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'The Tomb', primeras imágenes de lo nuevo de Schwarzenegger y Stallone

Mikel Zorrilla — Sat, 26 May 2012 07:15:43 GMT

Mi compañero Juan Luis nos confirmó en febrero que Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger, los grandes héroes de acción e los 80 y principios de los 90, iban a ser los protagonistas de ‘The Tomb’. Ya en abril se daban a conocer nuevos fichajes para termina de completar el rodaje dado que el rodaje iba a empezarse en breve. Pues bien, ahora podemos ver las primeras imágenes de ‘The Tomb’ y también una entrevista a Schwarzenegger en el set de rodaje, algo que aprovechan para insertar varias escenas de la propia película.

Viendo las imágenes creo que queda claro que Schwarzenegger es poco menos que un líder en la prisión y que Stallone no está precisamente pasando un buen rato ahí, pero mejor os comento un poco cuál es la función de cada uno de los personajes principales en lugar de contaros la historia. Por variar un poco de lo habitual. Stallone da vida a Ray Breslin, la mayor autoridad mundial en la seguridad estructural, el cual acaba siendo condenado por un crimen que él no cometió. Entonces le toca intentar escapar de una prisión casi inexpugnable, pero tiene una ventaja: Su sistema de seguridad se basa en los protocolos que él mismo creó.

Una vez dentro de la cárcel se encontrará con Emil Rottmayer (Schwarzenegger), el prisionero que se ha erigido como el líder de la comunidad de presos, pero que no se dedica a abusar de ellos, sino a hacer lo posible para que estos no pierdan la poca humanidad que les queda en ese lugar conocido como The Tomb (La Tumba). Uno e los responsables de que la vida sea tan difícil allí es Hobbes (Jim Caviezel), el alcaide de la cárcel, el cual es muy favorable a métodos que escandalizarían a cualquiera. Su principal “lacayo” es el guardia jefe de Drake (Vinnie Jones), las instalaciones de máxima seguridad del lugar.

También veremos en la película a Hush (50 cent), mano derecha del protagonisa cuya principal característica es que cuando habla apenas lo hace por encima dde la categoría de un suspiro, mientras que Lester Clark (Vincent D’Onofrio) es el compañero de negocios de Breslin y CEO de la compañía donde también trabaja Abigail Ross (Amy Ryan), gran confidente del protagonista, la cual consigue ganarse la amistad (o quizá algo más, eso está por ver) del Emil Kaikev (Sam Neill), el doctor de la cárcel. Resumen completito de qué podéis esperar, pero sin entrar en spoilers, ¿verdad?

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Mikael Håfström, responsable, entre otras, de ‘1408’ y ‘El rito’, es el encargado de llevar a buen puerto el guión que escribió Miles Chapman para ser posteriormente reescrito por Jason Keller (‘Blancanieves (Mirror, Mirror)’) y de aprovechar sabiamente los 70 millones de dólares de presupuesto (qué lejos quedan los más de 200 de ‘Men In Black 3’). Por ahora se desconoce la fecha de estreno, pero mientras esperamos podremos ver también a los dos protagonistas juntos en ‘Los Mercenarios 2’. Eso sí, sospecho que ahí Schwarsenegger va a saler poquito.

Vía | Collider y Expendables Premiere

'No es pecado', el gran McCarey, la irreverente West

Alberto Abuín — Fri, 25 May 2012 20:39:06 GMT

Si nos ponemos a pensar en todos los sex symbols que han poblado el cine en su algo más de siglo de existencia, la lista puede ser bastante amplia. Y si esta va en orden cronológico debe estar encabezada por Mae West por mucho que a bastantes de nosotros nos parezca una de las actrices más insoportables que se hayan puesto delante de una cámara. A día de hoy si uno le echa un vistazo a las películas protagonizadas por esta singular mujer, podrá comprobar lo mala actriz que era, con sus aires chulescos, su no saber andar y sus forzadas expresiones faciales. ‘No es pecado’ (‘Belle of the Nineties’, Leo McCarey, 1934) fue uno de los diez largomentrajes que interpretó antes de retirarse del cine cansada de los problemas con la censura.

(Spoilers) Porque Mae West no sólo fue el primer sex symbol, también mujer fatal, de la historia del cine. Tuvo un poder del que pocas actrices pueden presumir, escribiendo todos sus guiones, y eligiendo a sus compañeros de reparto. Y lo mejor de ella se encuentra precisamente en sus libretos, llenos de referencia a la batalla de sexos, con muy agudas reflexiones sobre la eterna lucha/entendimiento entre hombres y mujeres. Diálogos afilados que aún a día de hoy sorprenden por su atrevimiento algunos, y por su inusitada sutileza otros, eran la marca de la casa, mientras West se pavoneaba delante de todo el mundo con sus nada finas curvas. Eran otros tiempos, en los que el sexo era prácticamente tabú —aún sigue siéndolo para muchas mentes estrechas— y West era plenamente consciente de ello, sacando el mayo provecho posible.

En su década de gloria —protagonizaría dos películas más de escasa relevancia muchos años más tarde— llegó a elegir a Cary Grant cuando este aún no era conocido, y fue dirigida por directores de la talla de Raoul Walsh o Henry Hathaway. En ‘No es pecado’ deja la batuta al gran Leo McCarey, que hacía dos años había firmado la que para mí es la mejor película de los míticos hermanos Marx, ‘Sopa de ganso’ (‘Duck Soup’, 1932), y faltaban unos tres para que ofreciera al mundo la película que según Orson Welles hacía llorar a una piedra —se quedó corto— ‘Dejad paso al mañana’ (‘Make Way for Tomorrow’, 1937). Es precisamente la labor del director la que impide la quema de una película en las que las cosas suceden a la velocidad del rayo, y prácticamente todo está a disposición de su principal estrella.

West da vida a Ruby Carter, la principal atracción de un club en San Luís, donde enamorará a un campeón del boxeo. Muy pronto y convencida por el manager del boxeador, se irá a New Orleans donde se convertirá en la estrella de un club dirigido por un hombre sin escrúpulos que también caerá en las redes de Ruby. Una premisa bastante simple con no pocas ramificaciones y una tendencia a resolver conflictos con una facilidad pasmosa. Los años 30 no se caracterizaron precisamente por la extrema duración de las películas, algo que ya es una señal de identidad en el cine de hoy día, sino por la propensión hacia la síntesis que algunos autores supieron manejar como pocos. McCarey, que entendía además mejor que nadie el mundo de la comedia y el drama, pone todo su saber en el film, a pesar de estar condicionado por West, la controladora final del film.

Mientras que la historia que vemos en ‘No es pecado’ se desarrolla a la velocidad del rayo, sobre todo en su delirante tramo final en el que en unos tres minutos todo se atropella de forma increíble, sus aciertos se encuentran en una arriesgada puesta en escena de McCarey —sin duda uno de los realizadores que más arriesgaron en la narrativa cinemtográfica durante los años 30—, que le lleva a colocar la cámara en los sitios más insospechados, y cómo no, en esas agudas frases soltadas por Ruby y que siempre dejan en paños menores a los hombres, todos ellos siempre menos inteligentes que el personaje femenino. Lo que llama poderosamente la atención con el paso del tiempo es el hecho de que varios hombres sean capaces de enamorarse de alguien tan vulgar como Ruby, pero eran otros tiempos, y sin duda la lengua afilada de Mae West tuvo mucho que ver.

Película correcta y entretenida, que ya es mucho más de lo que ofrecen más de la mitad de los films actuales, y que evidentemente está llena de números musicales protagonizados a mayor gloria por su estrella principal. De entre todos ellos destaca el impresionante ‘Troubled Waters’ de la que aquí os dejamos el vídeo. Un instante muy inspirado de un film prescindible pero simpático.

Cannes 2012 | 'Cosmopolis', Cronenberg analiza el absurdo sueño capitalista

Juan Luis Caviaro — Fri, 25 May 2012 19:12:50 GMT

Esto se ha acabado. Oficialmente, el Festival de Cannes termina el día 27, pero la sensación aquí es de que ya está todo el pescado vendido, que la visita de Robert Pattinson (que ha vuelto a desatar la locura entre fans y reporteros solo dos días después de que lo hiciera su novia, Kristen Stewart) ha puesto el punto y final a la 65ª edición. Muchos acreditados se han marchado, los pasillos del Palais, centro de operaciones del certamen, están extrañamente tranquilos, no han repartido revistas de esta décima jornada (hasta ahora podías llenar una mochila cada día) y no hay problema para encontrar un sitio libre donde sentarse y escribir. Aunque mañana se presentan los dos últimos títulos de la sección oficial, ‘Mud’ y ‘The Taste of Money’, parece que los medios han considerado ‘Cosmopolis’ como la última verdadera candidata a la Palma de Oro. Personalmente, me alegraría por David Cronenberg, cuya obra admiro, pero no creo que merezca el galardón este año.

Cosmopolis

Para mí, el cine es un rostro hablando.

(David Cronenberg)

Esta vez he querido dejarme llevar por la curiosidad y he estado preguntando y leyendo opiniones (no suelo hacerlo para evitar que condicionen mis textos). Considero muy representativo, tanto del film como del trabajo de un bloque importante de la prensa, que haya tanta confusión sobre el tema y las intenciones de Cronenberg, hasta el punto de que la mayoría ha decidido ponerse de acuerdo en que ‘Cosmopolis’ es un relato sobre el fin del mundo y/o del capitalismo. Y no es eso, o al menos no esencialmente. Se habla del fin de una era, de cambio, pero ante todo se analiza el modo de vida capitalista, absurdo, inhumano, vacío. En la rueda de prensa, alguien planteó al realizador si había hecho la primera película del nuevo milenio; Cronenberg fue claro: “No te creas eso, ¡es publicidad!”. Una periodista habló sobre el pesimismo y la claustrofobia del film, y Pattinson respondió que aunque todavía no sabe de qué va ‘Cosmopolis’ sí tiene claro que hay esperanza en ella. Así es, si bien dependerá de cada espectador encontrarla o no. En este sentido, el último trabajo de Cronenberg me recuerda a ‘Videodrome’, quizá su obra maestra (desde luego uno de sus trabajos más logrados), siguiendo el protagonista una evolución similar.

‘Cosmopolis’, adaptación de la novela homónima de Don DeLillo, arranca con un lento travelling (recurso habitual del canadiense) que recorre unas largas limusinas blancas, hasta llegar a dos personajes que visten elegantes trajes oscuros. Son Eric Packer (Pattinson) y su guardaespaldas (Kevin Durand). Eric pregunta cuál es su coche y expresa el deseo de ir a cortarse el pelo, al sitio de siempre, en la otra punta de Nueva York. Su escolta cree que no es una buena idea, la visita del presidente paralizará la ciudad, y hay peluquerías más cercanas, pero Eric está decidido. Le esperan las horas más trascendentales de su vida. Lo busca desde el primer momento, inconscientemente. A lo largo del día mantendrá sustanciosos encuentros con diferentes personajes, siempre que es posible dentro de su lujosa limusina (mismo vehículo que Leos Carax emplea en ‘Holy Motors’), vista como una provocación por parte de un grupo de manifestantes que denuncian los abusos del sistema financiero. Eric no oye nada del exterior, no le interesa. Sí le preocupa su salud y su protección. Tras las primeras escenas, el protagonista llega a parecer un paranoico rey del siglo XXI, aislado del mundo en el vientre de un impenetrable submarino sobre ruedas.

Cronenberg vuelve a plantear con ‘Cosmopolis’ un profundo viaje interior con un protagonista que va siendo transformado de manera inevitable, imparable. Como otras creaciones del canadiense, Eric, joven multimillonario alienado, sediento de experiencias cada vez más radicales, se resiste al cambio hasta que comprende que lo desea, que desea lanzarse al abismo en busca de un nuevo equilibrio. Sujeto a la novela, que encuentra inspiradora, Cronenberg explora el efecto de las conversaciones, ideas y reflexiones en Eric, cuyo modo de vida se derrumba con el paso de las horas, mientras el mundo sigue su curso, frenético y despiadado. Se exprimen los diálogos, lo hablado prima sobre lo visual, quedando una narración demasiado estática, teatral por así decirlo (si bien la puesta en escena es puramente cinematográfica), con el handicap de que el protagonista debe permanecer frío e indiferente durante gran parte del metraje, para entender su necesidad de autodestrucción, de “encenderse”, y los demás personajes no tienen peso suficiente como para servir de contraste. Así, la película se vuelve algo monótona, y la escasez de escenarios no ayuda. Tampoco se producen cambios drásticos en la carne del protagonista, un recurso que Cronenberg explotó con lucidez en el pasado, se limita a lo psicológico.

Resulta llamativo que en los tres últimos días, los focos de atención del festival hayan sido tres ídolos juveniles, Kristen Stewart, Zac Efron y Robert Pattinson, protagonistas de ‘On the Road’, ‘The Paperboy’ y ‘Cosmopolis’, respectivamente, películas en las que explotan su sexualidad de una manera atrevida, sin escrúpulos, como una señal de que han madurado y van en serio. De los tres, el que más talento ha demostrado ha sido Pattinson, que confesó no haber realizado ninguna preparación especial para el papel, simplemente lo interiorizó y se expresó por instinto, por intuición, buscando reacciones honestas. Su trabajo es impecable. Cronenberg ha destacado a lo largo de su carrera por saber elegir y aprovechar a sus actores, y no es casual que ya esté pensando en repetir con el inglés, que todavía genera prejuicios por la saga ‘Crepúsculo’. El abanico de secundarios formado por Juliette Binoche, Paul Giamatti, Mathieu Amalric, Samantha Morton, Sarah Gadon, Jay Baruchel y Durand enriquecen el relato con breves pero inspiradas interpretaciones. No es ‘Cosmopolis’ esa apabullante obra maestra que quería ver, es “solo” uno de los mejores trabajos de Cronenberg, una película exigente y densa (imposible de desentrañar con un solo visionado), turbadora y enigmática, hermosa e imperfecta. Estoy deseando volver a experimentarla.

Sesión sorpresa

Anoche estaba programada en una de las salas “pequeñas” del Palais (Salle Du Soixanteme) una sesión sorpresa. Según la hoja informativa, duraba una hora. Durante la semana surgió el rumor de que el festival preparaba una presentación de avances de algunas de las películas más esperadas de los próximos meses, incluyendo ‘Django Unchained’ (Tarantino), ‘The Master’ (P.T. Anderson) y ‘The Grandmasters’ (Wong Kar-wai), entre otras. Tenía que ser eso. Imaginad la expectación. Y ahora imaginad la decepción cuando resultó que el rumor no era cierto del todo. En primer lugar, el acto apenas duró media hora y la mayor parte de lo que nos proyectaron está en Internet desde hace tiempo, el tráiler de ‘Brave’, de ‘Frankenweenie’... Una tomadura de pelo. Las reacciones eran tan frías que el maestro de ceremonias, el delegado Thierry Frémaux, casi pedía disculpas al presentar cada vídeo. Pero no fue una total pérdida de tiempo, vimos dos avances interesantes que nos dijeron eran estrenos mundiales exclusivos para Cannes.

