –a pesar de la riqueza heredada y de algunas peculiaridades muy concretas– demuestra un gran acierto en la elección.

Payne se sitúa en un tono de tragicomedia y echa mano del el alivio cómico –claramente ubicado en el personaje de Sid, quien casi se convierte en un recurso facilón, pero buscado también en situaciones y momentos genéricos–, muy necesario para sacar adelante una tragedia como esta sin echarla a perder por culpa del dramatismo exacerbado. En lugar de impedir con el tono tragicómico que los espectadores compartamos el dolor, como algunos cineastas temerían, aumenta nuestra emoción llevándonos hasta una despedida mucho más efectiva que la que habría logrado un melodrama desvergonzado.

Sumidas en una aparente inmovilidad, se encuentran en ‘Los descendientes’ secuencias brillantes, cuya frecuencia va en aumento según avanza el metraje. Por ejemplo, aquella en la que el personaje de Judy Greer visita el hospital y también otra en la que el protagonista habla previamente con el marido de ella (Matthew Lillard). Y es que la información está muy bien dosificada porque, a medida que se van realizando revelaciones y las tramas van convergiendo, el interés del argumento aumenta, así como la fuerza de las escenas.

Una comedia hawaiana

Aunque suene a tópico decir que el lugar donde se sitúa una película es otro de sus protagonistas, las islas de Hawaii componen un personaje principal. No solo porque, como marca la novela de Kaui Hart Hemmings, una de las tramas que se demostrará no tan secundaria tiene a la tierra como elemento principal, sino también porque todo el aire de la película, cada una de sus decisiones estéticas, cada una de sus rarezas vienen de ahí. Payne opta por un feísmo que cualquiera puede distinguir como voluntario, ya que junto ese retrato anti-turístico se contemplan bellas imágenes, como los dos momentos submarinos. Algunos comportamientos de los personajes que se salen de lo esperable y que le dan la originalidad y suponen la mejor virtud de la propuesta, pueden estar motivados, asimismo, por la idiosincrasia de la zona. Gracias a eso, todos se salen del estereotipo en el que sería fácil haber caído, especialmente en personajes como el de Robert Forster. Cierto es que también responde a la misma elección una banda sonora que no me complace en absoluto, haciendo que los interludios bañados por música hawaiana se conviertan, en mi opinión, en los instantes menos favorecidos del film.

‘Los descendientes’ habla, al mismo tiempo, de la responsabilidad de heredar la tierra, algo que, si escribimos la palabra con mayúsculas, nos atañe a todos. Nadie ha trabajado por recibir el legado de este planeta, pero ahí lo tenemos, en usufructo, y de nosotros depende el uso que demos de él. Una familia de descendientes, tan diferentes, pero tan iguales entre sí, representa a una humanidad perdida y guiada por la ambición, que se plantea vender esta posesión a la que en realidad no tiene derecho, al mejor postor. El mensaje ecologista me parece que está introducido de forma suficientemente sutil para no darme en las narices, pero no por ello críptica en exceso como para quedar incomunicado.

‘A propósito de Schmidt’ (‘About Schmidt’, 2002) me gustó aún más que la que nos ocupa, ya que la peculiaridad que he encontrado aquí como mayor virtud estaba aún más presente en el film protagonizado por Jack Nicholson. No me había gustado, sin embargo, ‘Election’ (id, 1999) quizá porque en su momento no supe captar esas rarezas como lo que eran o porque no se correspondió con lo que me esperaba. No calificaría a ‘Los descendientes’ de obra maestra, ni de redonda o perfecta, ni de grandiosa, pero es una película con numerosas virtudes y un sinnúmero de decisiones acertadas, especialmente por como podrían haber resultado las opciones descartadas. Grandes interpretaciones de todo el elenco completan un drama en el que se ha sabido introducir de forma muy atinada el alivio cómico y que sin acongojar, llega hasta lo más hondo.

También en Blogdecine |

‘Los descendientes’, la primera gran película de 2012, de Mikel Zorrilla.

‘Los Descendientes’, una vida inesperada, de Pablo Muñoz.

Clint Eastwood: 'Ejecución inminente'

Alberto Abuín — Mon, 30 Jan 2012 05:13:19 GMT

Para compensar el fracaso en taquilla de la maja ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, Clint Eastwood, 1997), director y Warner decidieron hacer un film de género, esta vez protagonizado por la estrella, con vistas a atraer a un mayor número de público a las salas. El proyecto elegido fue la adaptación de una novela de Andrew Klavan que versaba sobre la condena a muerte de un inocente. Así pues Eastwood se sumaba a la moda de películas que denunciaban, cada uno a su modo, esa lacra tan grande en el sistema judicial estadounidense, que inundaban las carteleras de medio mundo en aquellos años. Desde las visiones personales de Tim Robbins, hasta James Foley o Bruce Beresford, con irregulares resultados los segundos, hasta llegar al mismo año del film que nos ocupa con la muy celebrada ‘La milla verde’ (‘The Green Mile’, Frank Darabont, 1999), el cine se hacía eco de algo que Eastwood trató con extrema sutileza pero con resultados contundentes.

Pero el referente cinematográfico más directo de ‘Ejecución inminente’ (‘True Crime’, 1999) está en un film de Henry Hathaway, ‘Yo creo en ti’ (‘Call Northside 777’, 1948), en la que un excelente James Stewart daba vida a un periodista que reabre un caso de asesinato convencido de la inocencia del reo. En la presente, Clint Eastwood da vida a Steve Everett, personaje hecho a su medida por cuanto estamos ante un outsider, siempre a contracorriente, mujeriego, solitario —con un matrimonio al borde del fracaso y una hija pequeña a la que descuida— y que sólo se fía de su olfato, el cual le ha metido anteriormente en problemas. Tras las cámaras demostró cuan inteligente puede ser, logrando que en un producto destinado a un público mayoritario éste se sintiese cuanto menos desconcertado, y todo por una secuencia final, duramente criticada, pero que ni mucho menos es lo que aparenta ser. Una vez más, Eastwood no deja que millones de consumidores de palomitas le digan lo que tiene que hacer, tal y como rezaba su inolvidable personaje en ‘Cazador blanco, corazón negro’ (‘White Hunter, Black Heart’, 1990).

El film da comienzo con la descripción del personaje central, Steve Everett, mujeriego empedernido que en un bar está ligando con una jovencita. Llama poderosamente la atención por el hecho de que Eastwood contaba ya 69 años, y quizá era demasiado mayor para dar vida a un don juan. Sin embargo resulta bastante creíble, ya que el actor juega con su propia imagen, todo un icono durante décadas. Actores como Cary Grant o Gary Cooper —éste por ejemplo en ‘Ariane’ (‘Love in the Afternoon’, Billy Wilder, 1957), film que caerá en el especial “El amor en 32 películas“— interpretaron a galanes cuando ya tenían una edad y nadie se quejó por ello. En cualquier caso es un detalle que no resta importancia al film, y no se repite, y además justifica el hecho de que Everett termine heredando una entrevista de la joven compañera de trabajo, la de un reo a muerte por cargo de asesinato, debido a que aquella muere en un accidente de coche.

La pena capital se llevará a cabo en 24 horas, y Everett tiene una intuición debido a que en la investigación que realiza encuentra ciertos aspectos no demasiado claros. Es precisamente ese tramo el que permite a Eastwood sacar el máximo provecho de un guión escrito a varias manos y comandado por Larry Gross, durante tiempo uno de los escritores de Walter Hill —próximo especial en estas páginas—; y en el que se describe sin miramientos el circo mediático que se forma alrededor de la ejecución. Todo ello con un cambio sustancial con respecto al libro y que fue idea del propio Eastwood, el condenado a muerte es negro, con lo que las connotaciones raciales son inevitables —algo que también quiso hacer en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993)—. Un cura empeñado en que éste, espléndido Isaiah Washington, se arrepienta de algo que no hizo —típico derechazo de Eastwood a la religión— y un testigo de dudosa credibilidad y ansioso por la fama, son enfrentados argumentalmente a los guardianes de la prisión, en cuyos rostros, sobre todo el del alcaide, se ven las dudas sobre la posible inocencia de Beechum (Washington). Con cuatro elementos Eastwood crea una tensión que recuerda a las de las películas clásicas de género, y una vez más pone sobre la mesa prejuicios morales de todo tipo. ¿Tendría el mismo final el sospechoso en caso de ser blanco, cometiéndose los mismos errores judiciales?

El ritmo del film es absolutamente endiablado, y cada dos por tres se nos dan detalles del tiempo que falta. Eastwood lleva hasta el límite el tempo y en un alarde de inteligencia juguetea con el mismo hasta sus últimas consecuencias. No sólo en el instante en el que le notifica a su jefe —maravilloso James Woods, en un personaje caramelo que posee los mejores diálogos del film, añadiendo una comicidad a la historia que recuerda a Howard Hawks y que en ningún momento resulta forzada a pesar de la seriedad de la trama— sus creencias sobre la inocencia de Beechum, y que en cierto modo representa una posible última cruzada para redimirse de sus errores del pasado. También en el angustioso tramo final, y que concluye con un impactante plano a ralenti de la mujer del acusado golpeando el cristal tras el cual su marido, inocente, muere a manos de la justicia. El verdadero final de la historia, al que prosigue un epílogo de corte fantasioso, irreal y cargado de ironía.

La ambigüedad más sutil baña todo ese epílogo. El tiempo ha pasado —es la primera elipsis larga del film—, es Navidad, y todo posee una iluminación brillante, totalmente opuesta al resto del film. Everett parece recuperado de sus fantasmas, tiene éxito como escritor, y a la salida de una tienda además de encontrarse con un vagabundo que representa a Santa Claus —anteriormente había sido negado—, Everett distingue a lo lejos a Beechum con su familia de compras, ambos se miran y parecen despedirse. Nadie más participa de dicho saludo, ni siquiera la mujer de Beechum, que debería estar eternamente agradecida al periodista de haber salvado al hombre que ama. La composición del plano, el más extraño de todo el film, con los personajes en los extremos más la extrema limpieza de la imagen hacen pensar en que ésta no es real, y revela a un Eastwood con muy mala leche, evocando de forma perversa al mismísimo Frank Capra. Sin duda uno de los finales más atrevidos de la filmografía de su director, quien siguiendo la tónica de su anterior film, con el que guarda más que numerosos parecidos, la verdad está en el ojo de quien la mira.

Anécdotas

‘Ejecución inminente’ está en cierto modo emparejada con el anterior trabajo como director de Eastwood, no sólo por ese jugueteo final con la irrealidad, sino por las coincidencias en el esqueleto de su trama. Un periodista que termina escribiendo un libro sobre un asesinato, y que de alguna manera sirve para destapar las miserias humanas. Tal y como comenta Carlos Aguilar en su libro sobre el cineasta —Clint Eastwood, Cátedra, 2009— también se puede relacionar con Samuel Fuller y su maravillosa ‘Corredor sin retorno’ (‘Shock Corridor’, 1963), estableciéndose un vínculo nada descabellado con el clásico director en cuanto a cierta sobriedad estético-narrativa.

Por otro lado, antes del rodaje del film, Eastwood fue tentado, como en otras ocasiones, por el maestro John Carpenter para que protagonizase su magnífica ‘Vampiros’ (‘Vampires’, 1998), que como todos sabemos terminó protagonizando James Woods, quien realiza una excelente interpretación en el presente film. Años después, en la laureada ‘Mystic River’ (id, 2003) podemos comprobar en cierta escena como el personaje al que da vida Tim Robbins visiona en la televisión precisamente ‘Vampiros’. ¿Casualidad? No.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

‘El cadillac rosa’

‘Cazador blanco, corazón negro’

‘El principiante’

‘Sin perdón’

‘En la línea de fuego’

‘Un mundo perfecto’

‘Los puentes de Madison’

‘Poder absoluto’

‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’

'Criadas y señoras' es la gran vencedora de los premios del sindicato de actores

Mikel Zorrilla — Mon, 30 Jan 2012 03:30:19 GMT

Poco a poco van desvelándose los ganadores de todos los premios que sirven de antesala para los próximos Oscar (cuyas nominaciones podéis ver aquí). En esta ocasión le ha tocado el turno al sindicato de actores de elegir las mejores actuaciones y reparto del año, es decir, cinco premios en total en la categoría de cine. Y tres de esos cinco premios han ido a parar a ‘Criadas y señoras’ (‘The help’), siendo el más llamativo el que ha ganado Viola Davis como mejor actriz principal, ya que no son pocos los que esperan que Meryl Streep consiga llevarse su tercer Oscar este año, aunque parece que lo va a tener más difícil de lo esperado. La cinta dirigida por Tate Taylor ha conseguido alzarse también con los premios a mejor actriz secundaria, que ha recaído en Octavia Spencer, y mejor reparto, reconociendo así la labor en su conjunto de Jessica Chastain, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Allison Janney, Chris Lowell, Ahna O’Reilly, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Mary Steenburgen, Emma Stone, Cicely Tyson y Mike Vogel.

Los premios de actuación masculina han ido a manos de Christopher Plummer como mejor actor secundario por ‘Beginners (Principantes)’ y Jean Dujardin como mejor actor protagonista por ‘The Artist’. Plummer está arrasando y sería una enorme sorpresa que no acabase llevándose el Oscar para casa, mientras que la victoria de Dujardin refuerza un poco el favoritismo de ‘The Artist’, algo a lo que también ayudó el hecho de haber sido elegida recientemente la película mejor dirigida de 2011 por el gremio de directores. Sin embargo se da la curiosidad de que dos películas cuentan con más nominaciones a los Cesar franceses, país de origen de la cinta dirigida por Michel Hazanavicius. Y es que sería muy curioso que ‘The Artist’ ganase el Oscar, pero no triunfase en su Francia natal, ¿verdad?

PD: ‘Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2’ se ha llevado un SAG de honor por la labor del equipo de especialistas, mientras que el premio de honor a toda una carrera fue a manos de Mary Tyler Moore.

Vía | SAG

'A Very Harold & Kumar 3D Christmas', el problema de las películas navideñas

Beatriz Maldivia — Sun, 29 Jan 2012 17:01:59 GMT

La época cercana al cambio de año parece que ablanda los cerebros hasta el punto de que todo lo que se dirige al gran público tiene que ofrecer la posibilidad de emocionarse o de aprender una lección, pero jamás de pensar. Si las película suelen estar cortadas por un mismo patrón, no digamos ya en las que se estrenan en los días circundantes al supuesto nacimiento de nuestro señor. Así, se podría agrupar el cine navideño dentro de una especie de género que, sin serlo, unifica las propuestas de distintas pretensiones con una serie de características de las que no pueden escapar ni las cintas más gamberras. Apostaría a que los propios creadores de estos productos saben de sobra que sus films, cargados de ñoñerías y tópicos, no se tragarían en otro momento del año. Sin embargo, la distribución y la programación televisiva EE. UU. se toman tan en serio estos temas que los autores pueden confiar en que estas cintas solo se proyecten o emitan en fechas en las que los exacerbados sentimientos “buenistas” del público no solo lo perdonarán todo, sino que esperarán encontrarse exactamente eso y no aceptarán otra cosa. El problema para nosotros no es únicamente que las películas navideñas puedan llegarnos en abril o en agosto, sino también que hay un determinado tono que no aceptaríamos ni el 24 de diciembre.

Cuando la tercera entrega de ‘Dos colgaos muy fumaos’, ‘A Very Harold & Kumar 3D Christmas’ (2011), de Todd Strauss-Schulson, decide convertirse en un film navideño, parece que ni con los presupuestos de dos descerebrados cuyo único objetivo es colocarse se pueden saltar estas componendas. La infantilización no pasa por eliminar todo lo que no deba estar en un film tolerado, pues encontramos desnudos de ambos sexos, mofas hacia la religión y hacia las propias instituciones navideñas, como Santa Claus, palabras malsonantes, niñas cocainómanas y cierta incorrección política. Pero el trasfondo y el mensaje sí se adaptan a la necesidad de albergar buenos sentimientos y de formular propósitos positivos que la hagan funcionar como producto explotable desde mediados de diciembre.

Por otra parte, da la impresión de que con incluir la Navidad ya está todo hecho, es decir: que los autores concluyeron que, una vez establecido que la película contiene estos elementos, ya no hace falta idear una historia. El guion en el que han repetido los guionistas originales, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, queda así reducido a la mínima expresión. Muchas personas que no hayan apreciado las dos películas anteriores se sorprenderán de este comentario, pues tendrían claro que antemano que esta tercera entrega sería una tontería y no entenderán que alguien pudiese esperar de ella algo más. Pero yo parto de que encontré que las cintas previas, si no probablemente buenos films, sí cargados de una capacidad hipnótica única. Además, el tráiler prometía algo de humor faltón y paródico, pero, como tantas otras veces, todo lo bueno estaba resumido en el avance publicitario.

Basadas en anécdotas mínimas, el interés de ‘Dos colgaos muy fumaos’ (‘Harold & Kumar Go to White Castle’, 2004) y ‘Dos colgaos muy fumaos: fuga de Guantánamo’ (Harold & Kumar Escape from Guantanamo Bay, 2008) radicaba en todos los obstáculos que iban asaltando a los protagonistas en su camino, algunos de ellos gloriosos de puro absurdos. La excusa del viaje tras un pino navideño es escasa, pero eso es lo de menos, ya que no hay nada más banal que recorrer medio país para deglutir una marca concreta de mini-hamburguesas. La diferencia es que en esta ocasión ni se buscan el despropósito o la desmesura, sino que las interrupciones responden a fórmulas manidas y previsibles, además de fáciles de sortear. Los episodios intermedios son los que no están a la altura de la desesperación que causaban los de las anteriores. Ni siquiera cuando interviene el glorioso NPH o Neil Patrick Harris, pues aunque su escena con Jesús sea lo mejor del film, esta ya se puede ver de principio a fin en el trailer. Danny Trejo aporta un punto cachondo al principio, pero una vez su personaje se asimila en la historia, pasa a ser otro de los clichés y esta vez incluso con cierta xenofobia.

Insisto en el tema navideño porque me pareció percibir en todos los participantes una cierta desgana a la hora de realizar la película, como quien ejecuta un encargo. Los protagonistas, John Cho y Kal Penn, que eran quienes aportaban la chispa y la originalidad en las primeras partes, aquí están más sosos que nunca y su transición hacia la madurez les impide desmadrarse como cabría esperar de una tercera aventura de Harold y Kumar. Los personajes secundarios introducidos como remplazo, interpretados por Thomas Lennon y Amir Blumenfeld (ambos en la imagen anterior), tampoco alcanzan ninguna hilaridad que hayan dejado escapar los otros dos.

Al no haberse estrenado en cines, al menos de momento –y no me extrañaría que no llegase nunca a las carteleras, dada su calidad, a pesar de que las dos primeras sí tuvieron lanzamiento cinematográfico– se pierde la posibilidad de ver el 3D, que es el elemento con el que más se ejerce la parodia metalingüística. Como también aparece en el anuncio, Harold se mofa de esta moda de las tres dimensiones, diciendo que ya ha perdido el interés. Los objetos que se dirigen a la cámara, claramente se lanzan a propósito para demostrar la ridiculez de estas cintas que basan su sorpresa en acercar mucho los efectos a la butaca del espectador. Además de este detalle apreciable, en la película hay alguna otra frase de diálogo buena –“¿quién se iba a creer que trabajo de asesor en la Casa Blanca?“– y algún momento suelto salvable.

La conclusión es que esta tercera parte no está, ni mucho menos, al nivel de las dos primeras, quizá porque se ha producido con desgana, deprisa y corriendo. O a lo mejor porque los personajes han llegado a una fase en sus vidas en la que no encajan los estragos que solían producir y necesitan un relevo generacional que se pueda permitir desfasar sin pensar en sus parejas o futuros retoños. Es posible que haya una cuarta no navideña que vuelva a la locura de las anteriores, pero quizá ya esto no sea salvable y se convierta en una franquicia inacabable que se produzca ya para una explotación directa en DVD. Espero que no.

'The Artist' es la película mejor dirigida de 2011 según el gremio de directores de Hollywood

Juan Luis Caviaro — Sun, 29 Jan 2012 13:18:50 GMT

Otro triunfo para ‘The Artist’, esa hermosa declaración de amor al séptimo arte que, de pronto, con tanto reconocimiento y la presencia de los Weinstein bajo los focos, se está ganando todo tipo de ataques desafortunados (invito a sus oportunistas detractores a leer las reacciones que provocó el film en el prestigioso festival de Cannes el pasado mes de mayo). La noticia hoy es que el gremio de directores de Estados Unidos (el DGA) ha premiado al cineasta francés Michel Hazanavicius por su trabajo en ‘The Artist’. Le tenéis en la imagen de arriba junto a Tom Hooper, ganador el año pasado por ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’). También se llegó un galardón James Marsh por la realización del documental ‘Project Nim’, que curiosamente no aspira al Oscar (al igual que el premiado por los productores de Hollywood).

Los otros candidatos que aspiraban al premio a la mejor dirección de cine en 2011 eran Martin Scorsese por ‘La invención de Hugo’ (‘Hugo’), Woody Allen por ‘Midnight in Paris’, Alexander Payne por ‘Los descendientes’ (‘The Descendants’) y David Fincher por ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘The Girl With the Dragon Tattoo’). Para los Oscar 2012 están nominados Hazanavicius, Scorsese, Allen, Payne y Terrence Malick en lugar de Fincher. En los últimos ocho años, el director premiado por el DGA se llevó el Oscar. Y solo en seis ocasiones desde que el gremio elige al mejor realizador del año (esto es, desde 1948) no se ha producido esta coincidencia. El 26 de febrero sabremos si hay que apuntar otra excepción. Scorsese (ganador del Globo de Oro) parece el mejor situado para derrotar a Hazanavicius pero no hay que descartar a Payne. ¿Qué os parece, habrá sorpresa?

PD: Anthony Harvey (‘El león en invierno’), Francis Ford Coppola (‘El padrino’), Steven Spielberg (‘El color púrpura’), Ron Howard (‘Apollo 13’), Ang Lee (‘Tigre y dragón’) y Rob Marshall (‘Chicago’) fueron premiados por el DGA pero no ganaron el Oscar. Carol Reed (‘Oliver!’), Bob Fosse (‘Cabaret’), Sydney Pollack (‘Memorias de África’), Mel Gibson (‘Braveheart’), Steven Soderbergh (‘Traffic’) y Roman Polanski (‘El pianista’) se los arrebataron.

Vía | DGA

'Casablanca' celebra su 70 aniversario con una edición especial en Blu-ray

Jesús León — Sat, 28 Jan 2012 18:58:00 GMT

El próximo mes de marzo (el día 27 para ser exactos) Warner Home Entertainmet lanza una edición especial de un clásico de todos los tiempos como es la inmortal ‘Casablanca’. El motivo está justificado, ya que el film de Michael Curtiz cumple su 70º aniversario, así que la mejor manera de que han decidido de conmemorarlo es con esta edición especial, limitada por cierto.. En Blu-ray. Alta definición. Que no sabremos como le sentará al tradicional blanco y negro del film, pero ha sido restaurada para esta ocasión, aunque lucirá aún mejor.

Aunque es lo de menos, ya que lo importante es que podremos disfrutar de esta venerada historia que viene acompañada de contenido extra del que merece la pena el desembolso. Serán tres discos con material que no ha estado disponible en anteriores ediciones de coleccionistas de ‘Casablanca’.

Cuenta con comentarios de audio, ocho documentales, escenas eliminadas, tomas falsas… y además, en la caja encontraremos una reproducción completa del cartel original de 1942, un libreto de 60 páginas con fotos nunca vistas, notas personales y documentos sobre el archivo de la producción y cuatro posavasos coleccionables.

Su precio será de 64,99 dólares (actualmente unos 49 euros), aunque ya veremos al precio que nos llega. Eso sí, para los que guste de adelantarse, tienen la posibilidad de una considerable rebaja con la reserva en el paraíso de Amazon.

Vía | The Blu-ray Blog
En Blogdecine | ‘Bond 50’: cinco décadas de películas de James Bond en Blu-ray

James Wan ya tiene a los protagonistas de su nueva película de terror

Juan Luis Caviaro — Sat, 28 Jan 2012 18:05:11 GMT

James Wan tiene entre manos su próxima película, después de triunfar en taquilla con la barata (y absurda) ‘Insidious’. El director nacido en Malasia, conocido por haber dirigido la primera entrega de ‘Saw’, quiere llevar a la gran pantalla una historia de terror sobrenatural escrita por Chad y Carey Hayes titulada provisionalmente ‘The Conjuring’ (así se llamaba cuando arrancó el proyecto en 2009 pero no será el título definitivo de la película), y ya cuenta con los cuatro actores que interpretarán los papeles principales. Vera Farmiga, Patrick Wilson (quien ya trabajó con Wan en ‘Insidious’), Ron Livingston y Lili Taylor protagonizarán una película de New Line Cinema que comenzaría a rodarse en marzo, con vistas a un estreno a finales de año.

El guion de los hermanos Hayes (‘La casa de cera’, ‘Whiteout’) se centra en un matrimonio que se dedica al estudio de casos paranormales. Los investigadores se enfrentarán al caso más aterrador de su carrera cuando se desplacen a una granja de Rhode Island donde una familia asegura vivir rodeada de fantasmas. Wilson y Farmiga encarnarán a los expertos mientras que Livingston y Taylor darán vida a los propietarios de la supuesta casa encantada. Como viene siendo habitual en el cine de terror de bajo presupuesto, se dice que el guion está basado en una historia real ocurrida en los años 70 (y ya narrada en el libro ‘House of Darkness, House of Light: The True Story’ de Andrea Perron). Con este dato los responsables esperan que el público sienta mayor inquietud y el trabajo de Wan sea más sencillo. Yo la vería por el reparto, pero si el objetivo es hacer otra ‘Paranormal Activity’ con un título diferente, que no cuenten conmigo. ¿A vosotros os entusiasman estos productos?