Efectivamente, nos mostraron un nuevo tráiler de ‘The Grandmasters’. Más o menos lo mismo que el que ya había, pero con Zhang Ziyi, que al parecer da vida a una mujer que decide seguir los pasos de su padre y convertirse en una maestra de artes marciales. Imágenes bellísimas a cámara lenta y música que eriza la piel. Deseando verla, pero me temo que todavía hay que esperar mucho para el estreno (igual hasta se estrena en Cannes 2013, dicen que Wong Kar-wai sigue filmando nuevo material). La segunda bomba de la sesión fue el primer tráiler de ‘Only God Forgives’, lo nuevo de Nicolas Winding Refn. Básicamente, parece ‘Drive 2’. Ryan Gosling encarna a un personaje similar, silencioso y violento (hay un plano idéntico al de la famosa escena del ascensor), que decide amargar la noche a dos hombres trajeados en un prostíbulo iluminado por luces de neón. Me sedujo el precioso plano inicial pero la pelea me dejó indiferente. Pero es de Refn, hay que verla. Se estrena a principios de 2013.

En Blogdecine | Especial sobre David Cronenberg

'Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros', tráiler final y cartel definitivo

Mikel Zorrilla — Fri, 25 May 2012 09:29:36 GMT

Ya os hemos hablado en varias ocasiones por aquí de ‘Abraham Lincoln: Cazador de Vampiros’, un proyecto la mar de variopinto que, en principio, parece más propicio para hacer una comedia chorra, pero ese nunca ha parecido el tono de la película si tomamos como base el aceptable primer tráiler y el menos inspirado segundo avance. Además, el tráiler definitivo (en su versión para adultos) que ahora podemos ver (también he decidido adjuntaros el cartel final) con confirma que estamos ante una producción de tono serio orientada al público adulto, y también es el avance más prometedor de los tres con mucha diferencia.

La trama de la película ofrece una variante a la versión histórica que siempre se nos ha comentado sobre Abraham Lincoln, ya que su propuesta es que un vampiro mató a su madre siendo él pequeño, por lo que jura venganza eterna contra la raza de los chupasangres. El encargado de escribir el guión a partir de tan alocada premisa ha sido Seth Grahame-Smith, también autor del libreto de ‘Sombras Tenebrosas’, con lo cual no terminó de fiarme mucho de él. En la dirección encontramos a Timur Bekmambetov, principalmente conocido por haber dirigido ‘Wanted’ y ‘Guardianes de la noche’. Por mi parte, disfrutó con la primera y la segunda me parece un completo espanto, así que, pese a las buenas vibraciones que me da este tráiler, no las tengo todas conmigo.

El gran protagonista de la función es el poco conocido (al menos dentro del mundillo del cine) Benjamin Walker, el cual será secundado por, entre otros, Mary Elizabeth Winstead, Rufus Sewell (dando vida al villano en una elección, en principio, de lo más acertada), Anthony Mackie, Dominic Cooper y Alan Tudyk. En lo que imagino que es un intento por conseguir algo más de dinero, la película también podrá verse en 3D y su estreno se llevará a cabo el próximo 22 de junio en USA, mientras que en España tendremos que esperar hasta el 31 de agosto. Se ve que hay mucho miedo a intentar estrenar algo en competencia con la Eurocopa de fútbol…

PD: Los que queráis ver la versión más lúdica-festiva podéis echar un ojo a ‘Abraham Lincoln vs Zombies’, la típica versión de la Asylum de las producciones encaminadas a tener gran éxito.

Vía | Collider

Estrenos de cine | 25 mayo | Dejen paso a los hombres de negro

Jesús León — Fri, 25 May 2012 05:38:59 GMT

Este viernes llega a las carteleras la tercera entrega de una exitosa saga. Vienen dispuestos a volver a arrasar la taquilla. Son los hombres de negro, es ‘Men in Black 3’ y ahora en 3D. Conociendo de lo que son capaces, parece que el resto de estrenos nos les queda más remedio que estar a su sombra, aunque hay algunas alternativas para los que no gusten dejarse embaucar por un blockbuster. Repasemos los estrenos del fin de semana.

‘Men in Black 3’

Título original: ‘Men in Black III’ (EEUU, 2012)
Dirección: Barry Sonnenfeld
Intérpretes: Will Smith, Alice Eve, Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Emma Thompson, Jemaine Clement, Rip Torn, Nicole Scherzinger, Kevin Covais, RJ Smith-Tillman, Joe Urban, Alex Ziwak, Geoffrey Cantor,…
Sinopsis: Cuando el MIB recibe la información de que el Agente K podría morir a manos de un alienígena, lo que cambiaría la historia para siempre, el Agente J es enviado a los los años 60 para evitarlo.

¿Qué podemos esperar? Un nuevo y problemático regreso de los hombres de negro, que tras muchos retrasos y cambios ha llegado por fin a las salas. Intentará recuperar a los fans de la saga, aunque esperemos que se aproxime más a la fresca y divertida primera entrega. Aunque tampoco hay demasiadas esperanzas. El 3D parece una excusa más, aunque eso del viaje en el tiempo parece que le da su punto. A mi compañero Mikel le ha parecido un entretenimiento más que digno.

‘Cuando te encuentre’

Título original: ‘The Lucky One’ (EEUU, 2012)
Dirección: Scott Hicks
Intérpretes: Zac Efron, Blythe Danner, Taylor Schilling, Jay R. Ferguson, Riley Thomas Stewart, Adam LeFevre, Joe Chrest, Jillian Batherson, Courtney J. Clark, Sharon Morris, Ritchie Montgomery, Russell Durham Comegys, Cameron Banfield,…
Sinopsis: Logan Thibault (Efron), sargento de la Marina norteamericana, regresa a casa después de su tercera misión en Irak junto con la única cosa que considera que le mantiene vivo: una fotografía de una mujer a la que ni siquiera conoce. Descubre que se llama Beth (Schilling) y dónde vive, y decide presentarse en su casa, terminando incluso por aceptar un empleo en el criadero de perros de su familia. A pesar de la desconfianza inicial y de los problemas que llenan la vida de Beth, surge un romance entre ellos, haciendo que Logan piense que Beth podría ser mucho más que su talismán de la buena suerte.

¿Qué podemos esperar? Drama romántico para explotar el atractivo juvenil de su protagonista. Un estreno que hará dividir opiniones a las parejas jóvenes (ellos querrán los hombres de negro, ellas a Zac), aunque las críticas no son especialmente entusiastas.

‘El arte de amar’

Título original: ‘L’art d’aimer’ (Francia, 2011)
Dirección: Emmanuel Mouret
Intérpretes: Emmanuel Mouret, Pascale Arbillot, Ariane Ascaride, Frédérique Bel, François Cluzet, Julie Depardieu, Judith Godrèche, Louis-Do de Lencquesaing, Philippe Magnan, Stanislas Merhar, Élodie Navarre, Laurent Stocker,…
Sinopsis: En el momento en el que nos enamoramos, en ese preciso instante, se produce en nosotros una música particular. Para cada cual es diferente, y puede sobrevenirnos cuando menos lo esperamos. ‘El arte de amar’ presenta cinco historias centradas en el amor, la búsqueda del amor y del ser amado. Historias cruzadas que se interseccionan por azar y que provocan diferentes conflictos emocionales en una serie de personajes al borde de la crisis sentimental. Cinco historias que, en definitiva, exploran los sentimientos y el arte de amar, las infidelidades y la necesidad de sentirse deseado.

¿Qué podemos esperar? Aparenta ser una nueva aproximación, a la francesa, del eterno tema del amor. Aunque por la crítica de mi compañera Beatriz parece que resulta una película sencilla, original y efectiva. Seguro que es una buena alternativa para los que huyen del cine made in Hollywood. Además, cuenta con un buen elenco de actores galos, que siempre es una garantía añadida.

‘Los niños salvajes’

Título original: ‘Els nens salvatges’ (España, 2012)
Dirección: Patricia Ferreira
Intérpretes: Marina Comas, Àlex Monner, Albert Baró, Aina Clotet, Ana Fernández, José Luis García Pérez, Montse Germán, Francesc Orella, Marisol Membrillo, Clara Segura, Emma Vilarasau, Lluís Villanueva, Eduardo Velasco, Mercè Pons, Xavier Ripoll
Sinopsis: Álex, Gabi y Oki son tres adolescentes que viven en una gran ciudad. Son unos desconocidos para sus padres, profesores y para ellos mismos. ¿Qué pasaría si pudiéramos saber lo qué están pensando y supiéramos lo qué querrían hacer? Su aislamiento emocional, llevado al extremo, tendrá consecuencias inesperadas que sacudirán a la sociedad.

¿Qué podemos esperar? Una crónica de la adolescencia, que aunque tampoco es un tema de partida especialmente original, en manos de la realizadora madrileña puede dar ciertas garantías de contener un resultado estimulante. Ganó en el Festival de Málaga y algunos la han ensalzado como una de las películas españolas del año. En cualquier caso es la apuesta patria en la cartelera de esta semana.

‘Starbuck’

Título original: ‘Starbuck’ (Canadá, 2011)
Dirección: Ken Scott
Intérpretes: Patrick Huard, Julie LeBreton, Antoine Bertrand, Dominic Philie, Marc Bélanger, Igor Ovadis, David Michael, Patrick Martin, David Giguère, Sarah-Jeanne Labrosse
Sinopsis: A sus 42 años, David sigue viviendo como el eterno adolescente. Sortea con el mín imo esfuerzo los escollos de la vida y mantiene una relación complicada con Valerie, una joven policía. Ésta le comunica que está embarazada justo cuando David se encuentra de golpe con su pasado. Fruto de sus donaciones de esperma veinte años atrás, descubre que es padre de 533 hijos de los cuales 142 quieren conocerle. Han emprendido una acción legal conjunta para que se revele la identidad de su padre biológico de quien hasta entonces sólo conocen su seudónimo: Starbuck.

¿Qué podemos esperar? Una película que logró premio al mejor y actor y director novel en la Seminci (y con éxito también en el festival de Montreal) y que nos llega hoy, suponemos que no escasa distribución, y que por ello no logrará demasiada repercusión. El planteamiento es curioso y podría dar juego a una comedia interesante.

‘Plastic Planet’

Título original: ‘Plastic Planet’ (Alemania, Austria, 2009)
Dirección: Werner Boote
Sinopsis: El plástico es práctico y barato. Nuestro mundo sería muy distinto sin plástico, un material que con poco más de un siglo de vida se ha hecho imprescindible y universal. Somos hijos de la Edad del plástico. Pero su uso excesivo y algunos de sus aditivos se están convirtiendo en un peligro. Las mismas cualidades que hacen de él un producto adaptable y duradero también lo convierten en una pesadilla para el medio ambiente. El plástico es capaz de mantenerse en el suelo y en el agua durante más de 500 años y puede modificar también nuestro sistema hormonal debido a la introducción de aditivos desconocidos. En este impactante documental de investigación, el austríaco Werner Boote nos muestra cómo el plástico se ha convertido en una amenaza global. Sus preguntas nos conciernen a todos: ¿Por qué no modificamos nuestros hábitos de consumo? ¿Por qué la industria no reacciona ante estos aparentes peligros? ¿Quién es el responsable de las montañas de basura amontonada en mares y desiertos? ¿Quién gana en este juego? ¿Y quién pierde?”

¿Qué podemos esperar? Documental de trasfondo ecológico que nos llega con retraso y que seguro intenta desvelar verdades incómodas para conocer el mal trato que nuestro planeta sufre, especialmente por el plástico que es el epicentro del film.

‘Ni pies ni cabeza’

Título original: ‘Ni pies ni cabeza’ (España, 2011)
Dirección: Antonio del Real
Intérpretes: Christian Gálvez, Jaydy Michel, Miguel Hermoso, Alejandro Tous, Tomás Sáez, Blanca Jara, Juanjo Puigcorbé, Enrique Villén, Berta Ojea, Santi Rodríguez, Javivi, Jorge Sanz.
Sinopsis: Dos torpes policías, Kiko y Castro, encuentran durante una patrulla rutinaria en el monte un cuerpo sin vida. Después de varias pesquisas, descubren que se trata de un destacado miembro del sindicato, mal visto por los altos mandos. Para resolver el caso escogen a Elías, un agente con poca experiencia que investigará el caso con la ayuda de Conda, la médico forense, y de los patosos Kiko y Castro.

¿Qué podemos esperar? El otro título español del fin de semana, una comedia gamberra basada en una novela que gira sobre un grupo de guardias civiles. La premisa es simple: humor absurdo, comedia alocada que buscará las sonrisas sin más pretensiones. Ha tenido escasa promoción por lo que lo va a tener complicado para convencer, además de desprender ese tufillo a una comedia más.

Tráilers | Previewnetworks

'El arte de amar', encuentros sexuales en la gran ciudad

Beatriz Maldivia — Thu, 24 May 2012 20:55:08 GMT

Hoy se estrena ‘El arte de amar’ (‘L´art d´aimer’, 2011), una película coral de Emmanuel Mouret, en la que se intercalan los encuentros de varias parejas o triángulos, con un tono muy personal que nos retrotrae a la Nouvelle Vague por el uso de recursos como la voz en off, la siempre presente música o por características como los extensos diálogos, los limitados escenarios…, pero que al mismo tiempo aporta una refrescante visión sobre las relaciones amorosas o sexuales sin tratar de sentar cátedra ni de narrar el romance definitivo. El guion, que asimismo firma Mouret, surge de notas tomadas por él a lo largo de más de diez años a raíz de sus propias experiencias o de observaciones directas sobre la pareja. Sin duda, supone una alternativa interesante para quien ya no encuentra en las carteleras nada que considerar satisfactorio.

‘El arte de amar’ es antes una reflexión sobre el amor que una película romántica. No obstante, sus historias funcionan de manera emotiva, pues los personajes acaban calando y se llega a sentir el escalofrío de sus culminaciones. No encaja dentro de la etiqueta de comedia romántica, si bien por su ligereza –antes que por la inclusión de humor– cabría definirla más como comedia que como drama. Tampoco tiene nada que ver con el porno, como daría a entender su título o la selección de imágenes del tráiler. Por el contrario, es una cinta recatada que no muestra nada ni de carne ni de acción sexual, aunque sí hable de ello sin censura. La jugada es arriesgada, pero le sale.

Como compilación de brevedades, se orquesta de forma distinta a la habitual, separando los segmentos con frases lapidarias en lugar de con títulos de capítulos o nombres de personajes y variando mucho la manera de introducirlas: en ocasiones, los deja libres para que los entendamos por sí mismos, otras veces retoma la voz en off del arranque, hay segmentos que se resuelven del tirón y otros que se van fragmentando a lo largo de todo el escaso metraje… El inicio, en el que se repasan todas las anécdotas por encima, sin aún haberse centrado en ninguna es la parte más pretenciosa en apariencia, con una imposición de la música clásica, con el peso de la voz en off y con la pantalla en colores sólidos. Una vez pasado este momento, el film se torna ameno y engancha con rapidez.

Los largos diálogos en escenarios únicos nos remitirían al teatro rodado, sin embargo, la forma en la que se acerca el director a los personajes es bien distinta, como si la cámara espía se colase en las casas ajenas. Así, los encuadres muchas veces enfocan una esquina o un intersticio entre puertas de manera que en ocasiones los personajes quedan ocultos tras un ángulo: no están fuera de campo y podemos oírlos, pero no los vemos. Por ello, sin bien da la impresión de que el guion se ha rodado sin más, en realidad, la forma de componer los planos tiene mucha intención. Además de eso, estas prolongadas conversaciones, requieren un gran esfuerzo de puesta en escena, así que el director se ocupa de encontrar siempre movimientos mecánicos que sugerir a los actores para librarse del estatismo que provocaría un largo diálogo soltado sin más: los personajes buscan pitillos y encendedores, calientan la cena, van de acá para allá… a los escenarios reducidos se les saca todo el partido que ofrecen.

Compararla con los films de Woody Allen, como han hecho algunas críticas norteamericanas, revela la ignorancia de que es el neoyorquino quien ha bebido de maestros franceses como Eric Rohmer para recrear esas situaciones sustentadas por largos diálogos sobre el amor, la vida y diferentes cuestiones filosóficas. Sí, los decorados burgueses, los paseos por los museos y parques y las ocupaciones culturalmente elevadas nos hacen pensar en Allen, pero Mouret, que ha admitido que lo admira, no se limita a emularlo, sino que se inspira en muchas más fuentes.

Los actores, entre los que se encuentran François Cluzet (‘Intocable’), Pascale Arbillot, Ariane Ascaride, Frédérique Bel, Julie Depardieu, Laurent Stocker, etc… desempeñan con acierto sus papeles, dotando de credibilidad y naturalidad unos diálogos y situaciones nada fáciles de llevar a buen término dignamente. Mouret en la labor de director de intérpretes realiza tan buen trabajo como en el resto de sus facetas.

Por mucho que no sean más que anécdotas extraídas de la vida real, algunas de las situaciones contienen bastante miga y son ciertamente curiosas como para intrigarnos ante su desenlace. ‘El arte de amar’ es, en definitiva, un divertimento original, agradable de ver, breve y efectivo. Cuenta con un gran elenco y no cae en la pretenciosidad que dan a entender sus primeros compases, sino que acaba resultando sencilla, cercana y en absoluto oscura o difícil. Muy superior a comercialidades vacuas como ‘Paris, je t´aime’, ‘New York, I love you’ y similares.

'Men In Black 3', regreso al pasado

Mikel Zorrilla — Thu, 24 May 2012 19:20:05 GMT

Hay películas que están prácticamente condenadas a ser una porquería de mucho cuidado. Por lo general se trata de producciones de Hollywood que tuvieron muchos problemas durante la etapa de preproducción, ya sea por los divismos de alguno de sus protagonistas (‘Instinto Básico 2: Adicción al riesgo’, una de las escasas películas que tuve que dejar a medias de lo espantoso que era lo que estaba viendo) o por la huida de alguno de sus actores aduciendo, en el fondo, que el guión era demasiado horrible (‘La momia: La tumba del emperador’ o ‘Speed 2’) por daros dos ejemplos. No obstante, también pueden producirse serios problemas durante el rodaje como el hecho de que el director opte por acogerse a un seudónimo dado su descontento ante lo que la productora ha hecho (La ‘Supernova’ que Walter Hill firmó como Thomas Lee, aunque personalmente no me parece tan horrible como se llegó a decir) o simplemente echando pestes de todo.

Es cierto que no es una garantía, pero sólo poco menos que un milagro evita que producciones con problemas de ese estilo logren esquivar esto. Todo indicaba que ‘Men In Black 3’ iba a ser otra más, ya que contaba con el precedente de la horrible entrega anterior (en la cual no había pistas tan claras de esto, ya que su realización fue tan normal como el hecho que vayamos a ver en unos años ‘Los Vengadores 2’), notables problemas de guión tanto durante la preproducción como durante el rodaje, ciertos rumores sobre un comportamiento poco profesional por parte de Will Smith, una campaña de promoción que atufaba a que íbamos a encontrarnos algo ligeramente mejor que un bodrio en el mejor de los casos (los carteles promocionales son bastante feos y los tráileres poco inspirados), pero se ha producido el milagro y ya os avanzo que estamos ante un entretenimiento con errores y aciertos, pero donde vence lo positivo.

Es obvio ante esa afirmación que la duda ahora será si ‘Men In Black 3’ me ha gustado más que la primera entrega, y la respuesta es no, pero con ciertos condicionantes. El primero es que comencé un revisionado de ‘Men In Black’ hace unas semanas y preferí no completarlo, ya que me encontré una cinta más desigual de lo que recordaba, con algunas cosas graciosas y/o bien hechas, pero también otros aspectos que habían envejecido lo suyo y su efectividad era mucho menor. Al final preferí parar el visionado y mantener el buen recuerdo que tenía de ella, así que coged con pinzas el hecho de que ‘Men In Black 3’ no me parezca a la altura de la primera parte. ¿Los motivos? El más destacable es que, tras un prólogo bastante acertado para introducir al villano de la función, tarda mucho en arrancar, porque la película transmite cierta sensación de dejadez hasta que se consuma el viaje en el tiempo del personaje de Will Smith. Hasta ahí se plantea un conflicto de vital importancia en la trama entre los personajes de J y K, pero se hace sin inspiración, como sabiendo que lo bueno empezaba cuando la acción se trasladara 30 años hacia atrás en el tiempo.

Sin embargo, es asombroso que los errores del guión a partir del viaje al pasado sean menores al apostar sabiamente por un menos es más en el que los efectos especiales no sólo no son utilizados para abrumar al espectador, sino que su presencia en el relato tiende hacia lo incidental en la mayoría de casos: La reconstrucción para asemejarse a la época, la vestimenta de los personajes y el uso de alienígenas sin que sean el foco de la acción o para aspectos visuales menos relevantes son la regla general. Sí que hay un clímax final bastante potente, pero tampoco ahí los efectos visuales tienen tanta preponderancia, mientras que los nuevos gadgets están bien dosificados para que tengan su momento de importancia sin que el conjunto de ellos resulte abusivo.

Ciñéndonos al guión que escribió Etan Cohen, luego fue corregido por David Koepp, más tarde también Jeff Nathanson hizo algunos retoques, pero luego Koepp volvió a ser contratado para terminar de ajustar un guión que no convencía a nadie, pero en el que finalmente sólo Cohen aparece acreditado. La verdad, con tanto lío casi me olvido de lo que quería decir, y es que en el guión hay más virtudes que efectos a partir de la media hora inicial: Lo cómico, que al principio resulta algo endeble, funciona y hasta tiene algún golpe de humor especialmente inspirado (todo lo relacionado con Andy Warhol), la trama avanza de forma previsible pero con corrección y hasta se permiten introducir un giro a la saga que la redefine, y no sólo no es un estropicio (algo que, por ejemplo, sí pasaba en ‘Scream 3’), sino que da a la película una emotividad que le permite elevarse por encima de su naturaleza de secuela correcta pero sin alma que estaba definiéndola hasta ese momento.

No tan sorprendente resulta la labor en la puesta en escena de Barry Sonnenfeld, el cual nunca ha destacado demasiado en esta faceta y ‘Men In Black 3’ no es una excepción a la regla, aunque sí que reduce bastante uno de los aspectos más cansinos de la mayoría de sus películas: Los excesos (incluso en sus comedias más normalitas). Ya he comentado que el guión fomenta este punto (lo cual hace aún más sorprendente el disparatado coste de la película), pero eso puede resultar irrelevante si el director opta por la saturación. No obstante, el problema es que a cambio tenemos una puesta en escena un tanto insípida, con escaso interés en detalles ajenos al aspecto principal de cada escena y que no hace nada por intentar dotar de cierta humanidad a lo que se está costando. El bagaje, con todo, es aceptable, ya que Sonnenfeld no molesta y deja que la acción discurra con tranquilidad según los designios del problemático libreto de la película. Por cierto, de nuevo estamos ante un 3D irrelevante que sólo sirve para sacar un poco más de dinero a los espectadores.

Es evidente que uno de los ejes de la función es Will Smith, no ya sólo porque sea capaz de sostener una película meramente con su carisma y saber estar (esto último lo ha adquirido con el paso de los años), sino porque en este caso su protagonismo, compartido con Tommy Lee Jones en las entregas anteriores, es indiscutible, recayendo sobre él el peso de mantener interesado al espectador en las distintas fases por las que pasa la historia hasta llegar al inevitable enfrentamiento final con el villano interpretado por Jemaine Clement. Eso sí, no estamos ante el mejor trabajo de Smith, ni tan siquiera a su mayor despliegue de carisma en una producción comercial (lástima que haya pasado de cantar y el tema central haya recaído en ese terrorista musical que es Pitbull), pero aún así resulta un líder convincente, despliega correctamente su encanto (ese que le ha llevado a ser el único invitado capaz de hacer tolerable ‘El Hormiguero’) y, a la hora de la verdad, nos encontramos con una versión de J evolucionada respecto a ‘Men In Black’, pero con las mismas constantes.

Ya he apuntado que Tommy Lee Jones pierde peso en el relato, pero es que ni tan siquiera es el principal protagonista, ya que esa tarea recae en Josh Brolin, el cual ofrece una estupenda versión de K en sus años mozos, donde se ve realmente al personaje 40 años después, pero también una personalidad más extrovertida. Y es que Jones es un gran actor, pero no es que se esfuerce demasiado en este caso, por lo que hemos salido ganando con un Brolin que sí parece disfrutar. Eso sí, ni por asomo cuela como alguien de 29 años. Otro acierto ha acabado siendo el fichaje de Jemaine Clement para dar vida al villano, ya que consigue al mismo tiempo transmitir sensación de auténtica amenaza y resultar cómico en ocasiones (el cara a cara entre sus dos yo es muy efectivo). Quizá se abusa un poco de un par de frases que definen al personaje, pero a mí no me llegó a molestar. El resto todos cumplen bien (quizá esperaba algo más de Emma Thompson, pero tampoco cuenta con mucho tiempo para ello), siendo destacables los casos de Bill Hader (genial como Andy Warhol) y, en especial, Michael Stuhlbarg como Griffin, un extraterrestre que puede predecir todas los posibles futuros en función de cualquier alteración que se vaya produciendo. Estamos ante un personaje que consigue dar un toque especial a la película, algo que la beneficia sobremanera.

En definitiva, ‘Men In Black 3’ es un entretenimiento más que digno que, tras una buena presentación del villano principal, tarda algo en arrancar (básicamente hasta que se produce el viaje al pasado), pero luego se un espectáculo agradable con algún gran momento que cierra el círculo de la saga de forma satisfactoria. Algunos se sentirán un tanto decepcionados por la escasa presencia e Tommy Lee Jones, pero lo cierto es que Josh Brolin está más motivado como él de joven y Will Smith sabe aprovechar el carisma del que siempre ha hecho gala. Vamos, un buen divertimento más cercano al nivel de la primera entrega que a ese absoluto desastre que fue su secuela. Algo es algo, pero, por favor, que dejen morir la saga aquí y no sigan adelante a lo tonto.

'La saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2', primeros carteles

Mikel Zorrilla — Thu, 24 May 2012 18:06:37 GMT

Hace un par de meses ya pudimos ver el teaser, y ahora nos llegan los primeros carteles de ‘La Saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2’, en este caso centrado en el trío protagonista cuyo triángulo amoroso tanto ha hecho sufrir tanto a sus fans como a los detractores de esta franquicia, lo único que de forma bien distinta. Hasta haciendo el esfuerzo de abstraerme un poco respecto a mi escaso aprecio (aunque no odio como sucede en el caso de muchos lectores) hacia la saga, la verdad es que no se los han trabajado mucho.

Os recuerdo que ‘La Saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2’ nos contará el cierre (su productora ya tiene a ‘Los juegos del hambre’ para hacer de sustituta), en principio, definitivo de esta relato vampírico, siguiendo un factor clave cierta cosa que le sucedió al personaje interpretado por Kristen Stewart al final e la anterior entrega. Obviamente, Robert Pattinson y Taylor Lautner también repiten presencia pese a que el corazón de la protagonista ya se decidió de forma definitiva por el chupasangres. Además de al famoso trío protagonista podremos ver a Peter Facinelli, Ashley Greene, Kellan Lutz, Jackson Rathbone, Elizabeth Reaser, Nikki Reed, Billy Burke, Rami Malek y Maggie Grace. En la dirección volvemos a encontrar a Bill Condon, alguien por el que sentía cierto respeto al ser el responsable de películas tan estimables como ‘Dioses y Monstruos’ o ‘Kinsey’, pero que no ha tenido problema en volver a rodar una película de esta franquicia de calidad, cuando menos, cuestionable.

El estreno de ‘La Saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2’ está previsto para el próximo 16 de noviembre, contando además con el añadido de que podremos verla en 3D, una astuta maniobra para intentar recaudar aún más. Yo no descarto que incluso llegue a la mágica cifra de los 1.000 millones de dólares recaudados. Ya veremos.

PD: Pattinson y Stewart pronto estrenarán películas que permitirán que su imagen cobre una nueva perspectiva alejados de la saga (mi compañero Juan Luis ha comentando recientemente ‘On The Road’, que cuenta con la presencia de ella y se ha podido ver estos días en Cannes), pero tengo mis dudas que Taylor Lautner jamás consiga algo mejor que ser el protagonista de alguna película de acción entre mala y horrible.

Vía | Collider

Cannes 2012 | Daniels y Reygadas buscan provocar con 'The Paperboy' y 'Post Tenebras Lux'

Juan Luis Caviaro — Thu, 24 May 2012 15:05:29 GMT

Se aproxima la clausura de la 65ª edición del festival de Cannes y sigo sin encontrar esa película que me deje extasiado. He visto un puñado de obras magníficas pero ninguna me parece a la altura de ‘El árbol de la vida’, ‘The Artist’ o ‘Drive’, en competición el año pasado. Quizá sea la crisis. Es para preocuparse si resulta que títulos como ‘Lawless’, ‘On the Road’ o ‘The Paperboy’ (que hemos visto esta mañana), todas en la sección oficial, se encuentran entre las mejores películas de 2012. No creo. Espero que no. Pero ya sabéis, se pasean estrellas por la Croisette. La novena jornada ha estado marcada por la visita de Macy Gray, Nicole Kidman, Matthew McConaughey, John Cusack y Zac Efron, protagonistas del nuevo trabajo de Lee Daniels. También se ha presentado otro título de competición, ‘Post Tenebras Lux’, lo último del mexicano Carlos Reygadas, que despertó los abucheos más ruidosos que he oído hasta el momento aquí en Cannes.