PD: ‘Insidious’ costó 15 1,5 millones de dólares y recaudó casi 100 en todo el mundo.

Vía | HollywoodReporter

Los tres suburbios de Fredrick Elmes

Pablo Muñoz — Sat, 28 Jan 2012 08:26:19 GMT

Ve el video en el sitio original.

En los años 80, Fredrick Elmes trabajó como operador para dos películas fundamentales para entender el suburbio norteamericano: ‘Terciopelo Azul’ (Blue Velvet, 1986) e ‘Instinto Sádico’ (River’s Edge). Dos películas profundamente diferentes, rodadas el mismo año, casi juntas y con tonos absolutamente opuestos. La primera es un misterio, todavía validado por aquella definición que le diera José Luis Guarner, “Un Buñuel de supermercado”, mientras que la segunda, injustamente caída en el olvido, es una magnífica sátira social sostenida por el trabajo de Elmes, rarísimo y un guión sorprendente, imprevisible.

El primer suburbio que citaremos es el de David Lynch. Espacios definidos por el color, la luz, espacios si se quiere deliberados en su distinción cromática, espacios evocadores de miles de postales de los años cincuenta, espacios, en fin, hechos de especies distintas. Para cuando ha aparecido Dennis Hopper, Elmes opera tensando los límites del formato panorámico, algo que gusta mucho a su cineasta.

No ha dejado de ser la obertura de esa película su escena fundamental: la melodía alegre y feliz opuesta a la tensión microscópica de una hormiga en una oreja, también la tensión de un momento de felicidad rota por lo horrible. Lynch era entonces un cineasta menos interesante, pero igualmente sugestivo, cargado de sentido.

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La película de Tim Hunter, escrita por Neil Jimenez, contó con Keanu Reeves, Crispin Glover y una joven Ione Skye como protagonistas. No hay en ella mayor logro que el trabajo sostenido de Elmes: los espacios de las afueras, donde se mueven sus delictivos protagonistas, los límites entre el suburbio y la ciudad, sus tensiones. Es el trabajo de cámara de Elmes el que eleva la labor de Hunter y el que convierte la mayor parte de su sátira en eficaz pero bañada de una extrañeza inusual.

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El último suburbio fue pasados los 80, en clave retrospectivo. Ang Lee dirigió, basada en la novela de Rick Moody, ‘La tormenta de hielo’ (The Ice Storm, 1997), una historia familiar en clave nuclear ambientada en un lugar muy concreto: el norte, Connectictut, y sus suburbios La película transcurre en los 70 y la elección de Elmes no podía parecer más adecuada puesto que Lee, un cineasta que frecuenta lo íntimo pero sin abrazar enteramente algo que pudiera considerarse una voluntad de estilo, parece un exacto término medio entre las posiciones de Lynch y los hallazgos inesperados de la película de Hunter: un relato que requiere de las habilidades de Elmes para tratar zonas frías, apartadas, crear espacios deliberadamente apartados. Ayuda mucho el libreto de Schamus, capaz de adaptar la fuente original de Moody con exquisitez.

Los tres suburbios de Elmes son tres lugares inhóspitos para cualquier cinéfilo. Estados Unidos es, muchas veces, un relato familiar sobre las raíces y sobre el significado del suburbio, pronto convertido en fuente inalterable de sueños rotos y extrañeza vital.

'Bajo amenaza', bajo mínimos

Alberto Abuín — Sat, 28 Jan 2012 03:13:51 GMT

‘Bajo amenaza’ (‘Trespass’, Joel Schumacher, 2010) es toda una experiencia. Evidentemente no lo digo porque su visionado sea algo para recordar, sino todo lo contrario. Sí, hay películas peores, mucho peores, pero en el caso que nos ocupa la decepción se multiplica por tres, o cuatro, o cinco… Reúne a tres artistas, ejem, que sin duda han vivido tiempos pasados mucho mejores. Hablamos de un director que sin llegar a ser grande, puede que ni bueno, sí llegó a tener cierto estilo y alguna que otra excepcional —‘Un día de furia’ (‘Falling Dawn’, 1993) no sólo me parece una obra maestra, sino que creo no ha perdido ni un ápice de su fuerza a día de hoy—; y hablamos también de dos intérpretes que tienen en su haber sendos Oscars, por increíble que parezca.

No puedo estar más de acuerdo con uno de nuestros fieles lectores, el misterioso eluyeni, quien en el post de estrenos dejó su impresión de la película afirmando que era una completa pérdida de tiempo. Y así es. Una pena viendo el material que había entre manos, que sin ser el colmo de la originalidad —recordemos que todas las historias ya han sido contadas, pese a quien pese—, sí que bastaba para hacer algo mínimamente decente, sin necesidad de caer en golpes de efecto varios, o tomar al espectador por tonto, craso error en el que suelen caer films de similares características. Y es que no hay nada peor que sentirnos estafados en un film que se presupone sólo quiere entretener, uno de los principales objetivos del Cine.

Un matrimonio adinerado y con una hija rebelde, cómo no, recibe un día la inesperada visita de un grupo de atracadores que los secuestran en su propia casa —una espectacular casa diseñada por la mujer, de esas que sólo se ven en las películas o en algunas zonas de Los Ángeles—, obligando al marido a abrir una caja fuerte donde se supone están unas joyas muy valiosas. Punto de partida más que suficiente para que Schumacher pudiese demostrar como antaño —el mencionado film con Michael Douglas o la excelente ‘Última llamada’ (‘Phone Booth’, 2002)— su más que correcto dominio de los espacios cerrados y cierta mano para la tensión. Pero Schumacher, que también es un director que ha firmado films lamentables —aquí la lista puede ser interminable, pero nos basta citar las penosas ‘Batman & Robin’ (id, 1997) y ‘El número 23’ (‘The Number 23’, 2007)—, se nota cansado, y si acaso parece dominar cierto ritmo interno en algunas secuencias, se le va completamente la mano.

Nicolas Cage, que creo nunca ha sido un buen actor, ni siquiera en su más que inmerecido Oscar —cada vez que comparo su interpretación con las de Jack Lemmon o Ray Milland en ‘Días de vino y rosas’ (‘Days of Wine and Roses’, Blake Edwards, 1962) y ‘Días sin huella’ (‘The Lost Weekend’, Billy Wilder, 1945), respectivamente, me da la risa—, está aquí más controlado que de costumbre, aunque en un par de momentos no puede evitar el numerito histriónico. Su personaje de hombre atormentado por las deudas y por no perder lo que más ama, su familia, es de lo más plano y superficial. A su lado una Nicole Kidman que iba para gran actriz —aquí sí lo demuestra su Oscar o su trabajo para Kubrick, entre otras—, pero que tanto botox está convirtiendo en una muñeca de porcelana de lo más grimosa, afectando preocupantemente a sus personajes. La mujer insatisfecha, pero decidida, a la que aquí da vida no pasa de ser un mero adorno visual en algunos de los preciosistas encuadres de su director, que gusta tanto de los filtros, olvidándose de lo que es crear una atmósfera.

Los posibles aciertos de guión, obra del debutante en pantalla grande Karl Gajdusek, son totalmente desaprovechados en pos del efectismo más barato. Por citar dos ejemplos, cierto poste en la carretera que servirá como punto de inflexión en el relato, o la curiosa forma de narrar ciertos aspectos de la historia a modo de flashbacks. El primero justificará únicamente la presencia de un personaje totalmente inútil, el que interpreta Jordana Spiro, para sacarlo de la narración en un abrir y cerrar de ojos. El segundo es literalmente insoportable, ilógico e incoherente, pues parece que estemos presenciando otra película que narra una extrañísima obsesión amorosa, amén de desaprovechar por completo el hecho de que los distintos puntos de vista pueden cambiar por completo el sentido de las cosas. Un personaje con trauma y necesitado de medicación se revela entre los asaltantes, y ahí el film parece jugar en otra liga, no mejor, sino bastante peor.

Y he aquí otros de los fallos del film. El grupo de asaltantes debería producir temor, y sin embargo lo que producen es pena, por no decir risa. Dejando a un lado que para ese tipo de trabajo no se lleva a alguien con tendencia a los brotes psicóticos, la cantidad de torpezas que cometen son innumerables, y uno nunca termina de tomarlos en serio por mucho que amenacen las vidas de los protagonistas. Esto es Hollywood, la sección más blanda del mismo, y nadie tiene el valor de dotar al film de la crudeza que pide a gritos todo el metraje. A cambio tenemos el conservadurismo más repugnante con el mensaje más simplista de todos. La familia unida jamás será vencida, los hijos vuelven al redil huyendo de fiestas donde las drogas abundan, y el matrimonio a punto de resquebrajarse puede salvarse gracias a que la infidelidad es una ilusión hábilmente diseñada para confundir al que no tiene fe en tan sacros valores.

'Los Descendientes', una vida inesperada

Pablo Muñoz — Sat, 28 Jan 2012 00:19:26 GMT

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Alexander Payne ha dirigido ‘A propósito de Schmidt’ (About Schmidt, 2002), una pequeña y gloriosa sátira en la que la paternidad se descubre fracaso y condena perenne, vacío que constatar a través de un viaje, y también ‘Election’ (id, 1999) donde descubría unas asombrosas y siniestras simetrías entre la ambición trepa de una adolescente y las de un profesor que creía en las causas perdidas como única posibilidad de salvación.Eran ambas películas inesperadas, llenas de un humor profundamente incómodo, marcadas por una dirección de actores sublime y un guión de hierro, basado siempre en poner a sus personajes en lugares ambiguos, exasperantes, pero nunca caricaturescos.

En su regreso a la gran pantalla, ‘Los Descendendientes’ (The Descendientes, 2011) ha filmado su mejor película, una obra de una rotundidad y sofisticación admirable, con una complejidad inmensa y seguramente la vindicación más secreta e insólita que he visto jamás del melodrama en el Hollywood reciente. De la misma generación que Noah Baumbach o Wes Anderson, y seguramente contemporáneo de Jason Reitman, este Alexander Payne se ha desvelado como el maestro de todos ellos, el único capaz de hacer de su estilo una garantía: de equilibrio, de evitar todo tipo de condescendencia hacia sus personajes.

Matt King (George Clooney) se ve sobrevenido no ya por el accidente de su esposa sino por su futura condición de viudo. Forzado a ejercer de padre de sus dos hijas, descubrirá los secretos tras su matrimonio, ya convenientemente destruido, y también emprenderá un singular viaje para encontrar al amante de su esposa. Presionado por sus familiares para vender unos terrenos que han heredado de una larga dinastía hawaiana y sorprendido por el carácter conflictivo de sus dos pequeñas, King intentará tomar una decisión adecuada en un entorno decididamente hostil.

Alexander Payne no goza fama de estilista porque su estilo no requiere mayores brillanteces, aunque componga de una manera singular, optando por primeros planos o dejando respirar a las figuras. Su cine está lleno de estilo, pequeños estallidos visuales, y aquí cobra un protagonismo pequeño pero constante. No obstante, será ignorado por aquello de que no resulta obvio, aunque se trata de un director de una agudeza tremenda. Baste, por ejemplo, la escena en la que la hija mayor llora la muerte de su madre, bajo el agua, buceando: el dolor queda en un plano submarino, de belleza insólita, una catarsis muda para una escena rotunda, intensa.

Es cierto que Payne es, básicamente, un escritor magnífico. Nadie compone a personajes mejores. Haciendo dialogar a Matt con Sid, el idiota, adolescente y profundamente desnortado novio de su hija, o con el padre su esposa, Payne alcanza cotas de sutileza magnífica. Primero, fuerza al espectador a compartir las antipatías de su personaje. Luego deja crecer el alma, con un golpe maestro, al personaje que juzgábamos idiota o inútil, moralmente reprobable o simplemente bobo o inconsciente. Hace falta una delicadeza magnífica para llegar a esos lugares y este cineasta la posee, pero además esquiva todo sentimentalismo, cuando King/Clooney se despiden a su esposa basta un diálogo escueto para que comprendamos todo lo que ha sucedido en él y todas sus emociones: Hollywood es, con frecuencia anodina, una fábrica de histriones, y Payne parece recrearse en lo mundano con un oído magnífico.

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El tema de esta película es el legado, el lugar y las raíces, la posibilidad de alcanzar un sitio en el que crecer. Una de sus subtramas, referente a la herencia de unos acres y que compone el título del film, hace referencia a eso, igual que un plano inspirado en el que la disfuncional família contempla el terreno y descubre las montañas. O el plano final, en el que un momento de descanso, tedioso y aparentemente irrelevante confirma la única posibilidad de supervivencia en las ruinas emocionales de una família llena de dolor y desesperación. Payne no se rinde ante lo obvio, suya es la virtud de la delicadeza, suyo es un cine hecho de valentía, de grandes guiones, de una insólita y compleja belleza. Tanto Clooney como Shailene Woodley deberían recibir los premios de la Academia y también Payne: esta película hace gala de unas actuaciones brillantísimas y a mi compi Mikel le chifló también.