‘The Paperboy’

Daniels regresa a Cannes cuatro años después de presentar la ultradramática ‘Precious’ (en la sección “Un certain regard”) con una adaptación de la novela de Pete Dexter (coautor del guion junto al director) que antes pasó por las manos de Pedro Almodóvar. El cineasta norteamericano, que en varias entrevistas ha querido dejar claro que en su película no queda rastro del trabajo del español, nos traslada esta vez a finales de los años 60, a una localidad del sur de Florida, para narrar una historia del paso a la madurez marcada por la violencia, el deseo y el racismo. ‘The Paperboy’ gira en torno a la investigación de un crimen. El reportero Ward Jansen (McConaughey) vuelve a su ciudad natal para escribir un artículo sobre un asesinato, por el que un hombre, Hillary (Cusack), ha sido condenado a muerte sin pruebas concluyentes. Le ayudan con el caso su colega Yardley (David Oyelowo), su hermano pequeño Jack (Efron) y una mujer, Charlotte (Kidman), que intercambia cartas de amor con el supuesto asesino. Jack se enamora perdidamente de Charlotte, cuyo único interés es que Hillary salga de la cárcel y puedan así vivir un idílico futuro. Nada ocurrirá como esperaban.

‘The Paperboy’ me ha recordado a ‘On the Road’, en el sentido de que otra vez tenemos un relato meritorio en el apartado visual, con una estupenda fotografía (de Roberto Schaefer) que resalta la carne sudada y ansiosa, y un excelente trabajo del reparto (en especial, Kidman y Cusack), pero falta imaginación, coraje y brío en la puesta en escena. Daniels se declara públicamente un buen director de actores, y supongo que lo es, pero parece no darse cuenta de que las interpretaciones también dependen de sus aciertos y tropiezos como narrador, de su manera de contar una historia y transmitir sensaciones. Por ejemplo, Zac Efron encaja en el papel de Jack y se le ve muy implicado, pero el director se muestra tan obsesionado con el físico del actor, lo explota tanto, que la actuación queda en un segundo plano, sepultadas por imágenes del chico en calzoncillos, posando y marcando músculo. Parece que McConaughey no le estimula tanto, o quizá el actor, más experimentado y consciente de su carrera, no se ha prestado a convertirse (de nuevo) en objeto erótico; su personaje parece más relevante de lo que es finalmente, y es una lástima porque se le ve motivado y con ganas de reventar su célebre imagen.

Nicole Kidman es la gran beneficiada de la película, hasta el punto de que no me parece descabellado adelantar que será nominada al Oscar por cuarta vez en su irregular carrera. Tiene un papel a priori sencillo, una hortera Barbie sureña fascinada con un bruto que se dedica a cazar y destripar caimanes (John Cusack), pero el guion la enfrenta a varias escenas crudas e intensas que la australiana resuelve con formidable naturalidad. Sin duda, recordaremos ‘The Paperboy’ por una provocadora escena sexual entre Charlotte y Hillary, sentados a varios metros de distancia con otros personajes presentes en la misma sala. Imposible no sentir el aumento de temperatura. En este relato sexual y violento impactan también dos escenas donde el personaje de McConaughey sale mal parado (no cuento más, los que hayan leído el libro sabrán a lo que me refiero). La famosa cantante Macy Gray (que ya trabajó con Daniels en ‘Shadowboxer’) representa con verosimilitud uno de esos convencionales roles de sufrida pero divertida sirvienta del hogar que hace poco vimos en ‘The Help’. Los chispazos salvajes y las talentosas interpretaciones salvan de la quema este flojo trabajo de Daniels que no merece ser incluido en el palmarés.

‘Post Tenebras Lux’

Me halaga que a gran parte de la prensa no le guste. No es mi objetivo gustar al mayor número de gente posible.

(Carlos Reygadas en la rueda de prensa de hoy)

Cinco años después de ganar el premio del jurado en Cannes por ‘Luz silenciosa’, Reygadas ha traído al festival su nuevo trabajo, ‘Post Tenebras Lux’ (“Tras las tinieblas, luz”), en la que al parecer ha incluido vivencias personales. El film arranca con una enigmática secuencia con una niña rodeada por animales que llama a su familia mientras el cielo se oscurece y estalla una tormenta. Esto puede presentarse de muchas maneras, y el cineasta mexicano elige la más vaga, dejar que pase el tiempo (muuucho tiempo) mientras enfoca los mismos elementos. Es una pieza que destaca por la belleza de la luz y el paisaje, por la vida que se capta, pero poco a poco va cansando, hasta resultar tediosa. No hay nada que mantenga el interés, no sabemos quién es la pequeña ni qué hace ahí, no hay información, y el anochecer es precioso, pero se aprovecharía mejor dentro de un contexto, de una narración más elaborada. Sin embargo, el realizador parece ser de los que, persiguiendo la controversia barata y la fama de autor insobornable, confunden el talento y la verdad en el cine con una caprichosa y espontánea manera de filmar. Así que en lugar de escribir un guion y planificar una narración, que es algo muy trabajoso, optan por la improvisación y la contemplación. El resultado no es relevante, lo es que se ha hecho y lleva una firma. Le toca al público interpretarla, como quiera. Así todo es más poético, artístico e intelectual. Y además se consiguen premios.

Gran parte de la película sigue el estilo de la apertura, visualmente cautivadora (con ese efecto de la lente que deforma los bordes de la imagen, sugiriendo quizá que estamos asistiendo a sueños y recuerdos) pero carente de interés, confusa, lenta, aburrida, pretenciosa. Los personajes principales son Juan, su esposa Natalia (con la que no conecta sexualmente) y sus dos hijos pequeños; una familia urbana que se traslada a un entorno rural, enfrentándose con una mezcla de sufrimiento y gozo a un nuevo mundo, una nueva realidad con sus propias reglas y sus propios seres. Hay una secuencia deportiva con unos chavales que no hemos visto antes, otra surrealista con una figura demoníaca que se pasea con un maletín (la repite en dos ocasiones, idéntica) o una extraña y siniestra sauna donde se celebran orgías de manera organizada. Asimismo hay una reunión de adictos que también sale de ninguna parte pero que al menos resulta (tristemente) divertida por las realistas y lamentables confesiones de los personajes (“todos me conocen como R2D2”). Me dio la sensación de que Reygadas, con este indescifrable, caótico y rebelde cóctel de situaciones e imágenes, estaba buscando seguir la estela de Apichatpong y llevarse la Palma de Oro de este año. Espero que el jurado no caiga en la trampa de esta tomadura de pelo excelentemente iluminada, que requiere de mucha voluntad y paciencia por parte del espectador.

Javier Fesser regresa a la saga 'Mortadelo y Filemón', que esta vez será de animación en 3D

Beatriz Maldivia — Thu, 24 May 2012 09:45:51 GMT

Ya sabéis que Javier Fesser, tras dirigir la primera película de ‘La gran aventura de Mortadelo y Filemón’ (2003), dejó la secuela en manos de Miguel Bardem, a pesar de que la pionera había supuesto un gran éxito de taquilla. La segunda se tituló ‘Mortadelo y Filemón. Misión: salvar la Tierra’ (2008) y no fue mal, aunque no igualó el monto de ingresos de su predecesora. Entretanto, Fesser coescribió junto con su hermano Guillermo, quien la dirigiría, el guion de ‘Cándida’, el retrato de una mujer real a través de una historia ficticia, que me suscitó la pregunta de si nos reíamos con o de ella, y se encargó de ‘Camino’, la historia de una niña enferma y la reacción de su madre del Opus y su sometido padre, que encontré tan buena como dura.

Javier Fesser vuelve a la dirección con la tercera entrega, que llevará por título ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’. El guion, del propio Fesser, Cristóbal Ruiz y Claro García, nos llevará hasta los agentes de la TIA, cuando tengan que vérselas con un supergamberro, Jimmy el Cachondo, que ha lanzado el mayor ataque criminal contra la estabilidad mundial: un ataque de risa que ha hecho que la guasa y la risa floja se haya apoderado de las instituciones, de la banca, de los ministerios, de las fábricas, de los colegios y de toda la sociedad, con el consiguiente caos. Vamos, como el chiste de los Monty Python que solo contaban en alemán, pues quien lo escuchase en su idioma, moriría de la risa.

En vez de en imagen real, esta tercera cinta se hará en animación estereoscópica en 3D, de la que se encargará Ilion Animation Studios, creadora del éxito internacional ‘Planet 51’. Por lo tanto, para encarnar a los personajes creados por Francisco Ibáñez –en la fotografía, junto con Javier Fesser– no se contará con Pepe Viyuela, quien dio vida a Filemón Pi en las dos primeras, ni con Benito Pocino, que hizo de Mortadelo en la primera, o Eduardo Soto, quien retomó ese papel en la segunda. Quizá lo que sí presten estos actores sea sus voces. Veremos qué tal le sienta el cambio de formato.

Vía | Cine por la Red.

'Shadow of the Colossus' será una realidad de la mano de Josh Trank ('Chronicle')

Jesús León — Thu, 24 May 2012 09:09:42 GMT

Los más aficionados a los videojuegos ya están lanzando vítores y aplaudiendo (o no). ‘Shadow of the Collossus’, considerado uno de los mejores videojuegos llegará al cine de la mano de Josh Trank, el director de ‘Chronicle’. Parece una decisión coherente por parte de Sony Pictures que ha encargado a este joven talento la nada fácil realización de esta adaptación.

La historia saltará pues desde la PlayStation 2, donde ha cosechado un éxito tremendo, hasta la gran pantalla (de cine, que ahora que hay puntualizar dado el tamaño de muchos televisores actuales), con ciertas garantías. Johs Trank ya ha demostrado lo que es capaz de hacer con ‘Chronicle’ con un presupuesto limitado y con una inspirada realización. Por cierto, que se involucra de lleno puesto que podría ser el encargado de escribir la adaptación, aunque ahora mismo parece que se está buscando guionista.

En cualquier caso nada fácil esta tarea para Trank, al que le llueven los proyectos y se ha convertido en una de las grandes promesas de Hollywood, y más si tenemos en cuenta que la estructura de ‘Shadow of the Colossus’ (obra de Fumito Ueda) apenas cuenta con diálogos. Si duda, uno de esos proyectos que hay que seguir de cerca.

Vía | Deadline

En Vida Extra | Pánico y terror. La película de ‘Shadow of the Colossus’ en camino

Cannes 2012 | 'On the Road' se queda en una bonita superficie, 'Holy Motors' es una estimulante rareza

Juan Luis Caviaro — Wed, 23 May 2012 20:32:46 GMT

Si ayer fue el día de Brad Pitt, hoy lo ha sido de Kristen Stewart. La estrella de la saga ‘Crepúsculo’, para algunos una prometedora actriz (yo la encuentro bastante limitada aunque es joven y valiente, puede mejorar), es una de las protagonistas de ‘On the Road’, lo nuevo de Walter Salles y uno de los 22 títulos que compiten este año por la Palma de Oro. La han acompañado el director y otros famosos compañeros de reparto, como Viggo Mortensen, pero la chica ha sido la más buscada por los medios en esta octava jornada del festival de Cannes. Otra visita que ha despertado mucha expectación ha sido la de la cantante Kylie Minogue, que tiene un breve papel en ‘Holy Motors’, el último trabajo de Leos Carax, también en la sección oficial.

‘On the Road’

Una de las películas más esperadas de la 65ª edición del festival (que me está pareciendo más flojo que el año pasado) era la adaptación largamente gestada de la obra cumbre de la Generación Beat, ‘On the Road’, escrita por Jack Kerouac y editada en España bajo el título de ‘En el camino’. Francis Ford Coppola y su hijo Roman figuran entre los productores del film, dirigido por Salles a partir de un guion de Jose Rivera; Gustavo Santaolalla pone la música y el reparto es espectacular (aunque algunos actores tienen poca participación). La historia gira en torno a Sal Paradise (seudónimo de Kerouac), un joven neoyorquino aspirante a escritor que tras la muerte de su padre conoce al impulsivo y carismático Dean Moriarty (en realidad, Neal Cassady). Juntos emprenderán un viaje en busca de libertad, diversión y experiencia que cambiará sus vidas, y que Sal usará como base para su primer libro. 55 años después de su publicación, nos llega la versión cinematográfica del influyente texto; por las reacciones del pase de prensa y lo que he estado oyendo por aquí, en el Palais, la sensación general es de decepción. Personalmente no me he llevado ningún chasco, es un relato muy cuidado visualmente, entretenido en su mayor parte y con buenas interpretaciones. No esperaba otra cosa viniendo del realizador brasileño.

Salles se confiesa como un gran admirador del libro ‘On the Road’ y ha tratado de ser lo más fiel posible, buscando las localizaciones auténticas e incluyendo líneas escritas por Kerouac tanto con voz en off como escritas en la pantalla. El resultado es una adaptación plana y superficial, que no se adentra en las emociones y el punto de vista poético de las vivencias de Sal. No explotar la imagen, no busca metáforas, opta por lo fácil, agarrarse al texto. Así que cuenta lo que ocurre, expone lo exterior, y lo hace con delicadeza y corrección, pero no consigue plasmar el espíritu, el interior. La más humilde ‘Howl’ triunfaba donde esta fracasa. También tropieza el director con el ritmo de la película, haciéndose difícil de seguir con interés todo el último tramo. En parte es culpa de su desacierto con el punto de vista, enfoca a demasiados personajes y le queda una narración fragmentada, descompensada, en lugar de mantenerse cerca del protagonista, pegarse a su mirada y su modo de captar el mundo. Se trataba, creo yo, de poner en imágenes las intensas experiencias y reflexiones de un individuo, una visión inspiradora de la vida, pero lo que hay es una sucesión de hermosas postales (Eric Gautier firma la fotografía) con muchachos guapos disfrutando del alcohol, las drogas y el sexo.

Algo que llama la atención, de manera positiva, es el tratamiento de las escenas sexuales. Están filmadas con sensibilidad e interpretadas de manera honesta y atrevida; sorprende ver a Kristen Stewart desnuda en varias ocasiones o protagonizando una morbosa escena de masturbación doble (a lo ‘Novecento’), no creo que muchas actrices con su edad y su estatus aceptaran cruzar ese umbral. Sam Riley no me convence como Sal/Jack, está algo desconectado y posa demasiado, pero tampoco le ayuda la puesta en escena Salles, poco inspirado reflejando la labor creativa del escritor (mejor tratada en la adaptación de ‘El almuerzo desnudo’, otro clásico “beat” llevado al cine por Cronenberg). Garrett Hedlund fue otra buena decisión de casting, su interpretación es entregada y auténtica, nada que ver con su papel en la hueca ‘Tron: Legacy’. Terrence Howard, Kirsten Dunst, Amy Adams, Steve Buscemi (tiene una de esas escenas que se quedan grabadas), Alice Braga y Viggo Mortensen (en la piel de William S. Burroughs) se dejan ver brevemente por la pantalla, enriqueciendo con su presencia y talento una película con mucho esfuerzo y muy buenas intenciones, pero carente de coraje e ingenio. No logra su objetivo y no se merece estar en el palmarés.

‘Holy Motors’

El nuevo trabajo de Leos Carax es totalmente diferente a ‘On the Road’. De hecho, no se parece a casi nada que yo recuerde, aunque me viene a la mente el cine más experimental de Takeshi Kitano, con ese humor del absurdo. Cuenta el realizador francés que ‘Holy Motors’ nació como consecuencia del fracaso de varios proyectos, y es que su último largometraje, ‘Pola X’, se estrenó hace ya trece años (también fue seleccionada para competir en Cannes). Al parecer, la producción de ‘Tokyo!’, para la que dirigió un segmento (el personaje protagonista, señor Mierda, vuelve a aparecer aquí), le animó a realizar su quinto largometraje, que es una especie de cajón de sastre, una mezcla de ideas e imágenes de muy diversa índole. Hay, por ejemplo, una escena de sexo entre dos criaturas monstruosas animadas. Y no es lo más raro del film. No hay una trama corriente; un hombre, al que interpreta Denis Lavant, va participando en una serie de escenarios, sin aparente sentido ni orden, adoptando siempre una nueva identidad. La sensación de desconcierto se mantiene durante toda la película, que siempre gira hacia lo inesperado cuando uno cree que ya sabe lo que está pasando. Hay alguna pieza poco inspirada, y creo que sobra metraje, pero el conjunto es muy divertido y estimulante.

‘Holy Motors’ comienza con la imagen de un público dormido, o quizá muerto, en sus butacas. ¿Una crítica al acomodado espectador, una divertida amenaza, o simplemente algo sugerente y enigmático? Las preguntas solo acaban de empezar, y la mayoría no van a recibir respuesta, solo caben conjeturas, y la opción más acertada (pienso yo) es dejarse llevar sin buscar explicaciones, a ver qué pasa y qué se siente, qué queda. En la misma secuencia inicial, un prólogo, vemos al propio realizador en la pantalla, como un hombre que acaba de despertar en mitad de la noche y descubre una puerta escondida en la pared (una idea sacada de Kafka); al atravesarla, Carax llega a la sala que habíamos visto antes, con esos cuerpos desprovistos de vida. Tras esta misteriosa apertura, con cierto sabor a David Lynch, se nos presenta a Oscar (Lavant) saliendo de casa para ir al trabajo. Sube a una limusina y su chófer/secretaria le comunica que tiene programadas nueve citas. Ha leído informes y hablado con alguien por teléfono sobre cifras, y da la impresión de tener mucho dinero, así que la sorpresa es mayúscula cuando Oscar sale del vehículo disfrazado como un anciano mendigo, pidiendo monedas en la calle. Hasta once personas diferentes serán encarnadas por Oscar.

Uno de los escenarios es un oscuro estudio de grabación donde Oscar da vida a un actor al que capturan sus movimientos. En un momento dado, dispara a una pantalla verde subido a una cinta de correr cuya velocidad va en aumento. Carax ha comparado esta escena con esa famosa de ‘Tiempos modernos’ en la que Chaplin queda atrapado entre los engranajes de la maquinaria que opera. Solo que la enorme maquinaria ha ido dejando paso a lo virtual, donde igualmente el trabajador puede quedar enredado y alienado. Según el autor, las grandes máquinas (como esa limusina/camerino donde se originan las transformaciones del protagonista) no son las únicas que están siendo sustituidas, también los seres humanos (nuestras emociones, nuestras relaciones) y los animales; a estas entidades se refiere con el título de ‘Holy Motors’ (“motores sagrados”). Nos pregunta quién es y dónde queda el hogar del hombre (¿dentro del ordenador?, plantea Carax en una entrevista). Temas como la identidad, la vida, el arte y la fantasía (aquí entraría el cine) son tratados en esta singular y valiente película, con un protagonista que no sabría decir si es un alma, un intérprete o simplemente alguien que muestra un abanico de posibles alter egos. Quizá valga cualquier interpretación.

Encuesta de la semana | Los psicópatas en el cine (y II) | Resultados

Mikel Zorrilla — Wed, 23 May 2012 18:21:01 GMT

Ha llegado la hora de concluir mis encuestas dedicadas a la figura del psicópata en el cine. A principios de mes pudisteis ver los resultados de la primera de ellas, en la cual os pregunté acerca de la mejor película, vuestro psicópata favorito y el mejor subgénero centrado en este tipo de personaje, y hoy toca informaros sobre vuestras elecciones en la segunda encuesta que os planteé la semana pasada. Esta vez teníais que elegir cuál creíais que era la mejor saga, quién era el director que mejor había sabido retratar al psicópata en el cine y cuál era vuestra película favorita que adaptase un caso real. Sin más que añadir, os dejo con los resultados.

Mejor saga

- Paliza indiscutible en esta categoría, ya que ‘El Silencio de los Corderos’ más ‘Hannibal’ y ‘El dragón rojo’ se ha llevado el 54% de vuestros votos. Hay que bajar un 40% de nada para encontrar a otra de las opciones, en este caso la saga ‘Saw’, en una elección que me ha sorprendido un tanto, pero imagino que ser la más moderna de todas algo habrá ayudado. La que ocupa el tercer puesto ha tenido que conformarse con un 9% de vuestros sufragios, y se trata de ‘Pesadilla en Elm Street’ y sus secuelas.

- En última posición se produce un doble empate con 49 votos entre las sagas de ‘Muñeco Diabólico’ y ‘Viernes 13’, aunque con sólo cinco votos más encontramos la franquicia de ‘Psicosis’ y con sólo un voto más la de ‘La noche de Halloween’. Entre las elecciones libres conviene destacar opciones como ‘Zapatero’, ‘En busca del valle encantado’, ‘A todo gas’, ‘Mario Casas y secuelas’, ‘Sálvame deluxe’, ‘Rambo’ y ‘Sólo Torrente ha conseguido dar miedo en todas las películas de la saga’.

Mejor director

- Esta ha sido la categoría más igualada de todas, ya que apenas 160 votos han separado al ganador de la persona que se ha tenido que contentar con un honroso segundo puesto. ¿Y quién es el ganador? Pues nada más y nada menos que Alfred Hitchcock con casi un 40% de vuestros votos, mientras que justo después de él encontramos a David Fincher. En tercer lugar, prácticamente con la mitad de votos que Fincher, tenemos a Wes Craven, al que seguro que ha ayudado mucho el hecho de ser el creador del fascinante Freddy Krueger (no tengo problema en decir que es mi psicópata cinematográfico favorito por mucho que vosotros lo relegarais a la tercera posición). Sólo hay otro realizador que ha conseguido superar los 100 votos, y no es otro que Brian De Palma, el cual durante mucho tiempo tuvo fama de ser un “plagiador” de nuestro merecido vencedor en esta categoría.

- En la faceta negativa hay que destacar que Richard Fleischer tan sólo ha conseguido 14 votos, lo cual ha hecho que casi haya superado por otro director que no incluí en el listado al pensar que sólo una de sus películas se ajustaba convenientemente al tema en cuestión (recordad que comenté en su momento que los que puse fue pensando que tuviesen al menos un par de títulos): John Carpenter, que ha conseguido 10 de vuestros votos. Entre los votos originales destacan estas elecciones vuestras: ‘Mi pene en tu boca’ y ‘Zapatero’.

Mejor adaptación de un caso real

- Esta también ha sido una categoría con poca emoción, ya que ‘Zodiac’ se ha llevado el 49% de vuestros votos, dejando en ridículo el 12% de ‘Monster’ (sorprendente como poco) y el 8% de ‘M, el vampiro de Dusseldorf’.

- Aquí lo más destacable son las opciones que quedan en mal lugar, ya que ‘Deranged’ apenas ha conseguido 7 votos (me da que en este caso ha ayudado mucho que sea una cinta poco conocida), por 8 de ‘El estrangulador de Rillington Place’, mientras que a ‘Los asesinos de la Luna de Miel’ no les ha ido mucho mejor al conseguir 18 de vuestros votos. En esta categoría también os habéis esforzado con vuestras elecciones originales con cosas como “Atrapa un millón (protagonizado por Iñaki Urdangarin)”, “Mi madre al entrar en mi habitación”, “Jugoso pero sabroso”, “El vídeo de mi primera comunión”, ‘Verano azul’ y Zapatero (sí, la misma persona votó a Zapatero en las tres categorías).

Eso ha sido todo. La próxima semana será mi compañero Juan Luis el que os proponga una nueva encuesta, así que de mientras podéis ir comentando los resultados que acabo de comentaros.

James McAvoy y Jessica Chastain en 'The Disappearance of Eleanor Rigby'

Beatriz Maldivia — Wed, 23 May 2012 13:09:30 GMT

En realidad, el titular de esta noticia, debería rezar “James McAvoy y Jessica Chastain en ‘The Disappearance of Eleanor Rigby: His’ y ‘The Disappearance of Eleanor Rigby: Hers’“, ya que el proyecto del que estamos hablando constará de dos películas que cuenten la misma historia desde dos puntos de vista, el de él (his) y el de ella (hers). Ned Benson es el valiente que se ha atrevido a proponer una aventura tan arriesgada en una época en la que los riesgos se toman menos que la tensión en todas partes, Hollywood incluido. Escribió los dos guiones y ahora debutará tras el megáfono dirigiendo ambos films.

En un primer momento, se anunció que Joel Edgerton tomaría el papel del marido y que Jessica Chastain interpretaría a la mujer. Mientras ella sigue incluida en el reparto, a él lo sustituye desde ahora James McAvoy, lo cual me parece una excelente noticia, ya que lo considero un actor con mucho que aportar. William Hurt podría tener otro papel.

Sobre el argumento nos han adelantado solo que la pareja sufrirá un revés cuando la esposa resuelva regresar a la universidad, lo que descoloca los esquemas del marido, dueño de un restaurante en Nueva York. Con tan poco cuesta imaginarse que vaya a ser interesante, más allá de la cuestión de los dos puntos de vista, que no sé si tendrá gracia ver en dos películas separadas o si sería más satisfactorio percibir de manera intercalada o, al menos, a continuación –las dobles sesiones dudo que se toleren hoy en día–. Como estrategia comercial, me parece una buena idea, aunque espero que acabe siendo algo más que eso.

El director de Myriad Pictures, Kirk D’Amico, ha declarado que: “Ned ha creado unos personajes ricos, atrayentes y complejos. Resulta único tener dos guiones distintos que cuenten la misma historia. No importa cuál te leas antes, sin duda querrás leer la otra perspectiva. Queremos que ambos films funcionen por sí mismos, tanto por los distribuidores como por los espectadores. Juntas, las dos películas supondrán una mirada más completa sobre los personajes y sus vidas”.

La relación con la canción de los Beatles, Eleanor Rigby, se está manteniendo como una incógnita, pero me imagino que la letra de Paul McCartney sobre la soledad tendrá algo que ver o quizá la canción formaba parte de las vidas de esta pareja y el verso el que se menciona la muerte de la protagonista les marca de alguna manera.

Vía | The Hollywood Reporter.

'The Great Gatsby', cartel y primer tráiler de la nueva película de Baz Luhrmann

Mikel Zorrilla — Wed, 23 May 2012 10:06:52 GMT

No sé si recordaréis que a mediados de diciembre del año pasado os traje las primeras imágenes de ‘The Great Gatsby’. Por si hay quien no lo tenga fresco en la memoria, esta nueva versión (ya existe otra muy afamada de 1974 y protagonizada por Robert Redford y Mia Farrow) del libro de F. Scott Fitzgerald tiene como director a Baz Luhrmann, el cual conoció la gloria hace más de una década con ‘Moulin Rouge’ para luego estrellarse con estrépito años después con ‘Australia’. Ahora al fin podemos ver el primer cartel (algo feo) y el tráiler, el cual nos retrotrae bastante a su éxito protagonizado por Ewan McGregor y Nicole Kidman.

La historia de la película es la siguiente: Persiguiendo el sueño americano, Nick es un escritor que llega a Nueva York en la primavera de 1922, donde conoce al millonario Jay Gatsby, su prima Daisy y a Tom, el marido de ella. Nick pronto descubrirá el engañoso mundo de los ricos de la ciudad, como que Gatsby, un millonario que lo ha conseguido por méritos propios, está enamorado de Daisy, la cual decidió no esperarle en su momento y se casó con Tom. En el reparto de ‘The Great Gatsby’ encontraremos a Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan, Tobey Maguire, Joel Edgerton, Isla Fisher, Jason Clarke, Elizabeth Debicki y Amitabh Bachchan. Vamos, un reparto de lujo.

La película llegará a los cines de USA el próximo 25 de diciembre, mismo día en el que llegará a los cines españoles. Os recuerdo que también podrá verse en 3D, imagino que siendo éste uno de los motivos de que su presupuesto se haya disparado hasta los 127 millones de dólares.

Vía | Collider

Cannes 2012 | Dominik cautiva con 'Killing Them Softly', Loach alegra con 'The Angels´ Share'

Juan Luis Caviaro — Tue, 22 May 2012 18:57:27 GMT

Hoy en Cannes ha sido el día de Brad Pitt. Han pasado famosos por la Croisette que generaron mucha expectación (Bruce Willis, Marion Cotillard, Jessica Chastain, Tom Hardy…) pero esto es diferente. ¡Incluso dejó de llover! La estrella ha vuelto al certamen un año después de presentar ‘El árbol de la vida’ como protagonista de ‘Killing Them Soflty’, una de las veintidós que compiten por la Palma de Oro. Otro título de la sección oficial que se ha presentado en esta séptima jornada del festival es ‘The Angel´s Share’, lo nuevo de Ken Loach. La primera golpea con fuerza, la segunda deja de buen humor.

‘Killing Them Softly’

América no es un país, es un negocio.