'Blancanieves (Mirror Mirror)', tráiler definitivo de la nueva película de Tarsem

Juan Luis Caviaro — Fri, 27 Jan 2012 19:19:33 GMT

Ya tenemos aquí el tráiler definitivo de ‘Blancanieves (Mirror Mirror)’, la nueva película del director Tarsem Singh. Es un avance muy similar al primero que vimos y deja las mismas sensaciones, está bastante claro lo que nos proponen, una comedia de aventuras para toda la familia. O lo que es lo mismo, un producto infantil. Nada que objetar si al menos resulta entretenida para los adultos, cosa que debería conseguir tanto por la puesta en escena del realizador como por los actores, que a tenor de las imágenes parece que se lo han pasado muy bien rodando la película. Relativity Media ha retrasado el estreno en Estados Unidos al 30 de marzo, pero en principio esto no afecta a España, donde podremos verla una semana antes, a partir del día 23. La otra versión de Blancanieves, con Kristen Stewart y Charlize Theron, se estrena el 1 de junio.

‘Blancanieves (Mirror, mirror)’ cuenta con un guion de Melissa Wallack y Jason Keller, y está protagonizada por Julia Roberts, Lily Collins (que recientemente ha rechazado el papel protagonista del remake de ‘Evil Dead’), Armie Hammer, Sean Bean, Nathan Lane, Mare Winningham y Michael Lerner, entre otros. La historia, basada en el popular cuento de hadas de los hermanos Grimm, presenta a una malvada mujer obsesionada con ser la más bella del reino, que cuando se hace con el poder, intenta acabar con la legítima heredera, Blancanieves; con la ayuda de siete habilidosos y bajitos rebeldes, la princesa intentará recuperar el trono que le pertenece. Alan Menken firma la música original y Brendan Galvin se ocupa de la fotografía. Con Tarsem (‘La celda’, ‘The Fall’, ‘Immortals’) tras las cámaras, no me la pierdo. Espero salir vivo.

PD: A los tarsemófilos les dejo también un “sneak peak”, otro adelanto de la película:

'J. Edgar', derechazo a los prejuicios

Mikel Zorrilla — Fri, 27 Jan 2012 14:29:33 GMT

Corre la voz entre los cinéfilos de que ‘J. Edgar’ puede ser un traspiés en la carrera de Clint Eastwood, y no podemos culparles, ya que la crítica americana la ha recibido con una frialdad considerable, siendo además completamente ignorada en las recientes nominaciones a los Oscar. Soy consciente de que hay no pocos amantes del cine que lo consideran poco menos que un Dios, como por ejemplo mi compañero Alberto, el cual está demostrando su alta estima hacia el director de ‘Un mundo perfecto’ (en mi opinión su mejor película) en el especial que le está dedicando en Blogdecine. Seguro que ni el propio Eastwood esperaba alcanzar el nivel que ha logrado cuando decidió dar el salto a la dirección con la estimable ‘Escalofrío en la noche’

He de reconocer que yo no soy un adorador de la religión de Clint Eastwood, ya que tiene unas cuantas películas que me encantan, pero también varias que catalogo entre lo regular (‘Banderas de nuestros padres’ o la aún reciente ‘Más allá de la vida’) y lo malo (‘Deuda de sangre’ o ‘Ejecución inminente’). Imagino que algunos de vosotros ya estaréis buscando piedras bien grandes y de canto afilado para lapidarme por soltar semejante blasfemia, pero lo que busco afirmando esto no es causar una polémica gratuita, sino dejar claro de entrada que no soy un fanboy suyo, sino alguien que no tiene problemas en atacar sus películas si creo que la ha pifiado ¿Estamos ante un caso así con ‘J. Edgar’, su nueva película que llega hoy 27 de enero a los cines españoles?

Lo cierto es que no soy muy amigo de los biopics, en especial cuando apestan a estar hechos con la intención de rascar algo en los Oscar, ya que por todos es sabido la debilidad que tienen a premiar al menos a los intérpretes que sufren una metamorfosis para acercarse al personaje real. Y no voy a negar que hasta cierto punto ‘J. Edgar’ transmite esa sensación, pero lo que no hace es caer en muchos de los errores habituales de estas producciones. Voy a tomar como ejemplo ‘La dama de hierro’, de la cual ya os comenté a principios de este mes el multitud de pegas que la le encontraba, las cuales pueden resumirse en que lo único realmente cuidado era el apartado interpretativo, y limitándolo en exclusiva a los protagonistas. Ese es el gran mal de muchos biopics, los cuales confían en que un actuación superlativa salve los muebles de una película que en el resto roza la mediocridad. Ya puedo confirmaros que eso no sucede en ‘J. Edgar’.

El primer gran acierto de ‘J. Edgar’ es evitar caer en querer pasar por todos los momentos históricos en la vida del protagonista, ya que centra su interés en un único caso de toda su carrera profesional (el secuestro del hijo de Charles Lindbergh) para explicar el ascenso meteórico de la influencia de Hoover. El guionista Dustin Lance Black no quiere hacer un repaso ligero sobre varias etapas de la historia americana, sino centrarse en la persona de J. Edgar Hoover. Valga por ejemplo el caso de John Dillinger, el cual sirvió recientemente para que Michael Mann rodase la apreciable ‘Enemigos públicos’, pero que aquí se ve limitado a un par de menciones para reforzar el carácter egomaníaco y obsesivo del protagonista. Es cierto que para ello quizá se abuse un poco de los diálogos, dejando así poco espacio para el trabajo físico de los protagonistas para definir y/o reforzar a sus personajes a través del trabajo gestual. No ayuda mucho en este punto el maquillaje empleado, fruto de constantes críticas que califican casi de robótico el trabajo de Leonardo DiCaprio y Arnie Hammer cuando tienen que aparentar ser adultos, algo con lo que yo no estoy demasiado de acuerdo. Cierto que no es un trabajo memorable, pero, salvada la sorpresa inicial, funciona con corrección.

Lo que sí permite el guión de Lance Black es que Clint Eastwood reincida en su estilo de abordar sus películas en varias capas, aunque no con la misma fortuna en todos los casos. Y es que se ha comentado mucho el componente de thriller de ‘J. Edgar’, pero es aquí donde la película tiene alguna de sus mayores debilidades, ya que carece de grandes momentos de tensión. Todo lo relacionado con el FBI se centra en intentar definir las formas de investigación que él estaba empeñado en que fuesen implantadas o detenciones relámpago, es decir, sin un gran trabajo previo para darles una relevancia especial. No obstante, esto no es algo que dañe de forma irremediable la película, porque la creación y desarrollo del FBI es consecuencia y no causa de lo que se nos está contando. ¿Cuál es la causa? La obsesiva personalidad de J. Edgar Hoover.

No voy a decir que Leonardo DiCaprio sea uno de mis actores favoritos (aunque muy lejos no queda), pero sí que ha demostrado suficiente versatilidad y talento para que lleve años sin desentonar lo más mínimo en sus escasas apariciones en una película. En el caso que nos ocupa, el protagonista de ‘Origen’ muestra otra forma de obsesión diferente a la que dio en la cinta de Nolan (y es que sigo defendiendo que ese es el gran tema de toda la obra del director de ‘Memento’), ya que allí se incidía en su dolor, mientras que aquí es la egomanía de Hoover lo que vertebra su actuación. Y es que a Eastwood no le interesa el personaje público tanto como descifrar qué es lo que había detrás de la persona. Y es que es habitual en su cine que cuando se centra en la parte humana de la historia, la película gane muchos enteros. Y ‘J. Edgar’ no es una excepción, algo que el protagonista de ‘Diamante de sangre’ sabe aprovechar perfectamente.

Sé que es un poco injusto hacerlo de esta forma, pero voy a optar por hablar ás de Hoover en función de su relación de dependencia con respecto a otros tres personajes que aparecen en la película que por sí mismo. Hoover es un hijo devoto que ante todo busca la aprobación de su madre (una Judi Dench que cumple bien, pero que ha estado mejor en otros trabajos suyos), la cual es poco menos que una fanática religiosa y ancla a su hijo en unas convicciones morales que le llevan hacia atrás, es decir, hacia una ideología retrógrada que no cuadra demasiado con la obsesión de su hijo por modernizar la forma de llevar a cabo investigaciones en USA. Sin embargo, la disensión entre ambos no es algo que se muestre como una opción real, sino que el personaje de su madre funciona como freno cuando su hijo quiere tomar una serie de decisiones personales alejadas de lo que le ha sido inculcado.

En un punto intermedio tenemos al personaje de Naomi Watts, la cual da vida a la secretaria fiel del protagonista, con la cual intenta en primera instancia iniciar una relación sentimental, pero eso no es más que un señuelo que utiliza ‘J. Edgar’ ante lo que está por venir. No obstante, la fidelidad profesional de ella está fuera de toda duda, con lo cual es un acierto que sea a través de ella que veamos cuáles son los objetivos del protagonista y su entusiasmo por llevarlos a cabo. Y es que es mediante su personaje que tenemos una visión más neutra de Hoover, un hombre metódico que sólo quiere lo mejor para su país. El problema es que esta visión es la que menos interesa a Eastwood (normal, sería muy aburrido centrar el relato en este aspecto), lo cual convierte a Watts en un personaje marginal durante buena parte del metraje, lo cual no quita que ella haga un buen trabajo.

La última capa, y la más interesante de todas, de la personalidad de Hoover nos viene dada a través del personaje que interpreta, y muy bien, Arnie Hammer. Él es el elemento modernizador, el que se sale de los esquemas iniciales del protagonista. Valga por ejemplo cómo se nos presenta su contratación: Hoover tiene una serie de requisitos muy estrictos a la hora de citar a los candidatos, y el personaje de Hammer está lejos de cumplirlos todos. Sin embargo, orquesta una cita, en la que no duda en espetarle los problemas que tiene con él y los motivos por los que no encaja, a lo cual recibe una réplica tan sincera y desarmante que no le queda otro remedio que ficharle, llegando bien pronto a ser su hombre de confianza (quizá el único que lo consiguió).

Él representa el cambio, el progreso, algo que choca constantemente de frente con lo que la madre de Hoover le ha inculcado, siendo estos momentos los de mayor riqueza de toda la cinta. Es aquí donde surge el conflicto personal y la película sube varios enteros. Y es que Hoover puede ser una persona cuyos métodos rozan lo despreciable (su forma de despedir a ciertos agentes), pero eso no debe restar importancia a todos los avances que logró durante su etapa al frente del FBI. La cuestión es que a nivel personal había más claroscuros con los que enriquecer la visión cinematográfica de Hoover, y eso es algo que Eastwood aprovecha para conseguir una película de mayor interés y DiCaprio una actuación más matizada que ni siquiera ha sido premiada con una nominación al Oscar.

Podría daros más detalles sobre la película como lo mucho que se agradece el habitual clasicismo en la puesta de escena de Eastwood, la lograda recreación de la época, tanto a nivel de ambientación como de vestuario o que el resto de actores que pueblan el extenso reparto realizan un trabajo remarcable, sin abusar de la presencia de otros personajes reales famosos, pero tampoco evitando su aparición cuando eso sirve para definir un poco mejor la personalida de Hoover, pero ni quiero alargar esta valoración al infinito ni dejar margen alguna para la sorpresa cuando os decidaís a echar un vistazo a ‘J. Edgar’, así que opto por aglutinarlo todo en que todo funciona bastante bien, aunque falta ese puntito extra de brillantez (quizá si la capa de thriller funcionase mejor, quizá dejarse llevar un poco más en lo humano) que convierta a ‘J. Edgar’ en una cinta memorable.

En definitiva, ‘J. Edgar’ es un biopic que opta por contarnos la vida de un personaje real adoptando una hipótesis sobre él en la que no existe unanimidad al respecto, lo único que no opta por una polémica desvergonzada como sucedió en ‘Anonymous’, sino que lo hace con talento y buen gusto, algo habitual en el cine de Eastwood. Eso sí, tampoco es la nueva obra maestra de su director que muchos estarían esperando, pero sí una muy buena película que merece la oportunidad de ser vista con una mente abierta a ver una producción coherente en la carrera de su realizador. Sin grandilocuencias innecesarias, ganando enteros cuando se centra en la parte humana de la historia, pero no por ello dejando de ser interesante cuando nos habla de la obsesión profesional del protagonista. Hay que verla.