(Jackie Cogan)

La sinopsis oficial no le prepara a uno para ver ‘Killing Them Softly’, adaptación de una novela de George V. Higgins y tercer largometraje del neozelandés Andrew Dominik, que compite por primera vez en Cannes. La premisa con la que se vende el film (antes conocido como ‘Cogan´s Trade’) nos habla de una partida de póker ilegal interrumpida por dos ladrones de poca monta, que se llevan un importante botín; la mafia contrata entonces a Jackie Cogan (Pitt, en su segunda colaboración con Dominik) para que resuelva la situación y castigue a los responsables. Lo que vemos en pantalla recuerda inevitablemente a recientes historias criminales, como las dirigidas por Quentin Tarantino, Guy Ritchie o los hermanos Coen, con peculiares personajes que hablan mucho o meten la pata por robar a quien no debían, a lo que hay que sumar la amargura y la cuidada estética de ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’ (anterior trabajo del realizador). Pero una parte fundamental de la película, e inesperada, es el valiente y descarnado retrato de Estados Unidos, revelando un país empobrecido en todos los sentidos por la crisis del capitalismo, un lugar podrido lleno de hipócritas, salvajes, cobardes y drogadictos donde lo único que importa es el dinero. No es perfecta, pero sí una de las películas más potentes de los últimos años.

Es muy jugoso el principio de la película, vemos a alguien atravesar un túnel mientras se oye un discurso de Barack Obama supuestamente alentador y profundo, pero su voz se corta repetidamente para insertar los créditos, incluyendo en la arenga la palabra “killing” (“matar”) del título; de hecho, se establece una relación entre los oscuros asuntos de Cogan y la recuperación de la economía (en ambos casos se destaca la importancia de “recuperar la confianza”). La cámara sigue al personaje del túnel y vemos que detrás de él hay dos enormes pancartas electorales de los aspirantes a la Casa Blanca en 2008, John McCain y Obama, donde se puede leer claramente la palabra “hope” (“esperanza”). Dominik no tiene piedad con el llamado país de las oportunidades, donde la persona más coherente y lúcida es un eficaz y descreído pistolero, un asesino a sueldo de la mafia que dispara a sus víctimas a cierta distancia, para no dar lugar a sentimentalismos baratos. Son sustanciosas las conversaciones que va manteniendo a lo largo de la película con matones, ladrones y estafadores, quedando claro lo diferente que es el del resto. Le acusa de cinismo el tipo que le paga para matar, el mismo que se molesta cuando Cogan fuma en su presencia.

Otra sorpresa que se lleva uno con ‘Killing Them Soflty’ está relacionada con el reparto. Sam Shepard apenas interviene en una escena donde suelta un par de líneas y Ray Liotta y James Gandolfini cuentan con pocos minutos. Así que la mayor parte de la película queda en manos de Brad Pitt (a quien se le empieza a notar la edad), Richard Jenkins, Scoot McNairy y Ben Mendelsohn. Todos están impecables; Pitt impone y me ha encantado el trabajo de Mendelsohn, cuyo nombre no volveré a olvidar (ya destacaba en ‘Animal Kingdom’). Tampoco esperaba que la película fuese a resultarme corta (quizá por el recuerdo que tengo de la segunda película de Dominik). La trama es muy sencilla, supongo que para dar importancia a los diálogos (algunos hilarantes), y ni los asaltantes de la partida de póker ni Cogan encuentran grandes obstáculos durante sus misiones (¿un dardo a la sociedad resignada?). No faltan las escenas violentas y sangrientas, hay pocas pero son contundentes y visualmente llamativas. Una de ellas pretende ser muy espectacular, a cámara lenta; es la que menos me ha gustado aunque entiendo el propósito. Me quedo con las otras, más rápidas y auténticas. No me atrevería a decir si el film estaré en el palmarés pero sí que es bastante mejor, más arriesgada y estimulante, que ‘Lawless’, otro relato criminal de la sección oficial.

‘The Angels´ Share’

No sé cuántos, pero la mayoría de los acreditados tenemos reservado un espacio en un casillero donde van dejando hojas informativas y folletos con notas de producción de las películas que se van proyectando. Algunos de estos materiales están muy cuidados, son pequeños cuadernos con entrevistas al equipo y fotos del rodaje. Son muy útiles para el trabajo que hacemos aquí, sobre todo con estas lamentables ruedas de prensa… El cuadernillo de ‘The Angels´ Share’ es de los más completos que he tenido en mis manos. En él explican tanto el director Ken Loach como el guionista Paul Laverty que tras su último film, ‘Route Irish’ (2010; seleccionado para competición en Cannes), deseaban probar con una historia de tono diferente, más cómica. Asimismo, Loach deseaba volver a relatos como ‘Kes’ (1969) o ‘Sweet Sixteen’ (2002), y eligió el tema del alarmante aumento del paro entre los jóvenes británicos. Cuenta el veterano realizador (ganador de la Palma de Oro en 2006 con ‘El viento que agita la cebada’) que quería plasmar la realidad de unos muchachos a los que acusan de vivir de los subsidios del gobierno, condicionados por el lugar en el que nacen y crecen, debiendo afrontar un futuro sin empleo. La misma triste realidad que en nuestro país.

Pero ‘The Angels´ Share’ no es un drama, como ya he dicho, aunque refleje situaciones dramáticas. De hecho, más bien es lo que se etiqueta como una “feel-good movie”, una historia optimista que deja de buen humor. La película comienza provocando carcajadas, antes de presentarnos al protagonista, Robbie, a quien encarna el debutante Paul Brannigan, un auténtico chico de la calle con un pasado delictivo. Robbie se salva de milagro de volver a la cárcel por otra pelea, gracias a que pronto será padre, debiendo pagar su delito con horas de servicio social. Durante el tiempo de trabajo hace buenas migas con un generoso mentor que le introduce en el arte de la degustación de whisky y el negocio que le rodea. Así es como descubre el dineral que algunos están dispuestos a pagar por un barril de calidad, y con la ayuda de tres nuevos amigos (en su misma precaria situación) trazará un plan que puede solucionarles la vida, al menos por un tiempo…

A diferencia de otros cineastas preocupados por llamar la atención con el acabado visual, lo que interesa a Ken Loach es contar una historia con unos personajes que resulten realistas, evitando distracciones que otros considerarían necesarias para expresarse artísticamente. Son diferentes maneras de hacer cine. El riesgo en el caso de Loach es que depende demasiado del guion, y si éste no es muy bueno, le quedará una película floja, donde “solo” destacará su experiencia como realizador y su talento para motivar a los actores. A ‘The Angels´ Share’ le pasa un poco esto. No es el mejor trabajo de Laverty, ni mucho menos, y toda la trama seria del film, relacionada con las raíces de Robbie, está muy vista, es previsible y convencional (aunque bien filmada, conste). Lo más destacado, por tanto, son los chispazos de humor que animan el relato, el oficio como narrador de Loach y el reparto, del que sobresalen Brannigan, John Henshaw y Gary Maitland, que da vida al personaje más excéntrico, ingenuo y divertido, con esas gafas que recuerdan a Mortadelo. Es demasiado ligera para conseguir un galardón importante en este festival pero consigue su propósito y estoy convencido de que tendrá éxito allá donde se estrene.

'Star Wars' será el tema de un concurso de fotografía organizado por el Festival de Alicante

Beatriz Maldivia — Tue, 22 May 2012 16:44:41 GMT

Entre el 2 y el 9 de junio tendrá lugar la IX edición del Festival de Cine de Alicante, que entregará sendos premios de honor “ciudad de Alicante” a Ángela Molina y a Mario Casas y donde Asunción Balaguer será galardonada con el Premio “A toda una vida”. A concurso participarán los largometrajes ‘Del lado del verano’, de Antonia San Juan; ‘Las nornas’, de Fernando Javier Muñez; ‘La senda’, de Miguel Ángel Toledo; ‘Muertos de amor’, de Mikel Aguirresarobe, y ‘En fuera de juego’, de David Marqués.

El género protagonista de este año es la ciencia ficción, por ello se proyectarán películas como ‘La guerra de los mundos’, ‘Avatar’, ‘Metrópolis’, ‘Star Trek’, ‘Alien, el octavo pasajero’, etc… Las proyecciones se acompañarán de un peculiar concurso de fotografía relacionado con una de las cintas del género fantástico y de ficción científica más míticas para mi generación y las subsiguientes: ‘La guerra de las galaxias’. El concurso, que lleva por título ‘Mi mundo Star Wars’, aceptará imágenes que contengan algún motivo relacionado con esta doble trilogía. Los participantes del concurso deberán ser mayores de edad y podrán presentar sus creaciones hasta el próximo 30 de mayo. El jurado decidirá cuál es la más creativa y lo anunciará el 31 de mayo.

Las fotografías deberán ser enviadas con un título identificativo a esta dirección, además de estar acompañadas por el nombre, apellidos, email y teléfono de contacto del creador de la fotografía, que deberá ser única y original. Asimismo, los participantes deberán subir su fotografía en el perfil oficial de facebook del Festival de Cine de Alicante. El ganador o la ganadora recibirá como premio una invitación para asistir a la gala de inauguración del certamen cinematográfico, que se celebrará el próximo 2 de junio en el ADDA a las 21.30 horas. Además, obtendrá dos camisetas oficiales del Festival y una invitación para acudir a un parque temático de atracciones en Benidorm.

El premio no es que vaya a sacar a nadie de pobre, como se suele decir. Pero participar puede resultar divertido para los más aficionados a la saga, que pondrán a prueba su imaginación para demostrar que nadie los gana cuando se trata de tener ideas que se refieran a estas películas. Si subís alguna, ya nos avisaréis en comentarios para que las veamos y os demos nuestra opinión.

Vía | Festival de Alicante.

'The Master', primer tráiler de lo nuevo de Paul Thomas Anderson

Juan Luis Caviaro — Tue, 22 May 2012 13:27:24 GMT

Aprovechando que tengo un rato libre os traigo el teaser o primer tráiler de ‘The Master’, el interesantísimo nuevo trabajo de Paul Thomas Anderson, que a muchos nos habría encantado poder ver en el festival de Cannes. No pudo ser y de momento toca esperar por lo menos hasta el mes de octubre, fecha en la que el film se estrenará en Estados Unidos.

El año pasado os hablé del rodaje de ‘The Master’, y os comenté que la historia estaría ambientada en los años 50, centrándose en la relación entre el carismático líder de una comunidad religiosa y su hombre de confianza, alguien que iba dando tumbos por la vida antes de conocer al “maestro”. Philip Seymour Hoffman, Joaquin Phoenix, Amy Adams, Laura Dern, Rami Malek y Jesse Plemons encabezan el llamativo reparto de la película, si bien el avance está protagonizado únicamente por Phoenix, al que como de costumbre se le ve muy entregado. Han pasado cinco años desde el estreno de lo último de P.T. Anderson, ‘There Will Be Blood (Pozos de ambición)’, ¿esperáis con ilusión su sexto largometraje o no os interesa la obra de este cineasta?

PD: Es la primera vez que Anderson no ha contado con la fotografía de Robert Elswit (ocupado con ‘El legado de Bourne’). Mihai Malaimare Jr. ha sido su nuevo colaborador.

'Men In Black 3', la película

Mikel Zorrilla — Tue, 22 May 2012 10:55:20 GMT

Los Hombres de Negro están de vuelta. La cuestión si realmente había suficiente gente que los echase de menos como para justificar su regreso con ‘Men In Black 3’. Si nos limitamos a lo puramente económico sí que encontramos razones más o menos convincentes: ‘Men in Black’ costó apenas 90 millones de dólares en 1997 y recaudó la friolera de 589, mientras que cinco después su secuela tuvo un presupuesto de 140 para acabar ingresando 441 como taquillaje mundial. El problema es que las opiniones sobre ‘Men In Black 2’ fueron bastante negativas, por lo que la gran mayoría dábamos por muerta la franquicia hasta la aparición algún día del reboot (o la creación de una nueva como sucedió recientemente, aunque fuese por parte de otra productora, con ‘Los Juegos del Hambre’), y creo que pocos iban a llorar la desaparición de una saga que empezó como un buen divertimento para acabar degenerando en una mamarrachada. Sin embargo, Sony confirmó en abril de 2009 la preparación de una nueva entrega sobre estos peculiares agentes gubernamentales.

Eso sí, Sony no ha escatimado en gastos para intentar satisfacer a los fans de la saga, ya que Barry Sonnenfeld repite en la dirección y tanto Will Smith como Tommy Lee Jones vuelven a interpretar a los agentes J y K (aunque Josh Brolin dará vida al segundo en sus años más mozos). Eso sí, parece que la reunión del trío ha sido un tanto problemática, porque son varios los rumores que apuntan a una actitud un poco de diva por parte del protagonista de ‘Soy Leyenda’, la cual presuntamente se tradujo en un aumento considerable del presupuesto, el cual parece ser que ronda los 215 millones de dólares. Una auténtica barbaridad para una película que la gran mayoría de la gente mira con recelo. El hecho de que hayan estado cambiando constantemente el guión, incluso durante pleno rodaje, no ayuda a tener confianza en esta tercera entrega que llega a los cines de gran parte del mundo este próximo viernes 25 de mayo.

La historia de ‘Men In Black 3’ (Hombres de Negro 3)

Los agentes J (Will Smith) y K (Tommy Lee Jones) vuelven al pasado. En sus 15 años de servicio, el agente J ha visto muchas cosas inexplicables, pero nada, ni siquiera los extraterrestres, le produce tanta perplejidad como su irónico y poco comunicativo compañero, el agente K. Cuando el destino del planeta y la vida del agente K son puestos en peligro, el agente J tendrá que hacer un viaje al pasado para reconducir las cosas. El agente J descubre secretos del Universo que K nunca le contó, secretos que se irán revelando en su alianza con un joven agente K (Josh Brolin), para salvar a su compañero, la agencia y el futuro de la humanidad.

El director

Barry Sonnenfeld comenzó su carrera en el mundo el cine como director de fotografía, donde se ganó una buena reputación, en especial por sus trabajos para películas de los hermanos Coen como ‘Muerte entre las flores’. Su salto a la dirección se produjo en 1991 con la exitosa adaptación cinematográfica de ‘La familia Addams’, aunque no fue hasta el estreno de ‘Men In Black’, su quinta película, que realmente se asentó como un buen realizador comercial. Por desgracia, eso duró poco, ya que su reputación fue puesta en tela de juicio tras el estreno de ese despropósito titulado ‘Wild Wild West’ (un Razzie se llevó para casa por esta película), donde se pretendía replicar el éxito de la primera entrega de los hombres de negro, algo que tampoco terminó de conseguir con la segunda entrega. Posteriormente apenas rodó un par de comedietas de escasa categoría y llevaba desde el 2006 sin estrenar ningún largometraje. Es cierto que ha aprovechado ese tiempo para rodar varios episodios de producciones televisivas, llegando a ganar un Emmy por su participación en ‘Criando Malvas’. Habrá que ver si su paso por la pequeña pantalla le ha permitido recobrar la confianza y dar lo mejor de sí en ‘Men In Black 3’.

El reparto

Will Smith es uno de los intérpretes más poderosos de Hollywood, pero lo cierto es que llevaba un tiempo algo desaparecido, ya que no estrenaba una película desde ‘Siete Almas’, la cual llegó a España a principios de 2009. Y es que 3 años en el cine son una auténtica barbaridad, sobre todo para alguien que aún está en edad de ser un gran héroe de acción. Sin embargo, Smith no ha estado siempre en la cima del cine, ya que su carrera comenzó en la televisión como el protagonista de ‘El príncipe de Bel-Air’, simpática sitcom que se alargó durante seis temporadas. No obstante, ya antes de que acabase la serie, Smith ya empezó a despuntar en el mundo del cine con el estreno de ‘Dos policías rebeldes’, coincidiendo la finalización de ‘El príncipe de Bel-Air’ con el estreno de ‘Independence Day’, la cual terminó de catapultarlo al estrellato. Un año después llegaría ‘Men In Black’, y en 1998 su gran éxito fue ‘Enemigo Público’, una entretenida variante de ‘Con la muerte en los talones’. Desde entonces ha tenido una carrera variada y no muy abundante, ya que era raro verle en más de una película al año, estrenando títulos tan variopintos como ‘Wild Wild West’, ‘Ali’ (por la que consiguió su primera nominación al Oscar) o ‘Yo, robot’. Puede gustar o no (negar que es carismático sería un disparate propio de alguien poco inteligente), pero sí ha sabido establecerse en Hollywood y mantener dicho status a la vez que daba más de sí en papeles de corte dramático.

En la primera entrega de la saga Will Smith aún no estaba tan establecido como gran estrella, mientras que Tommy Lee Jones estaba en la cresta de la ola, ya que aún estaba reciente el Oscar que consiguió por ‘El Fugitivo’, lo cual le sirvió para protagonizar otro blockbusters menores como ‘Volcano’ o ser el Dos Caras de ‘Batman Forever’. Por ello, el protagonismo entre ambos estaba bastante compensado, algo que se aprovechó para sacar partido de lo contrastado de la personalidad de J y K. Sin embargo, la popularidad de Tommy Lee Jones alcanzó su cima con ‘Men In Black’ para luego ir decayendo de forma progresiva. algo a lo que tampoco ayudó que se haya prodigado bastante poco. Ojo, su calidad interpretativa está fuera de toda duda (más de 40 años de sólida carrera son su mejor aval), pero eso y la popularidad son cosas muy diferentes. Quizá por ello, la propia naturaleza de la película fomenta que su presencia sea algo más secundaria en ‘Men In Black 3’, ya que su personaje pasa por dos etapas temporales distintas, y en una de ellas se produce un cambio de actor, siendo Josh Brolin el encargado de interpretarlo. Quizá por su familia (hijo de James Brolin y Barbra Streisand es su madrastra) no lo ha tenido fácil a la hora de asentarse en Hollywood pese a debutar con la exitosa ‘Los Goonies’. Luego se centró en la televisión y en cine fue consiguiendo papeles en diversas películas (‘El hombre sin sombra’ quizá sea la más conocida), pero sin conseguir destacar por sí mismo. Eso cambió tras el estreno de ‘No es país para viejos’, y se reforzó con sus apariciones en cintas como ‘Mi nombre es Harvey Milk’ o ‘Valor de Ley’. No obstante, aún tiene que probar su capacidad para liderar un blockbuster, pues ‘Jonah Hex’ fue un batacazo de mucho cuidado.

Además, son varias las novedades que encontramos en el reparto de ‘Men In Black 3’, entre las que destacan el fichaje de Jemaine Clement para dar vida a Boris, el gran villano de la función. La duda estaba entre que fuese Sacha Baron Cohen o él, uno de los integrantes del dúo de ‘Los Conchords’, pero Clement acabó siendo el elegido. Sorprende ver a Emma Thompson en una cinta de estas características, ya que si bien empezó su carrera como actriz cómica y luego llegó a parecer en esa tontería tan grande que fue ‘Junior’, nunca se ha prodigado en exceso en los blockbusters de Hollywood. De hecho, creo que es el primer caso que recuerdo (y es que la saga Harry Potter es más inglesa que americana). Otros fichajes de la película con Alice Eve, Bill Hader y Michael Stuhlbarg (en un papel inicialmente previsto para Sharlto Copley).

Todos los carteles de la película

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Todos los vídeos de ‘Men In Black 3’

Teaser tráiler en Versión Original

Teaser tráiler en castellano

Tráiler en Versión Original

Tráiler en Castellano

Tráiler final en Castellano

Clip en Castellano

Otra escena de la película en Castellano

Videoclip de ‘Back in Time’, el tema principal de la película

Cannes 2012 | Kiarostami y Resnais hablan de amor en 'Like Someone in Love' y 'Vous n'avez encore rien vu'

Juan Luis Caviaro — Tue, 22 May 2012 08:14:20 GMT

Pasado el ecuador del festival, algunos empezamos a notar el cansancio. Surgen los primeros ronquidos, he visto gente a mi lado durmiendo y se nota en muchas caras la falta de sueño. El estrés y las prisas siguen ahí, con una marcha más. La programación y la organización del certamen tiene gran parte de culpa; por ejemplo, es absurdo que un título de la sección oficial (que todos queremos ver) se proyecte en una sala de unas 400 butacas cuando se dice que hay más de 4.600 acreditados, mientras reservan películas de menor importancia para un cine de más de mil asientos. Y primero entran los que tienen acreditación rosa, luego los azules (mi caso) y por último el resto, que da igual lo que esperen, igual no entran y tienen que volver a hacer cola en el siguiente pase.

El mal tiempo tampoco está ayudando, llueve por tercer día consecutivo aquí en Cannes y los estornudos en las salas son cada vez más habituales (no me parece normal que nos tengan esperando bajo la lluvia en un festival que mueve tanto dinero). Para redondear, personalmente me he encontrado con la desagradable sorpresa de que mi ordenador portátil no quiere arrancar desde hace un par de días. Quizá por un golpe, no sé, los empujones por conseguir un buen asiento son constantes. Por suerte, siempre nos queda el cine, que lo compensa todo. Y en ese sentido no nos podemos quejar. Dos pesos pesados presentaron sus nuevos trabajos en la sexta jornada, el iraní Abbas Kiarostami y el francés Alain Resnais.

‘Like Someone In Love’

Ganador de la Palma de Oro en 1997 con ‘El sabor de las cerezas’, Kiarostami vuelve a Cannes dos años después de ‘Copia certificada’ (premio a la mejor actriz para Juliette Binoche en este certamen) con otra historia ambientada fuera de Irán. Tras su aventura italiana, el prestigioso realizador ambienta su nueva película en Japón, contando con un reparto encabezado por Tadashi Okuno, Rin Takanashi y Ryo Kase. Al parecer, el iraní deseaba filmar en Tokio desde hace una década y durante años fue acumulando ideas de escenas. No es amigo de los guiones cerrados, le gusta improvisar, dejar que fluya la historia, y aunque tuvo que presentar un libreto antes del rodaje no dejó a los actores que lo leyeran entero o que supieran el desenlace; según las notas de producción del film, Kiarostami solo revelaba a los intérpretes lo que iban a hacer el día siguiente, para que no prepararan demasiado el trabajo y quedara espacio para la espontaneidad. El resultado en pantalla es una gozada. Hay veces donde uno se pregunta si realmente es necesario dejar tanto tiempo un plano en el que no sucede nada o ver a un personaje quedarse dormido, pero supongo que es parte de la magia, piezas necesarias que el cineasta emplea para crear la ilusión de autenticidad.

En la primera escena de ‘Someone in Love’ una cámara inmóvil nos muestra a una serie de personajes en un pub y oímos a una joven que permanece fuera del plano. Habla por teléfono, engañando a su interlocutor sobre el lugar en el que se encuentra. Una amiga se sienta delante y le cuenta un chiste que no entiende sobre una pareja de ciempiés. Por fin vemos a la chica cuando va al baño, intercambiando por el camino unas palabras con el que parece ser su jefe. Cuando regresa, alterada y nerviosa por la llamada, recibe el encargo de visitar a un hombre importante, a una hora en coche de allí. Aunque se niega al principio, porque es tarde y tiene otros asuntos personales que atender, no tiene más remedio que aceptar la tarea; mientras se dirige a su destino en taxi escucha los mensajes de voz que le ha ido dejando su abuela a lo largo del día. La mujer ha viajado a Tokio expresamente para ver a su nieta y todavía la espera en la estación. El vehículo pasa de largo; la muchacha seca sus lágrimas y se pinta los labios. Hemos entrado en la vida de esta enigmática persona y poco a poco empezamos a conocer detalles. Apenas unos minutos y Kiarostami tiene al espectador (paciente) en la palma de la mano.

Las sospechas sobre la profesión de la chica se confirman poco después, cuando entra en la casa del ciente, un anciano profesor. Él ha preparado una romántica cena pero ella está exhausta y, tras una breve charla, va directamente a la cama. A la mañana siguiente, él la acompaña a la universidad para hacer un examen y así entra en escena el tercer protagonista del relato, el irascible novio de la joven, con quien hablaba por teléfono la noche anterior. La peculiar puesta en escena (ojo a los reflejos) y los misterios que rodean a los personajes despiertan curiosidad y mantienen el interés en ‘Someone in Love’, un delicioso retrato del ser humano y las relaciones personales. Los actores se comportan con naturalidad, dejándose llevar por los acontecimientos, las conversaciones a veces son vagas pero están construidas con inteligencia para revelar detalles de la trama y retratar a los personajes. Las reacciones son siempre coherentes y realistas, nada se siente forzado. Y aunque los momentos cómicos sobresalen, la historia está cargada de amargura, con personajes miserables en busca de un amor que los rescate.

‘Vous n’avez encore rien vu’

A las 8:30 de la mañana de ayer tuvo lugar el pase de prensa de lo nuevo de Resnais, que aspira por quinta vez a la Palma de Oro tres años después de ‘Las malas hierbas’ (‘Les herbes folles’). ‘Vous n’avez encore rien vu’, que en español sería “No habéis visto nada todavía”, es el título de su último film, y resulta divertido viniendo de un realizador que está cerca de cumplir 90 años. Hubo fuertes aplausos durante los créditos finales pero es probable que la edad y el prestigio de esta leyenda del cine que lleva más de seis décadas trabajando tuviera mucho que ver. No es que no haya gustado por aquí, he oído comentarios entusiastas, pero la reacción general me pareció exagerada, como si el director estuviese en la sala y ésta fuese su despedida. El francés ya ha confirmado que no lo es, que va a seguir dando guerra.

‘Vous n’avez encore rien vu’, o ‘You ain´t seen nothin´ yet’, es una adaptación libre de dos obras de teatro de Jean Anouilh, ‘Eurydice’ y ‘Cher Antoine ou l’amour rate’. Laurent Herbiet y Resnais firman el guion, cuya historia parte de la muerte de un conocido dramaturgo, en cuyo testamento figura una particular petición que reúne a sus mejores amigos. El film arranca con una serie de llamadas telefónicas en las que Mathieu Amalric, Sabine Azéma, Anne Consigny, Pierre Arditi y Lambert Wilson, entre otros (todos interpretándose a sí mismos), son informados y convocados por el secretario del fallecido. Desde el principio se percibe el tono teatral que Resnais desea imprimir al relato, lo que puede descolocar un poco al público que no esté familiarizado con la obra del veterano autor francés, apasionado de la actuación libre y las intensas emociones.

El grupo protagonista se sienta delante de una pantalla donde el dramaturgo explica que los ha llamado, a ellos que conoce bien y que interpretaron su versión de ‘Eurídice’ a lo largo de los años, para que asistan a una representación grabada de la misma obra, llevada a cabo por una joven compañía; deben decidir si el material sigue conservando su fuerza. Mientras observan a los actores en el vídeo (Bruno Podalydès dirige esos segmentos, ya que Resnais no se consideraba adecuado para tratar con un elenco joven) los protagonistas quedan abrumados por los recuerdos y sienten la necesidad de recuperar sus propias interpretaciones, representando una vez más la obra, allí mismo. Resnais acompaña el apasionado trabajo de los actores con una sencilla y elegante puesta en escena, introduciendo una pequeña dosis de efectos visuales para ayudar a crear el ficticio escenario que los personajes están imaginando. La música de Mark Snow contribuye en la creación del ambiente.

Es un juego, un experimento, sobre temas como el amor, los celos, la vida y la muerte, y hay que aceptarlo como tal, o el visionado puede acabar resultando insufrible. Aparte de la innecesaria repetición de simples soluciones visuales para recrear la fantasía, como duplicar al personaje de Amalric (que desafortunadamente no interviene mucho), el mayor problema de la película es que hay demasiado diálogo, se echa en falta mayor elaboración del contenido visual, y quizá habría sido una buena idea jugar con los alter egos de los personajes principales y que aportaran algo de su pasado a la obra. Puede que ‘Vous n’avez encore rien vu’ se cuele en el palmarés, lo que espero es que no busquen compensar nada, poner la guinda a la extensa carrera de Resnais. En unos días saldremos de dudas.

Duncan Jones rodará un biopic sobre el creador de James Bond

Mikel Zorrilla — Tue, 22 May 2012 06:32:25 GMT

Estos días están siendo bastante noticiosos en todo lo relacionado con el agente 007, ya que si ayer pudimos ver el primer tráiler de su próxima aventura, la cual llegará a los cines españoles el próximo 31 de octubre. Sin embargo, no todo son noticias relacionadas con ‘Skyfall’, ya que Duncan Jones, director de la notable ‘Moon’ y la estimable ‘Código fuente’ (sobre la que llegó a existir el proyecto de desarrollar una serie de televisión, aunque parece que no ha terminado de salir adelante), se va a encargar de dirigir el biopic de Ian Fleming, el hombre que creó a James Bond.

Sobre el papel puede que alguno piense que eso tampoco es suficiente para rodar una película centrada en Fleming, pero lo cierto es que creó al espía más famoso del mundo inspirándose en sus propias vivencias como oficial de inteligencia naval durante la II Guerra Mundial. El reto que se ha propuesto Jones es delimitar dónde acaba exactamente Fleming y dónde empieza la personalidad propia de Bond. La película tomará como base ‘Ian Fleming, the Man Behind James Bond’, una obra biográfica sobre el autor que escribió Andrew Lycett, la cual ya ha sido adaptada en forma de guión por Matt Brown. El proceso de casting ya ha comenzado con la idea de que el rodaje de la película empiece este mismo año. ¿Alguna apuesta sobre quién podría interpretar a Fleming? Lástima que no cuadre por edad ni para interpretarlo en sus últimos días (Fleming murió a los 56 años), pero hubiese sigo genial que Sean Connery saliera de su retiro sólo para esto, ¿verdad?

Vía | Variety

'Arthur, el soltero de oro', cuando el amor no triunfa

Beatriz Maldivia — Mon, 21 May 2012 18:32:49 GMT

‘Arthur, el soltero de oro’ (‘Arthur’, 2011), dirigida por Jason Winer, es un remake de la película del mismo título de 1981, cuyo tráiler os trajimos el año pasado, cuando aún se consideraba la posibilidad de estrenarla en cines. Sin embargo, su distribuidora, Warner Bros., decidió no llevarla a las salas de nuestro país, dado el fracaso crítico y económico que sufrió en Estados Unidos, y en su lugar la lanzó directamente en DVD y Blu-ray, para pasar de inmediato a la emisión televisiva, que se puede disfrutar en estos momentos.