Nominaciones a los César: dos cintas francesas superan a 'The Artist'

Beatriz Maldivia — Fri, 27 Jan 2012 13:06:42 GMT

En la mañana de hoy, la Academia del Cine francés ha dado a conocer la lista de nominados a los Premios César 2012. ‘The Artist’ aspira a diez, el mismo número de candidaturas que en los Oscar y en los mismos apartados, con la diferencia de que Bérénice Bejo opta como mejor actriz protagonista y no como secundaria. Sin embargo, esta triunfadora internacional no ha sido la que más nominacines ha obtenido, pues ha sido superada por dos cintas:

‘Polisse’, la película de Maïween, con Riccardo Scamarcio, Maïween, Fréderic Pierrot, Joeystarr, Nicolas Duvauchelle, Karole Rocher, Marina Foïs y Karin Viard ha resultado la indiscutible triunfadora al acumular 13 nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor guion, mejor actriz (Karin Viard y Marina Foïs), mejor actriz secundaria (Karole Rocher), mejor actor secundario (Nicolas Duvauchelle, Joeystarr y Frédéric Pierrot) y actriz revelación (Naidra Ayadi), mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido. ‘Polisse’, que Juan Luis pudo ver en Cannes, habla de la rutina diaria para los policías de la Unidad de Protección Juvenil del Departamento de Policía: arrestar pederastas, perseguir carteristas menores de edad y discutir problemas de pareja a la hora de comer; interrogar a padres maltratadores, recoger declaraciones de los chicos, hacer frente a los excesos de la sexualidad adolescente, disfrutar la solidaridad con los colegas y reír incontroladamente en los momentos más insospechados. Sabiendo que lo peor existe y viviendo con ello, ¿cómo mantienen el equilibrio entre sus vidas privadas y la realidad que afrontan cada día de trabajo?

‘L’exercice de l’état’, de Pierre Schöller, logra 11 nominaciones, incluyendo película, director y actor protagonista. Michel Blanc y Olivier Gourmet protagonizan este film que plantea una brutal mirada sobre el sistema democrático, sobre la débil implicancia de lo humano en las decisiones políticas. Se comenta que se trata de un impactante largometraje con certeros diálogos e impecable realización, en el que la psicología de los personajes envuelve al espectador en ese laberinto tenebroso de la conciencia humana y, más aún, en los laberintos que el hombre se construye para su propia supervivencia.

‘Intocable’, dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano, y protagonizada por François Cluzet (‘Pequeñas mentiras sin importancia’, ‘No se lo digas a nadie’) y Omar Sy (’Micmacs‘), está nominada en nueve categorías: Mejor Película, Mejor Director (Eric Toledano y Olivier Nakache), Mejor Actor (François Cluzet), Mejor Actor (Omar Sy), Mejor Guion, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Actriz Secundaria (Anne Le Ny) y Mejor Sonido. Esta comedia, basada en hechos reales, trata sobre dos hombres que nunca deberían haberse encontrado: un aristócrata herido en un accidente y un joven de los suburbios de París quien se convierte en su asistente y le devuelve las ganas de vivir.

Les siguen ‘L’apollonide (souvenirs de la maison close)’ con 8 candidaturas, pero sin presencia en las categorías principales; ‘Declaración de guerra’, con seis, y ‘Le Havre’, de Aki Kaurismäki con tres. ‘De Nicolas a Sarkozy’ obtiene dos: al mejor actor por Denis Podalydès y mejor actor secundario por Bernard Le Coq y ‘La delicadeza’ una nominación al mejor guión adaptado, donde compite con ‘Un dios salvaje’, de Roman Polanski.

Los franceses no se han olvidado de España. Carmen Maura ha sido nominada en la categoría de mejor intérprete de reparto por ‘Les femmes du 6ème étage’. ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar, está preseleccionada en la categoría de mejor película extranjera.

Vía | Cinema Series

Estrenos de cine | 27 de enero | Eastwood

Alberto Abuín — Fri, 27 Jan 2012 06:23:32 GMT

Una mujer que hace de hombre, un film de animación “distinto”, dos cintas polacas, una francesa y la cuarta entrega de una saga con vampiros, no pijos, y hombres lobo, no nenazas. Todo ello enfrentado al último trabajo de Clint Eastwood, rechazado en los USA porque muy probablemente les habrá puesto incómodos. ¿Alguien tiene la más mínima duda de lo que veremos los amantes del cine?

‘J. Edgar’

Dirección: Clint Eastwood

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Arnie Hammer, Judi Dench, Naomi Watts, Josh Hamilton, Geoff Pierson

Sinopsis: Exploración de la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre, director del F.B.I. durante 50 año, que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder.

¿Qué podemos esperar?: ¿De verdad debo contestar a esta pregunta? ¿Yo?

‘Albert Nobbs’

Dirección: Rodrigo García

Intérpretes: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Jonathan Rhys Meyers, Brendan Gleeson, Mark Williams

Sinopsis: Una mujer atrapada en un triángulo amoroso inusual. Disfrazada como hombre para poder trabajar y sobrevivir en la Irlanda del siglo XIX, unos 30 años después de adoptar el vestuario de un hombre, se encuentra perdida en una prisión propia.

Crítica en Blogdecine:

‘Albert Nobbs’, la transformación de Glenn Close

‘Aquello que amamos’

Dirección: Jacek Borcuch

Intérpretes: Mateusz Kosciukiewicz, Olga Frycz, Jakub Gierszal, Andrzej Chyra, Anna Radwan

Sinopsis: Es una hermosa primavera de 1981 en Polonia. En una ciudad costera, Janek, de 18 años e hijo de un capitán de la marina, forma una banda de punk-rock para expresar las cosas que le importan. Su vida es la música y su primer gran amor Basia, pero las cosas para Janek están a punto de cambiar.

¿Qué podemos esperar?: Una de esas cintas nostálgicas y reivindicativas, que bien podría ser una de las sorpresas de la semana. O no.

‘Arrugas’

Dirección: Ignacio Ferreras

Sinopsis: Narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer, será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los desahuciados.

Crítica en Blogdecine:

‘Arrugas’, una joya a descubrir

‘Bajo amenaza’

Dirección: Joel Schumacher

Intérpretes: Nicolas Cage, Nicole Kidman, Ben Mendelsohn, Cam Gigandet, Liana Liberato, Jordana Spiro, Dash Mihok

Sinopsis: Kyle es un tratante de diamantes de gran éxito y Sarah es arquitecta. Ella misma ha diseñado su extenso y moderno hogar de cristal, piedra y acero, rodeado de densa vegetación. Pero sus tranquilas vidas se verán amenazadas cuando una banda de intrusos irrumpe violentamente en la casa.

¿Qué es?: La demostración palpable de que cualquier tiempo pasado fue mejor tanto para el director como la pareja protagonista. Crítica en breve.

‘El monje’

Dirección: Dominik Moll

Intérpretes: Vincent Cassel, Déborah François, Joséphine Japy, Sergi López, Catherine Mouchet, Jordi Dauder

Sinopsis: España, siglo XVIII. Abandonado tras su nacimiento a las puertas del Convento de los Capuchinos, Ambrosio es educado por los monjes Franciscanos. Se convierte así en un predicador admirado por su fervor y temido por su intransigencia. Se considera libre de las tentaciones y pecados de los hombres. Pero la llegada de un misterioso novicio removerá sus certezas y le llevará por el camino del pecado.

¿Qué podemos esperar?: Una película escandalosa porque meterá el dedo en la llaga, o todo lo contrario.

‘Popieluszko: La libertad está en nosotros’

Dirección: Rafal Wieczynski

Intérpretes: Adam Woronowicz, Zbigniew Zamachowski, Marek Frackowiak, Joanna Szczepkowska, Radoslaw Pazura

Sinopsis: cuenta la historia del padre Jerzy Popieluszko, héroe del movimiento Solidaridad, que fue brutalmente asesinado por la policía nacional en octubre de 1984 en Polonia.

¿Qué podemos esperar?: la segunda cinta polaca de la semana de idénticas finalidades al parecer. Poco podrá hacer al lado de los estrenos estadounidenses.

‘Underworld: El despertar’

Dirección: Måns Mårlind y Björn Stein

Intérpretes: Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy, Sandrine Holt, India Eisley, Charles Dance, Theo James

Sinopsis: ha pasado más de una década desde que Selene y su amante Michael, híbrido entre humano y licántropo, derrotaran al Vampiro Mayor Marcus. En esos años la Humanidad ha descubierto la existencia tanto del clan de los vampiros como del de los licántropos y se ha lanzado a una lucha encarnizada para eliminar a ambas especies. Selene, capturada durante el genocidio, se despierta después de más de una década y se da cuenta de que se encuentra cautiva en un laboratorio herméticamente cerrado en Antigen, una poderosa corporación biotecnológica que se dedica a desarrollar la vacuna en contra de los virus que han creado a vampiros y licántropos.

¿Qué podemos esperar?: Oler huele muy mal, pero nunca se sabe. Cómo no, es la primera de la entrega que se une a la moda 3D. Si es que la pela es la pela.

Vía | LaButaca.net

'Drive', la soledad del corredor de fondo

Alberto Abuín — Thu, 26 Jan 2012 20:53:10 GMT

Se habla mucho estos meses de reciclados, homenajes y revisitaciones de formas y estilos de tiempos pasados. Tal y como apuntaba en mi texto sobre la infame ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’, Rod Lurie, 2011), los remakes llevan haciéndose desde que el cine es cine. Lo mismo ocurre con esas películas que parecen tomar prestado de otras, puesto que el séptimo arte, como todas las demás artes, se retroalimenta para dar paso a nuevas formas de narrar historias. Nicolas Winding Refn lo ha entendido muy bien, y con ‘Drive’ (id, 2010) —recientemente ninguneada en las nominaciones a los Oscars, optando sólo al montaje de sonido— nos ha regalado un thriller, cuyas fuentes de inspiración son de lo más variopintas, no quedándose únicamente en eso. ‘Drive’ es un claro ejemplo de influencia bien asimilada y respira con vida propia en cada uno de sus intensos fotogramas.

La historia es sencilla, que no simple, y el provecho que se saca de ella es máximo. Ryan Gosling, también ninguneado en las nominaciones y ya no sólo por este film, da vida a un conductor de coches que trabaja en un taller y de especialista de cine, pero también tiene otro curioso trabajo: es chófer en atracos. Su vida se complica cuando conoce a una chica y su hijo pequeño. El marido de ésta acaba de salir de la cárcel y debe dinero por protección. Nuestro héroe, por amor, decidirá ayudarle y como consecuencia una serie de hechos fatídicos tendrá lugar. En la mejor tradición del Film Noir, la fatalidad y el destino por el que están marcados los personajes, serán los principales elementos de una historia que esconde más de lo que parece a simple vista. Pero si se mira con atención, ‘Drive’ se descubre ante nuestros ojos como algo más que un simple thriller.

En el excelente inicio Refn parece entender a la perfección una de las máximas de Cecil B. DeMille, dándole la vuelta hasta límites insospechados obteniendo así resultados mayores. Si DeMille decía que una película debía empezar con una explosión y de ahí para arriba, para obtener la atención del espectador, ‘Drive’ consigue lo mismo pero de forma inversa. En estos tiempos de efectos digitales por doquier, donde parece importar más la parafernalia visual, Refn apuesta por una escena que deja atado a la butaca con muy pocos elementos. Una persecución de lo más original, y en la que el fuera de campo posee un significado vital. Dicha escena no sólo es un ejemplo perfecto de palnificación, montaje y sobre todo sonido; también sirve para definir, casi sin palabras, al personaje central. Un personaje del que nunca sabremos su nombre y que toda su vida ha permanecido oculto o pasando inadvertido, exactamente igual que en dicha persecución. Pero ese dibujo del personaje, que tan bien perfila Refn con su cámara, se extiende a los demás personajes.

Y es que ‘Drive’ es una historia sobre la soledad, la de personajes perdidos en la inmensidad de una ciudad, y abocados al peor de los destinos. La misma soledad que hereda de sus referentes más directos, aquellos que van desde el Melville más reconocido de ‘El silencio de un hombre’ (‘Le samouraï’, 1967), cualquier cinta de Robert Bresson, con el existencialismo incluido, o la de ‘Driver’ (‘The Driver’, Walter Hill, 1978), esa maravilla en la que el personaje de Ryan O´Neal se mostraba tan hierático y frío como aquí el de Ryan Gosling, cuya composición, que bordea la parodia, parece una mezcla del mencionado y Steve McQueen. Podemos ir más hacia atrás y comprobar como Refn alude sin prejuicios a la romántica soledad del héroe del western. ‘Raíces profundas’ (‘Shane’, George Stevens, 1953) sería el ejemplo adecuado, y la historia es prácticamente la misma. El eterno pistolero cambia el caballo por un coche, la mujer casada por una joven que ha sido madre demasiado pronto, y las praderas por una ciudad, que se torna tan salvaje y peligrosa que parece engullirlos a todos.

Refn sabe perfectamente que todas las historias han sido contadas. El milagro está en la forma, y lejos de querer contentar al espectador actual le invita a la reflexión con un tratamiento en la imagen realmente exquisito. Todo está ahí. Todo. El conductor sin nombre parece no tener pasado y tampoco futuro. La dilatación del tiempo haría las delicias del mismísimo Sergio Leone, al igual que los largos silencios en los que una mirada dice más que muchas palabras, y en los que la historia de amor nace a raíz del afecto más que del deseo sexual. Éste aparece únicamente en la antológica secuencia del ascensor, donde Refn detiene literalmente el tiempo para un beso ansiado, quizá anhelado, como metáfora del deseo de otra vida mejor; y si aceptamos el sexo como un acto violento por naturaleza, la explosión de violencia posterior es de lo más lógica y coherente. Pocas escenas en el cine actual han dicho tanto como esa, mezclando sabiamente elementos de lo más reconocido.

La violencia en ‘Drive’ es prácticamente necesaria. Su contundencia recuerda a Peckinpah —tal vez sin su sentido de la coreografía—, aunque el realizador declara haberse inspirado en Gaspar Noé, pero la finalidad es otra. Aunque al igual que en las mejores cintas del maestro, los personajes no pueden escapar de su destino, Refn la utiliza para asestarnos duros golpes de realidad. Y la operación resulta de lo más curiosa y satisfactoria, pues siempre navega alrededor de la fábula, cual buen cineasta que demuestra ser. Si durante toda la historia, donde la acción física no tiene lugar, cierta irrealidad parece llenar todo el relato, la cual es interrumpida por brotes bestiales de violencia en los que incluso hace acto de presencia el gore. La exageración bien entendida como herramineta de narración, recibiendo el espectador puñetazos que más allá de desagradarnos sacude nuestras mentes.

Ryan Gosling, haciendo la interpretación de su vida, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks y Ron Perlman están simplemente perfectos. El duro solitario, la fragilidad, el perdedor, y la maldad, todos marcados por un destino común: la soledad, la irremediable y real soledad que va en consonancia con la eterna noche de una ciudad que enamoraría a Michael Mann. Kavinsky y College, entre otros, como trasunto de Morricone marcando el carácter de los personajes. Y como decía Billy Wilder, cuando una película termina otra historia comienza. Podemos imaginar así a un conductor sin nombre, de misterioso pasado llegando a otra ciudad, tal y como haría Shane, y conociendo a otra mujer, agarrándose a lo poco bueno de la vida, llena de dolor y muerte. Así es ‘Drive’.

Otras críticas en Blogdecine:

‘Drive’, la serenidad al volante

‘Drive’ (Nicolas Winding Refn)

‘Drive’, llamada nocturna

'J. Edgar', la película

Mikel Zorrilla — Thu, 26 Jan 2012 18:20:04 GMT

Este viernes 27 de enero se estrena en los cine españoles ‘J. Edgar’, la última película hasta la fecha como director de Clint Eastwood, uno de los directores más respetados de Hollywood, y uno de los últimos exponentes del cine clásico americano. En esta ocasión, ha tomado como base a J. Edgar Hoover, el responsable de que el FBI sea una de las organizaciones más respetadas de USA, contando con la colaboración en el guión de Dustin Lance Black, autor también el libreto del biopic sobre Harvey Milk que protagonizó Sean Penn. Tanto guionista como actor lograron llevarse un Oscar por su trabajo en ‘Mi nombre es Harver Milk’, algo que será imposible que suceda en ‘J. Edgar’, ya que no ha conseguido ni una sola nominación para los Oscar 2012.

Eastwood ha contado con un presupuesto de 35 millones de dólares (algo escaso si tenemos en cuenta que Leonardo DiCaprio, protagonista de la cinta, es uno de los actores más solicitados actualmente) para sacar adelante un ambicioso proyecto que recreara varias etapas de la historia americana del siglo pasado. Por ahora, ya ha recaudado 37 millones en la taquilla americana y otros 20 en el resto del mundo, aunque lo cierto es que se esperaba que tuviera unos resultados económicos algo mejores. Seguramente, la tibia recepción crítica ha ayudado a que el público no se anime a ir en masa a los cines a verla, ya que nos encontramos con quizá la película dirigida por Clint Eastwood de los últimos 20 años que peores críticas ha tenido, a lo que hay que sumar que la recepción que tuvo ‘Más allá de la vida’, su anterior trabajo, tampoco fue precisamente entusiasta.

El reparto de ‘J. Edgar’

Clint Eastwood está considerado como el último gran director clásico de Hollywood, pero eso es algo que prácticamente nadie esperaba cuando comenzó su carrera como actor en los años 50 del siglo pasado con pequeñas apariciones en cintas como ‘Tarántula’. Sin embargo, fue en los 60 cuando su carrera despegó al protagonizar la famosa trilogía de spaghetti westerns dirigida por Sergio Leone. Poco después, dio el salto a la dirección con ‘Escalofrío en la noche’ y siguió dirigiendo de forma constante desde entonces, pero el auténtico reconocimiento crítico no le llegó hasta el estreno de ‘Sin perdón’, por la cual consiguió ganar el Oscar a mejor director. Desde entonces su carrera ha estado marcado por el respeto y el aprecio tanto de crítica como de público, regalándonos grandes películas como ‘Un mundo perfecto’, ‘Los puentes de Madison’ o ‘Million Dollar Baby’. En 2008 pareció cerrar su ciclo como actor en ‘Gran Torino’, pero hace unos meses se confirmó su aparición en ‘Trouble with the Curve’, que es además la primera película que protagoniza sin ser el director desde ‘En línea de fuego’ en 1993. Si queréis conocer de forma más detallada su carrera podéis echar un vistazo al especial que mi compañero Alberto le está dedicando en Blogdecine.

La gran estrella de ‘J. Edgar’ es Leonardo DiCaprio, el joven actor que fue catapultado a la fama por su aparición en ‘Titanic’ (aunque ya había sido nominado al Oscar con anterioridad por su presencia en ‘¿A quién ama Gilbert Grape?’), la cual también le regaló la antipatía de cierto sector del público, el cual no empezó a tomárselo realmente en serio hasta su papel en ‘Atrápame si puedes’, la mejor película que ha dirigido Steven Spielberg en los últimos tiempos. A partir de ahí, ha ido ganando cada vez más prestigio en la industria, sin por ello dejar de aparecer en películas que reportaban pingües beneficios a sus productoras. Su relación profesional más asentada es con Martin Scorsese, con el cual por ahora ya ha colaborado en cuatro ocasiones (‘Gangs of New York’, ‘El aviador’, ‘Infiltrados’, y ‘Shutter Island’). Otra cosa que ha cuidado mucho DiCaprio es el participar en un número muy limitado de películas, pero con un interés especial, y no salir en cualquier cosa a cambio de un cheque sustancioso. El siguiente director de culto con el que va a colaborar es Quentin Tarantino en ‘Django Unchained’.

No obstante, pese a la absoluta supremacía de DiCaprio, ‘J.Edgar’ cuenta con un reparto trabajado en el que también encontraremos a, entre otros, Naomi Watts, Armie Hammer, Josh Lucas y Judi Dench. Todos ellos dan vida a personas vitales en la vida del protagonista, sin los cuales su vida hubiese sido muy diferente. Watts, la gran revelación de hace unos años en ‘Mulholland Drive’, da vida a la fiel secretaria de DiCaprio, la cual respetó sus deseos hasta más allá de su muerte. Hammer, al que algunos recordaréis por dar vida a los hermanos Winklevoss en ‘La red social’, es el fiel compañero y gran amigo de Hoover, el único miembro activo del FBI en el que podía confiar para cualquier cosa. Por su parte, Judi Dench, una actriz que no necesita presentación, es la represiva y tradicional madre del protagonista, la cual es la gran guía moral de Hoover, y cuya muerte trastocó sobremanera su vida. Por último, Josh Lucas, protagonista de la reciente teleserie que continúa las andanzas del protagonista de ‘La Tapadera’, es Charles Lindbergh, el famoso aviador que aparece en la función porque el caso del secuestro de su hijo fue el trampolín de la carrera de Hoover dentro del FBI. Sin ese caso, Hoover jamás hubiese podido desarrollar la agencia hasta los límites que tanto le obsesionaban.

Sinopsis de la película ‘J. Edgar’

A lo largo de su vida, J. Edgar Hoover llegó a ser el hombre más poderoso de Estados Unidos. Durante sus casi 50 años como director del FBI (Oficina Federal de Investigación), no hubo nada que le impidiera proteger a su país. Hoover sobrevivió a ocho presidentes y a tres guerras, luchando contra amenazas reales e inminentes y saltándose las reglas a menudo con el fin de mantener a salvo a sus compatriotas. Sus métodos eran tan despiadados como heroicos, siendo la admiración del mundo su premio más codiciado y a la vez el más difícil de alcanzar. Hoover era un hombre que daba mucha importancia a los secretos, especialmente a los de los demás, y que no temía usar esa información para ejercer autoridad sobre las figuras líderes de la nación. Comprendiendo que el conocimiento es poder y que el miedo representa oportunidad, utilizó ambos elementos para ganar una influencia sin precedentes y construirse una reputación que era tan formidable como intocable. Preservaba su vida privada igual que la pública, permitiendo solo a unos cuantos formar parte de su pequeño y custodiado círculo de confianza. Su compañero más cercano, Clyde Tolson, también era su amigo más fiel. Su secretaria, Helen Gandy, quizá la persona que mejor conocía sus planes, fue leal hasta el final y más allá. Únicamente le abandonó su madre, quien fue su inspiración y su conciencia, y cuya muerte destrozó a un hijo que siempre buscó su amor y su aprobación. A través de los ojos del propio Hoover, ‘J. Edgar’ explora la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder.

Cartel y tráiler de ‘J. Edgar’

Lo que ha dicho la crítica sobre ‘J. Edgar’:

Siendo fiel al carácter discreto de Eastwood, ‘J. Edgar’ ofrece un tratamiento respetuoso a un tema potencialmente escandaloso, pero un enfoque algo más atrevido a lo Oliver Stone podría haber conseguido una película más viva.

(Variety)

La solemne dirección de Eastwood, el torpe guión de Dustin Lance Black y el cadavérico maquillaje de envejecimiento conspiran para distanciarse de la narración histórica y emocional. Es como un trabajo en cera parcialmente animado.

(The Wall Street Journal)

A pesar de estar sepultado bajo capas de látex, DiCaprio es una rugiente maravilla como J.Edgar Hoover. Incluso aunque la película falla en sus grandes ambiciones, no te la puedes quitar de la cabeza.

(Rolling Stone)

Eastwood renuncia a su ritmo parsimonioso por algo más rápido y conversacional, convirtiendo a ‘J.Edgar’ en un ensayo dramático sobre cómo se fusionaron la ley y la represión, el heroísmo y la corrupción, en la persona de Hoover

(Entertainment Weekly)

Una sorprendente colaboración que aborda sus retos más difíciles con credibilidad y buen gusto, al tiempo que ofrece un elaborado punto de vista cáustico al controvertido comportamiento, público y privado, del personaje.

(The Hollywood Reporter)

Una confusa selección de momentos históricos que cobra vida cuando su fascinante historia humana (...) se pone al frente. (...) Como siempre, cuando Eastwood vuelve su mirada compasiva sobre las debilidades y las emociones de sus personajes, la película vuela

(Screendaily)

Oscar 2012: Las bandas sonoras, el favoritismo de Ludovic Bource y las olvidadas

Jesús León — Thu, 26 Jan 2012 17:15:54 GMT

Uno año más, aunque quizás este con especial énfasis, las nominaciones al Oscar proclamadas por Hollywood se mueven en la complacencia, el aburrimiento, la falta de riesgo y de justicia. Nada nuevo sobre el cielo, aunque centrándonos en el apartado de las bandas sonoras esto se hace aún más evidente.

Tenemos a una favorita, que como al film que acompaña, suena a imposible creer que no ganará la dorada estatuilla. A un genio que hace doblete, otro habitual que se cuela sin mucho ruido y a nuestro favorito. Y no sólo por un compositor patrio. Pero desgranemos las nominaciones, escuchando de fondo las bandas sonoras nominadas al Oscar 2012 y veamos sus posibilidades reales y las olvidadas.

‘The Artist’ por Ludovic Bource

En una película de estas características, donde se apuesta por el silencio de los actores, la música cobra especial protagonismo. No es de extrañar que el score de Ludovic Bource juegue un papel primordial en el film. Y buen parte de su éxito en la carrera de premios que llega. Pero a pesar de tener detractores que le acusan de “beber” de otras músicas, de diversos temas, de ser una especie de refrito, lo cierto es que la banda sonora cumple con las preferencias de la Academia de Hollywood. Y más para lo que ya se ha encalomado como la película de la temporada.

El compositor francés, casi un desconocido, aporta ese punto original a una historia de otra época y consigue trasladar el aire nostálgico y evocador que transmite el film. Aún así, no es que sea una de esas bandas sonoras que entusiasmen con suficiente profundidad. Ya veremos si pasado el hype de ‘The Artist’ Bource logra otro trabajo de suficiente altura. De momento, esta es la favorita y es difícil imaginarse que no gane.

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‘War Horse’ y ‘Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio’, por John Williams

La doble nominación para un maestro como Williams puede sonar a meritorio, pero lo cierto es que puede pesar en su contra. Precisamente a la hora de repartir votos no suele ser buen indicador poseer opciones por duplicado. Aunque no vamos a negar que el trabajo en el film animado de Spielberg es magnífico, quizás parezca excesiva la nominación, o mejor, muy conservadora si echamos un vistazo a otras opciones descartadas y con suficiente o más méritos.

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No podemos pensar lo mismo de ‘War Horse (Caballo de batalla)’, donde sí que logra un score a la altura de lo que se puede esperar de su genialidad, experiencia y saber hacer. Temas románticos, evocadores, que subrayan el drama y que demuestra que Williams es capaz de dar una lección soberbia de maestría. Si no tuviéramos a la película silente tan bien situada, el Óscar debería recaer en las manos, nuevamente, de este genio.

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‘La invención de Hugo’, por Howard Shore

Gran trabajo el de Shore para el film fantástico de Scorsese. Ha sabido darle la magia, envolver con una gran orquestación el ambiente y ese tono parisino peculiar. Es un trabajo muy completo del veterano Shore y era sin duda una de las grandes favoritas. Teniendo ‘La invención de Hugo’ una banda sonora espléndida nos tememos que no será la premiada, aún cuando no debería sorprender porque el trabajo es de gran calidad. Un score muy completo, que suena a magia y al nivel de los mejores trabajos del compositor.

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‘El topo’, por Alberto Iglesias

Ha llegado por méritos propios a estar entre las nominadas. Dejar fuera este año a Alberto Iglesias era poco menos que un sacrilegio. También hubiera tenido cabida su trabajo para ‘La piel que habito’, ya que con ambas ha demostrado ser el compositor más inspirado y evocador del año.

Con este trabajo, Alberto Iglesias demuestra lo que es capaz de hacer, capaz de sumergirse en clima de espionaje de la historia del film. Una auténtica joya de banda sonora, repleto de cortes soberbios que acompañan el suspense de la trama y que pone al compositor español en la cúspide de entre los grandes compositores actuales. Un trabajo sobrio, muy clásico, perfectamente acoplado, sin fisuras. Muy meritoria la nominación, pero mucho nos tememos que esto ha sido ya el máximo premio que le esperaba este año por parte de Hollywood.

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Las olvidadas: bandas sonoras que hubieran merecido la nominación

No podemos concluir este repaso musical a las nominaciones al Oscar 2012 sin recordar los trabajos que bien merecían haber logrado estar entre los cinco finalistas. Desde Desplat por ‘El árbol de la vida’ (aunque pase muy desapercibida en el film, no le resta un ápice de brillantez)

Alan Silvestri por ‘Capitán América’

El incombustible John Powell por ‘Rio’ (que sí cuela una canción como nominada)

Michael Giacchino por ‘Super 8’

Hasta Henry Jackman por ‘X-Men: primera generación’.

¿Cuáles echáis de menos y cuál es vuestra favorita? es la hora de las apuestas.

En Blogdecine: Oscar 2012 | Nominaciones

'Albert Nobbs', la transformación de Glenn Close

Beatriz Maldivia — Thu, 26 Jan 2012 12:22:52 GMT

Mañana se estrena en cines de nuestro país ‘Albert Nobbs’, una película que cuenta con tres nominaciones a los Oscar: una para Glenn Close como mejor actriz principal, otra para Janet McTeer, como mejor actriz de reparto, y una al mejor maquillaje. Dirigida por Rodrigo García, hijo del escritor Gabriel García Márquez, director de televisión y de cintas cinematográficas como ‘Cosas que diría con sólo mirarla’, ‘Nueve mujeres’ o ‘Madres e hijas’; esta cinta nos habla de una mujer que se disfraza de hombre para lograr su primer trabajo y, apreciando las ventajas ofrecidas a su género, continúa tan metida en el papel que hasta internamente llega a concebir dudas sobre su sexualidad, no tanto en el sentido de sus tendencias, como en el de su identidad.

Close hace una labor excelente con muy poco, ya que su personaje destaca más por la sobriedad y la discreción que por las demostraciones de gestualidad. Es habitual que el cine fuerce a sus protagonistas a cambiar de sexo, pero suele ser más común que sean los hombres quienes pasan por mujeres y en esos casos siempre se pide más la sobreactuación que el comedimiento. La situación inversa requiere circunspección, quizá porque los hombres son más tranquilos. La actriz no solo tiene que transformarse, sino también esconder todos sus sentimientos y secretos y su papel, en el que nada de esto sufre carencias, merece todos los premios y reconocimientos.

No obstante, veo más valor al personaje de Janet McTeer, no tanto por la intérprete, sino por cómo está concebido desde el guion, ya que presenta algo más de conflicto, de facetas y de interés. Ella no nos hace imaginar, ni por un instante, que sea un hombre –de Close, si no la conociésemos, quizá nos lo habríamos creído–, sin embargo, la actriz está excelente y derrocha carisma. Es posible que el Oscar se lo lleve ella en lugar de la protagonista.

Como siguiente virtud de ‘Albert Nobbs’, se podría señalar una ambientación conseguida y cierta naturalidad en las situaciones y la generalidad de los personajes que la convierten en una película amena y, más que nada, apetecible de antemano. El tráiler nos podría hacer pensar en una versión de una sola entrega de esa deliciosa ‘Downton Abbey’ o en un complemento ligero a la maravilla que es ‘Lo que queda del día’. De la mano de Rodrigo García, un hombre que ha demostrado hasta ahora un criterio exquisito y una gran capacidad para captar la elegancia, esperaríamos más. Visualmente, recurre a algunas ideas no del todo acertadas, como los flashes de imaginaciones, que suponen exabruptos prescindibles y de dudoso gusto.

Un conflicto poco claro…

Cuando ha pasado ese primer disfrute de trasladarse a otra época e introducirse en otro mundo, en seguida queda patente que ‘Albert Nobbs’ carece de conflicto y de espina dorsal. Cuatro guionistas escribiendo una historia deberían haber hallado más sustancia. O quizá la multiplicidad de manos es las que ha impedido que se concrete en algo intenso y, en su lugar, se planteen varias cosas sin hincapié en ninguna de ellas. De esta manera, la película va planteando episodios con relativa conexión entre ellos y se basa en casualidades poco verosímiles – que a dos mujeres vestidas de hombre les toque compartir habitación– para acabar en una componenda demasiado forzada. La protagonista tiene un objetivo muy marcado, pero su persecución de esos logros se realiza de forma errática. Ya que he suscitado la comparación con ‘Downton Abbey’, concluiré que cualquiera de los conflictos que tiene cada uno de los personajes de la serie, ya sea de arriba como de abajo, tiene más progresión y contenido que el que llena toda esta película.

Por otro lado, cuenta con actores tan importantes como Jonathan Rhys Meyers solo para dar color y ambientar, sin cederle una trama secundaria que habría enriquecido el conjunto. Mia Wasikowska y Aaron Johnson sí cuentan con papeles que suponen algo para la historia. Si bien él representa al antagonista y está bien en un papel que mezcla la capacidad seductora con el rechazo de su egoísmo; ella sufre los mismos tumbos que la película, pasando de ser colaboradora a enemiga sin demasiado sentido.

...salvo que se refiera a la identidad de género

Lo que sí está bien planteado es la identidad de género y, entendiéndola como una película sobre este tema, sí podría apreciarse el conflicto que no se percibe en un planteamiento más universal. Es posible que sea con esas intenciones con las que se creó en la novela corta. Debido a que, en esa época no existían tratados al respecto, es comprensible que esta persona sintiese confusión con respecto a cómo debía vivir su vida o a qué tipo de persona tenía que buscar para situar a su lado, no porque sus gustos fuesen homosexuales, sino más bien en la cuestión social. Es muy interesante el hecho de que ni se plantee volver a vestirse como mujer –como curiosidad cabe aquí mencionar la única escena en la que ella y el personaje de McTeer se ponen vestidos, ya que es la vez en la que más parecen hombres de toda la película–. Aunque esta interpretación es la que más favorece al film, este no parece ir por ahí o, si es su propósito, lo disimula mucho, haciendo ver que se trata de una historia mucho más genérica e insustancial sobre la necesidad de guardar un secreto.

Conclusión

Mi primer impulso sería calificar a ‘Albert Nobbs’ de película insulsa, floja y facilona y, sin duda, de situarla como la peor de Rodrigo García. Lo que cuenta carece de conflicto y siquiera su mano como realizador la eleva gracias a una belleza estética que compense el resto de las carencias. Sin embargo, si la tomamos como un estudio sobre la identidad de género, se podrán ver en ella todas esas cuestiones que parece no tener: sí habría conflicto, sí tendría una razón de ser todo lo que ocurre e incluso el final tan repentino y absurdo, podría verse como una forma de demostrar la cruel ironía de la vida.

Cinco cosas que no entiendo de estos Oscar

Pablo Muñoz — Thu, 26 Jan 2012 11:22:36 GMT

Ve el video en el sitio original.

Hola, muchachotes, la vida es tan maravillosa, está tan llena de buenas noticias, de pasión, de locura. La competición que convierte al cinéfilo en un sujeto-cercano-al-hombre-de-la-quiniela-con-ceño-fruncido-y-un-hincha-de-la-gran-pantalla son los Oscar que, lo sabemos, no sirven para nada, carecen de la fuerza industrial de un Sundance, de la potencia de proyección internacional y prestigiosa de Cannes, o incluso de la condición de descubridora de títulos de culto de un Fantastic Fest o Sitges, ni siquiera tiene mucho que ver con un evento-para-generar-hypes como el renovado Toronto. Pero los Oscar es Hollywood lamiéndose: y todos con ellos, claro. Así que ahí voy, mis queridos lectores, con cinco cosas que no entiendo de estos Oscar.

1. ¿Nada para Clint Eastwood?
Aunque todavía no la he visto, y no me faltan ganas de hacerlo para ser vaquero en esta tierra de eastwoodófilos, la sola presencia de ‘J. Edgar’ (id, 2011), una película contemporánea ahora que nuestro país ha incluido la corrupción en cultura y deportes, me genera unas simpatías muy extremas. Y un DiCaprio en modo-todoterreno y un retrato oscuro de un hombre que era todo poder, secretos íntimos y malas decisiones y un guionista como Dustin Lance Black, premiado anteriormente. ¿Vamos a irnos de vacío?

2. El gato con botas ¿EN SERIO?

Decidme, y hacedlo con prosa que no sea de alquitrán, que la última película de DreamWorks SKG supera a la entrada más floja del canon de Pixar, esa película de coches y ecologismo y simpatía europea, y os creeré, pero es que la decisión de apartar la Pixarada padre se me antoja a un momento de descanso por parte de una Academia que ya parece haber decidido que ‘Brave’ (id, 2012) será previsible vencedora….

3. ¿Nada para Drive?
Buenas tardes, queridos Oscar. Me encanta que estéis al día, pero la sensación Windign Refn me parece mucho más importante que Woody Allen, que ejecuta un trabajo a duras penas turístico y rutinario con la encantadora ‘Medianoche en París’ (Midnight in Paris, 2011). Parece divertido devolver a Allen a una competición con Scorsese o Malick o Payne, pero no procede: la dirección de Windign Refn ha sido la más obviamente perfecta dentro del sistema. Me haré el mudito respecto a las invenciones de los hermanos Weinstein.

4. Racanería iraní.
Bien está que Nader y Simin: Una separación (2011) se ha colado en mejor guión original, dice mucho del admirable buen gusto de los chicos de la Academia, PERO la película podría estar en mejor película sobradamente, sin ese pesado extranjero que suena a trámite y más aún cuando han expandido las nominaciones. ¿En serio el calado moral y la complejidad psicológica de esta cinta tienen menos peso que el relato de “ay, mi caballo, donde esté mi caballo” de ese cineasta en perpetua huida hacia adelante de su falo?

Ve el video en el sitio original.

5. Saltarse las reglas, esa quimera.
Ignorando el hecho de que ame ver nominado a Pitt por ‘Moneyball: rompiendo las reglas’ (Moneyball, 2011), justamente escogido por su carisma actoral de estrella del viejo estilo, la Academia ha cumplido a rajatabla lo que esperábamos de ella: interpretaciones-mímesis, revelación, actor latino-ya-consagrado-en-mercado internacional…¿Para cuándo un poco de transgresión? ¿Qué tal el estólido Ryan Gosling por su interpretación cuasi-paródica en ‘Drive? ¿Y Michael Fassbender? ¿Por qué le han ignorado tan salvajemente? No lo entiendo.

'Arrugas', una joya a descubrir

Mikel Zorrilla — Thu, 26 Jan 2012 08:59:00 GMT

La semana pasada al hablaros de ese peliculón que es ‘Los descendientes’ os comentaba que en la actualidad damos un valor algo distorsionado a las cosas, corriendo así el riesgo de que las relaciones humanas con aquellas personas a las que más queremos no sean todo lo fuerte y estrechas que desearamos. Y eso es algo de lo que sólo nos arrepentiríamos en el momento en el que una tragedia nos priva de la compañía de alguno de ellos. No obstante, hay una posibilidad aún más grave, y es que nosotros mismos acabemos optando voluntariamente por desentendernos de un ser querido cuando se convierte en una carga demasiada pesada. Y es que no es raro que nuestros mayores lleguen a un punto en el que no pueden valerse por sí mismos, pero nosotros tampoco tengamos la capacidad para ocuparnos de ellos convenientemente. ¿Qué surge de todo esto? El abandonar a nuestros mayores en residencias para la tercera edad, donde delegamos en abolutos desconocidos el cuidado de nuestros mayores.

Lo curioso es que este tema no es algo que el cine aborde muy a menudo, ya que se ve que las historias sobre jubilados no deben tener suficiente interés comercial. Más curioso aún es que haya sido una película de animación española la que venga a ofrecer una visión al respecto. ¿Cuál es el motivo de resaltar que sea de animación y española? Pues que, seamos francos, el cine de animación hecho en nuestro país es escaso, tanto en cantidad como interés (de hecho, en televisión se han hecho cosas mucho más interesantes en este campo). Me vienen a la mente casos como ‘El lince perdido’ o ‘Planet 51’, algunas de las producciones con más aspiraciones de los últimos años. La primera se quedaba a mitad de camino de lo que quería y la segunda era una bobada de mucho cuidado. Podría remontarme más en el tiempo, pero lo cierto es que me da la sensación de que los animadores españoles más talentosos tienen que irse al extranjero a buscarse trabajo, algo similar a lo que sucede con varios directores de nuestro cine que apuestan por el cine de género. No obstante, la nominación al Oscar de ‘Chico & Rita’ seguramente sirva de estímulo para revitalizar este tipo de propuestas, pero en esta ocasión vengo a hablaros de ‘Arrugas’, la adaptación cinematográfica del cómic de Paco Roca que se estrena este viernes.

Lo cierto es que ya conocía ‘Arrugas’ por el cómic que tomaba como base. Lo leí con cierto escepticismo por recomendación de mi mejor amigo, y me encontré una obra maravillosa que retrataba la vejez y el alzheimer de una forma sensible (que no sensiblera), cercana y emocionante sin caer en querer ser un gratuito festival lacrimógeno. No, el cómic de Paco Roca es una de esas joyas que surgen ocasionalmente en su medio, pero que muchos jamás descubrirán por creer que todos son cosa de críos. El miedo que tenía era que con su paso al cine no estuvieran a la altura del material del base con el que partían, pero ahora puedo deciros que al de diez minutos de película ya tenía claro que estaba ante algo realmente grande, una cinta que quizá no vaya a ser un sonoro éxito comercial, pero que a buen seguro encantará a la gran mayoría de personas que se decidan a verla. Mis próximas líneas tendrán ese único objetivo.

Seguramente a la gran mayoría de vosotros no os diga nada el nombre de Ignacio Ferreras, y no os culpo, ya que ‘Arrugas’ es su primer largometraje en solitario, pero no por ello hablamos de alguien sin experiencia. Más arriba podéis ver ‘How to cope with death’, una pequeña genialidad en la que la vejez y la proximidad de la muerte ya tienen un papel esencial. Él es también (los otros son Ángel de la Cruz, Rosanna Cecchini y el propio Paco Roca) uno de los responsables del guión, donde se ha conseguido una adaptación que roza la perfección, ya que no sólo se capta a la perfección el tono del cómic, sino que, en un intento de que ‘Arrugas’ no sea una mera traducción cinematográfica, se introducen varios cambios que casan a la perfección con el relato, consiguiendo así una riqueza incluso superior a la de la obra original. Y es que la única pega que uno puede encontrar al guión es la sensación de pegote innecesario que transmite el epílogo. Cierto que es fácil entender lo que se buscaba con él, pero eso no quita para que se cargue la magia que tenía lo que sucedía inmediatamente antes, el auténtico cierre para lo que nos habían estado contando.

Quiero aclarar un par de aspectos sobre la historia que seguramente causen suspicacia en algunos espectadores. No, el Alzheimer no es el único elemento que vertebra (o canibaliza) la historia, sino que la inevitabilidad de su progreso es lo que sirve para recordarnos que los elementos cómicos van a ir virando de forma progresiva. Porque sí, ‘Arrugas’ cuenta una historia dramática, pero no desaprovecha las muchas posibilidades que tiene para hacer reír al espectador. Y es que con las risas atrapas el corazón del espectador, pero es con los apuntes dramáticos con los que te los ganas para siempre. Imagino que la realidad y ficción se entrecruzan, ya que siempre recordamos con más cariño los momentos en los que lo hemos pasado realmente bien, pero son las tragedias las que realmente marcan nuestro carácter. El drama de la comedia que lo llamo yo.

Un punto que puede echar para atrás a muchos es el tipo de animación empleada, ya que actualmente estamos acostumbrados a una tridimensionalidad hiperrealista en la que hasta casi podemos sentir el movimiento del pelo de los personajes, pero eso no es algo que afecte al resultado final de ‘Arrugas’. Es cierto que estamos antes una película que apuesta por una sencillez que puede llegar a preguntarse a algunos si no hubiese sido más conveniente rodarla en imagen real, pero la respuesta es un no tajante. Ferreras logra transmitir una naturalidad sin igual a través de las imágenes, y uno pronto se olvida de que está viendo dibujitos para centrarse en las vivencias de unos personajes que se ganan con rapidez un huequecito en nuestros corazones.

He de reconocer que mi gran miedo al ver el tráiler de la película era que el acento de uno de los protagonistas no casaba demasiado con la idea que tenía en mi cabeza sobre dicho personaje, pero la extrañeza inicial es algo que se desvanece con rapidez. Más allá de esa pequeña puntualización, me parece que la amistad entre Emilio y Miguel está recreada de forma maravillosa, siendo cada uno el perfecto complemento del otro, más formal y ligeramente arisco (consecuencia del Alzheimer) el primero en oposición a la actitud más libertina del segundo. Los vaivenes de la amistad entre ambos son el otro motor de la historia junto al Alzheimer que pacede Emilio. No obstante, eso no quiere decir que ‘Arrugas’ descuide al resto de habitantes de la residencia, ya que nunca fue mejor utilizada la palabra entrañable que para describirlos, siendo además un flashback que atañe a los orígenes de la relación sentimental de un matrimonio que habita allí el mejor momento de toda la función, y también una secuencia formidable que por si sola ya justificaría el ver ‘Arrugas’. Ojo, la película también muestra no pocos apuntes de la amargura asociada a esa edad, algunos de forma más clara y otros de forma más solapada (la anciana que guarda cosas de la comida que dan a los habitantes del lugar), pero sin caer en tremendismos. Sí, el Alzheimer es una cosa muy grave que aún no tiene cura, pero no por ello hay que restregárselo por la cara a unos espectadores que ya son conscientes de ello. El buen gusto es primordial.

En definitiva, ‘Arrugas’ es una grandísima película sobre un tema tan poco explorado en el mundo de la animación como el Alzheimer, siendo además una estupenda adaptación del maravilloso cómic de Paco Roca. Todo funciona a las mil maravillas con la salvedad de un epílogo (ideado inicialmente para acompañar a los créditos finales, algo que es lo máximo que debiera haber sido) que resta algo de fuerza al, por otro lado, estupendo desenlace. Más allá de eso, no se me ocurre ninguna pega relevante que poner a esa maravilla que es ‘Arrugas’. Desde ya seria candidata a ser la mejor película de 2012 (aunque técnicamente sea del 2011) y, casi sobra decirlo, de obligado visionado para todos los amantes del cine.

PD: Aprovecho para deciros que leyendo esta humilde crítica de ‘Arrugas’ estáis combatiendo la posibilidad de padecer Alzheimer.

Nicol Williamson nos ha dejado

Alberto Abuín — Wed, 25 Jan 2012 22:50:29 GMT

No había terminado de escribir el post sobre el fallecimiento del actor James Farentino cuando me entero de otra triste noticia. Nicol Williamson falleció en su casa de Amsterdam el pasado 16 de diciembre, y por alguna extraña razón el mundo se entera hoy. En estos tiempos de Internet me parece increíble y me da una idea de lo poco que nos interesan algunas cosas sin duda más importantes que otras de menor relevancia. Ni siquiera la prestigiosa IMDb había recogido la noticia, pero en la web del actor puede leerse un comunicado de su propio hijo.

En cualquier caso en Blogdecine citamos a Williamson por muchas y diversas razones. Una es que con no demasiadas películas en su haber, teniendo en cuenta que empezó su carrera cinematográfica a mediados de los años 50, era uno de esos actores de carácter de poderosa presencia que poseía un enorme magnetismo. Algunos le definieron como el mejor actor del mundo desde Marlon Brando —tal afirmación sobre Brando es discutible, pero eso es otro tema—, y pasó a la Historia por haber dado vida al mejor Merlín del cine, al que dio vida en esa obra maestra de título ‘Excalibur’ (id, John Boorman, 1981). Otros papeles de relevancia fueron el Little John en la crepuscular ‘Robin y Marian’ (‘Robin and Marian’, Richard Lester, 1976), el mismísimo Sherlock Holmes en ‘Elemental Dr. Freud’ (‘The Seven-Per-Cent Solution’, Herbert Ross), o su personaje en ‘El factor humano’ (‘The Human Factor’, 1979) una de las peores películas del gran Otto Preminger.

Acabó su carrera con la lamentable ‘Spawn’ (id, Mark A.Z. Dipé, 1997), y la inició con un muy breve papel en ‘Faldas de acero’ (‘The Iron Petticoat’, Ralph Thomas, 1956), un producto al servicio de Bob Hope y Katharine Hepburn. Durante los años 60 y 70 fue considerado el mejor actor británico de su generación al lado de Albert Finney.

Hasta siempre Nicol.

James Farentino nos ha dejado

Alberto Abuín — Wed, 25 Jan 2012 20:31:39 GMT

Tras la triste noticia del fallecimiento de Theo Angelopoulos hoy nos llega la de la muerte de un actor quizá no demasiado conocido, pero que protagonizó ciertas películas que para los que ya tenemos una edad, formaron parte de nuestra infancia cinéfila. James Farentino falleció este pasado martes en un hospital de Los Angeles a causa de un fallo cardíaco tras una larga enfermedad. Tenía 73 años.

Farentino, natural de Brooklyn en New York, fue un actor casi siempre ligado al mundo de la televisión, participando en infinidad de telefilms y numerosas series de televisión. Entre ellas destacan la famosa ‘Dinastía’ (‘Dinasty’), la eterna ‘Urgencias’ (‘ER’), ‘Melrose Place’, o ‘El trueno azul’ (‘Blue Thunder’), adaptación a la pequeña pantalla del conocido film de John Badham. En pantalla grande tuvo su momento de éxito, sin llegar a ser una estrella, a principios de los años 80, cuando le vimos en films como la curiosa, por loca, ‘El final de la cuenta atrás’ (‘The Final Countdown’, Don Taylor, 1980), y el excelente film de terror ‘Muertos y enterrados’ (‘Dead & Buried’, Gary A. Sherman, 1981).

Entre otros trabajos suyos, tenemos ‘El señor de la guerra’ (‘The War Lord’, Franklin J. Schaffner, 1965), de cierto prestigio, y ‘Su coartada’ (‘Her Alibi’, Bruce Beresford, 1989), un producto al servicio de Tom Selleck. Tal vez no estemos hablando de un gran intérprete, pero tenía el suficiente carisma como para caer bien al espectador.

Hasta siempre James.

Vía | IMDb

'Luces rojas' de Rodrigo Cortés, tráiler y cartel definitivo

Juan Luis Caviaro — Wed, 25 Jan 2012 19:18:51 GMT

Por fin podemos echar un vistazo al tráiler de ‘Luces rojas’ (‘Red Lights’), el tercer largometraje de Rodrigo Cortés, el director de ‘Concursante’ y ‘Enterrado’ (‘Buried’). El avance da mucha más información que el primer tráiler que vimos hace meses, pero se ha tenido el buen gusto de no desvelar demasiado, de mantener la intriga y dejar con la miel en los labios; voy a ser el primero que lo diga: pinta muy bien. Ya os habréis enterado que ‘Luces rojas’ se pudo ver por primera vez en el festival de Sundance, al igual que el anterior trabajo del realizador español, y las reacciones en general han sido muy positivas, el público ovacionó al equipo de la película, la única pega que se le ha puesto, al parecer, son los minutos finales, de los que se ha dicho, en pocas palabras: “WTF?”. Lo tendremos en cuenta. Millennium Entertainment ya se ha hecho con los derechos de distribución en Estados Unidos. Aquí la podremos ver a partir del 2 de marzo. No sé vosotros, yo no me la pienso perder, es uno de los estrenos que espero con mayor interés este año.

Robert de Niro, Sigourney Weaver, Cillian Murphy (uno de los intérpretes actuales que más me gustan), Elizabeth Olsen, Joely Richardson, Craig Roberts, Toby Jones y Leonardo Sbaraglia, entre otros, son los actores protagonistas de ‘Luces rojas’, un thriller cuyo guion ha escrito el propio Cortés. La historia se centra en dos investigadores que analizan fenómenos paranormales para demostrar que todo es un fraude; su próximo reto es dejar en evidencia a un renombrado psíquico que llevaba desaparecido durante décadas. A continuación os dejo también el cartel definitivo de la película, el que llegará a las carteleras españolas. No está mal, aunque personalmente me gustaba mucho más el teaser.

PD: Los únicos títulos que pueden eclipsarla en taquilla el día del estreno son ‘Indomable’ (‘Haywire’), lo nuevo de Soderbergh, y ‘En tierra de sangre y miel’ (‘In the Land of Blood and Honey’), la ópera prima de Angelina Jolie.