Russell Brand retoma el papel de Arthur Bach, que en el original encarnaba Dudley Moore, un joven multimillonario, seductor e irresponsable, más ocupado en las fiestas de Nueva York que en honrar el apellido de su familia. Su niñera y confidente, Hobson –papel que interpreta Helen Mirren en el lugar de John Gielgud– rige sus movimientos como los de un niño pequeño y su único auténtico amigo es su chófer, Bitterman (Luis Guzmán). Pero el joven consentido, que hasta ahora se apoyaba en su inagotable fortuna, se verá obligado a asumir sus responsabilidades cuando su madre (Geraldine James) le imponga un matrimonio por conveniencia con la heredera Susan (Jennifer Garner), hija de un nuevo rico (Nick Nolte), justo cuando había descubierto el verdadero amor en los brazos de Naomi (Greta Gerwig), una carismática plebeya.

Falta de ritmo y de gracia

Nos quejamos con frecuencia de las decisiones de las distribuidoras, pero en lo que respecta a a ‘Arthur, el soltero de oro (2011)’, considero que estuvieron acertados. El director, que también es actor, es responsable de varios capítulos de ‘Modern Family’, por lo que suponerlo un inútil o poco dotado para la comedia queda fuera de lugar. Por ende, buscaremos responsabilidades en lo que viene antes y después: el guion y el montaje.

Vamos con el primero: que la historia sea tópica y se haya contado mil veces no es lo malo, pues si el fondo manido valiese como excusa para hacernos reír o emocionar, poco nos importaría no descubrir un relato insólito. Se dice que las premisas ya se han contado todas y que solo ha de variar la forma de aproximarse a ellas. Sea o no verdad, lo que sí resulta cierto es que un enfoque nuevo nos haría tragar de buen grado la misma milonga de siempre. Por desgracia, a este cuento de hadas tan visto no se le añade ningún aliciente y el humor brilla por su ausencia. El poco potencial con el que contaba se echa a perder: por ejemplo, la demostración de la opulencia es tan desmesurada y absurda que no se percibe cómica y tampoco juega como crítica a la vida de excesos y derroches que llevan algunas celebridades actuales.

Y con el segundo: resulta demasiado larga y sus secuencias carecen por completo de ritmo, además de que los diálogos son más extensos de lo que requiere cada idea. No son pocas las veces en las que tengo la sensación de que una película mejoraría inmensamente sin necesidad de rodar nada nuevo, solo con un remontaje que lo dejase todo más corto –más que cuestión de eliminar escenas enteras, que también, es de aligerar el ritmo de las existentes–,y este es uno de esos casos. Pero aunque los 110 minutos se quedasen en 85, no nos encontraríamos ante un buen film, quizá ante uno no tan malo. El trabajo lo firma Brent White, quien ha montado otras comedias que se me antojaron igualmente poco depuradas: extraño que encarguen montajes de comedia a alguien con tan poco sentido del ritmo.

Romanticismo de tres al cuarto

La “caspa” (por llamarla de alguna manera) que dominaba la primera versión y su secuela, centradas en las múltiples conquistas de mujeres de mucho mejor ver que Dudley Moore, en esta versión se ha eliminado por completo, ya que Brand ligaría aunque fuese pobre. Por ello, el remake no se sustenta, como hacía la original, en ofrecer al espectador el regocijo vicario de una opción que se le muestra vedada con frecuencia. No obstante, la sustitución de esa celebración de los triunfos por algo romántico goza de mucha menor fortuna. Este trastoque no amplía el abanico para incluir al público femenino, ya que la trama amorosa está retratada sin credibilidad ni posibilidad de emocionar.

Achacaría esta falta de conexión a dos factores: uno se encuentra en el retrato de los personajes femeninos desde guion y otro en la elección de las actrices que encarnan a cada una de las candidatas. Que desde el primer momento no haya duda con respecto a los sentimientos de Arthur de rechazo hacia Susan y en su lugar esté convencido de que prefiere a Naomi, destruye la cabida de la tensión sexual no resuelta, motor imprescindible para el movimiento de una comedia romántica.

Por otra parte, esta obcecación no se comprende ya que, si bien se supone que la primera debería ser una arpía superficial y la segunda un dechado de encantos, las semblanzas de ninguno de los personajes lo hacen patente y las percibimos a ambas igual de escasas en lo que se refiere a sus personalidades o a sus cosas en común con el protagonista. Así, es el físico lo que prevalece y en ese sentido, Gerwig no tiene nada que hacer ante Garner. Esta última habría encarnado mejor el papel de la encandiladora guía turística, ya que la inocencia y el infantilismo rezuman de sus mohínes y sonrisas. En el papel de la heredera resultaría más creíble alguien similar a Paris Hilton, con lo que el rechazo se justificaría más. Tan mal escogidas encontré a las intérpretes y tan pocos impedimentos le vi al objetivo amoroso, que me habría gustado mucho más la película si Arthur se hubiese acabado dando cuenta de que a quien amaba era a Susan, pues en esa pareja sí había un rechazo desde el que desarrollar un romance con giros y arrebatos y donde dejar respirar una URST.

La capacidad interpretativa de Mirren no necesita ser puesta en tela de juicio y a Brand le he encomiado su vis cómica en otras ocasiones. Aquí no se les extrae provecho ni a ellos dos ni a los secundarios. El peterpanismo de Arthur queda bien para arranque del retrato, sin embargo, cansa en seguida, mucho antes de que la consabida evolución entre en juego. La supuesta profundidad del personaje en el momento en el que el guion le hace una concesión al drama tampoco tiene la fuerza emotiva que se pretende. Por lo tanto, el aprendizaje que los autores intentan inculcar carece de efectividad –y no entro a juzgar lo moralista o convencional que hubiese resultado, pues eso ya es lo de menos–.

Conclusión

Ni siquiera critico ‘Arthur, el soltero de oro (2011)’ como remake cuestionando la necesidad de su existencia, ya que no recuerdo bien la película de los primeros ochenta. Viéndola solo como comedia autónoma no le encuentro ni el interés ni la gracia, ni tampoco la validez de un mensaje acerca de la sensatez o el amor verdadero. Los actores, carismáticos en otros casos, aquí resultan tan desaprovechados como el tema de partida.

'The Artist' y 'Un Dios Salvaje' al fin en dvd y blu-ray

Mikel Zorrilla — Mon, 21 May 2012 17:44:11 GMT

Poco a poco van terminando de aparecer en dvd y blu-ray las películas que más gustaron del curso cinematográfico de 2011. Es obvio que la más llamativa que aún estaba pendiente era ‘The Artist’, la gran triunfadora no ya sólo de la última entrega de los Oscar, sino de la gran mayoría de premios cinematográficos del pasado año, por lo que sorprende que vaya a salir también a la venta el mismo día (el próximo miércoles 23) ‘Un dios salvaje’, el divertido último trabajo de Roman Polanski que pasó algo desapercibido a nivel de premios, pero que, sin duda, se ganó no pocos seguidores en su paso por los cines españoles. Aún más curioso es el hecho de que ambos títulos nos vengan de la mano de Cameo, ya que es un poco hacerse la competencia a sí misma.

The Artist

Creo que ya quedó claro en el momento en el que no incluí la cinta de Michel Hazanavicius en mi lista de películas favoritas del año pasado (fui el único editor en hacer tal lista que la dejó fuera), pero no por ello voy a decir la tontería suprema de que sea una mala cuando no es el caso. Simplemente creo que es una buena película cuyos méritos se han sobredimensionado en demasía, sobre todo por lo singular de su propuesta.

Sin embargo, sus fans encontrarán varias opciones a la hora de adquirirla, ya que todos tendrán la opción de adquirir una edición sencilla en dvd que básicamente se limita a incluir la película o una versión especial con contenidos adicionales como Entrevistas a Bérénice Bejo y Michel Hazanivicus, tomas falsas o un así se hizo. Por lo visto, la edición en blu-ray será una réplica, con el salto de calidad en imagen y sonido propios del formato, de la edición especial, pero la cosa no se queda ahí, ya que va a aparecer una edición exclusiva a la venta en Fnac que incluirá el el disco el blu-ray y el dvd de la edición simple, pero también un dvd exclusivo Masterclass rodado durante la presentación de la película en París. Además, un cd con 15 temas de la banda sonora y un libreto, estando todo coronado con una elegante presentación en digibook. ¿Los precios? 11 euros la edición simple en dvd, 16 la especial, 20 el blu-ray y 28 la edición exclusiva de Fnac.

Críticas de ‘The Artist’ en Blogdecine:

‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood

‘The Artist’, una celebración del pasado y del presente

‘The Artist’, el cine mudo somos todos

Un Dios Salvaje

Sí que me gustó más el nuevo trabajo de Roman Polanski, en especial por el sensacional trabajo de sus cuatro protagonistas (me cuesta destacar a alguno por del encima del resto), los cuales no sólo sostienen genialmente la película, sino que convierten su visionado en algo muy recomendable. Si acaso quizá resulta algo abrupto el desenlace, pero tampoco es algo particularmente molesto.

En sus ediciones a la venta nos encontramos ante un caso similar al de ‘The Artist’, ya que también unas ediciones sencillas en dvd y blu-ray, aunque en este caso no se edita una especial en el primer formato, ya que el único extra reseñable presenta son unas entrevistas a los actores principales. Puede parece una decisión obvia, pero uno puede encontrar en el mercado ediciones especiales muy lamentables. Además, también aparece una edición exclusiva a la venta en Fnac, la cual se asemeja a la de ‘Midnight en Paris’ que ya os comenté en su momento, es decir, cogen el dvd y el blu-ray, le hacen una bonita edición en digibook con un libreto adherido al centro el mismo con información sobre la película. Ningún añadido de vital importancia, pero seguro que será muy demandada por los coleccionistas que adoren las ediciones que se salen un poco de lo normal. ¿Sus precios? 16 en dvd, 20 en blu-ray y 26 la edición

Críticas de ‘Un Dios Salvaje’ en Blogdecine:

‘Un dios salvaje’, Polanski se decanta por el humor

‘Un dios salvaje’, carnicería’

La verdad, confieso que me da algo de rabia no haber disfrutado tanto con ‘The Artist’, que esa edición exclusiva tiene muy buena pinta, pero, obviamente, no voy a dejarme tanto dinero en una película que no me emocione demasiado por mucho que se hayan currado esa edición.

PD: Esta semana también aparece a la venta en formato doméstico la simpática ‘Attack the block’, que sé que también tiene sus fans por aquí aunque haya pasado un poco desapercibida en nuestro país.

Críticas de ‘Attack the block’ en Blogdecine:

‘Attack the block’, terror en el polígono

Vía | Mubis

Cannes 2012 | Haneke estremece con 'Amour', Vinterberg impacta con 'Jagten'

Juan Luis Caviaro — Mon, 21 May 2012 08:42:03 GMT

Os voy a hablar en este artículo de las dos mejores películas que he visto hasta ahora en el festival de Cannes 2012. Indudablemente, el gran protagonista de la quinta jornada del certamen fue Michael Haneke. El realizador de origen austriaco ha presentado su nuevo trabajo en la Croisette tras ganar la Palma de Oro en 2009 con ‘La cinta blanca’; ‘Amour’ (‘Love’, “amor”) es el título de la obra, que le vuelve a reunir con Isabelle Huppert once años después de ‘La pianista’. El segundo título más relevante del día era ‘Jagten’ (‘The Hunt’, “la caza”). Se trata del último film del danés Thomas Vinterberg después de ‘Submarino’, y el reparto lo encabeza Mads Mikkelsen. Estoy convencido de que tanto ‘Amour’ como ‘Jagten’ entrarán en el palmarés de esta 65ª edición.

‘Amour’

Lo nuevo de Haneke gira en torno a una pareja de ancianos, Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva), profesores de música jubilados. Una mañana, sin previo aviso, Anne queda inmóvil delante de su marido, durante unos minutos no reacciona a ningún estímulo, y cuando se recupera no recuerda lo que ha ocurrido, molestándose cuando Georges sugiere que deberían llamar a un médico. Efectivamente había motivos para preocuparse, Anne vuelve del hospital en silla de ruedas, con medio cuerpo paralizado. A partir de ahí, la vida para este veterano matrimonio empeorará progresivamente, profundamente, poniendo a prueba su resistencia y el vínculo que los une. La rabia, la desesperación, la vergüenza y la amargura que sufre Anne traspasa la pantalla y obliga a reflexionar sobre la vejez, el amor, la vida y la muerte. La situación degenera hasta resultar casi insoportable seguir asistiendo a la penosa transformación de la mujer, que al comienzo del film se mostraba tan viva y feliz.

Seguro que recordáis la emocionante y triste secuencia inicial de ‘UP’, ‘Amour’ se parece a eso, pero la mayor parte del tiempo está centrada en el deterioro físico y mental de Anne, que arrastra sin remedio a su marido, es una espiral de dolor, vejación y sufrimiento. Llega a resultar terriblemente desoladora. Pero Haneke no asfixia, su intención no es aplastar, quiere reflejar la nueva realidad de esta pareja, por lo que hay momentos de respiro, casi de piedad, destellos de luz y de amor, de humor y de esperanza, logrando divertir y conmover a pesar de las circunstancias de la historia. El desenlace, ya anticipado en el prólogo, es impresionante, eriza la piel recordarlo. ‘Amour’ también expone con crudeza las relaciones familiares, con escenas en las que interviene Huppert, la hija de los protagonistas, que hace eso tan habitual de visitar poco y criticar mucho. No sé si el jurado presidido por Nanni Moretti concederá a Haneke su segunda Palma de Oro, pero si no lo hace, deberían premiar su siempre atrevida y exigente puesta en escena (obligando al espectador a participar en la ficción) y a uno o a los dos actores protagonistas, sensacionales, impecables en sus densas y dolorosas interpretaciones.

‘Jagten’

Cuenta Vinterberg en las notas de producción de ‘Jagten’ que tras el éxito de ‘Celebración’ (‘Festen’, 1998; premio del jurado aquí en Cannes) le visitó un psiquiatra infantil con un informe que él pensaba que debía ser tenido en cuenta para crear una película; el realizador, agotado y barajando proyectos de futuro, no hizo caso y guardó el montón de folios en un cajón, hasta que una década después, como favor personal, se puso a leerlos. Se sintió fascinado y turbado por el contenido. A partir de esa investigación, donde se tumbaban tópicos y se exponía la teoría del pensamiento como un virus, Vinterberg y su colaborador Tobias Lindholm escribieron el guion de ‘Jagten’, segundo largometraje del danés que compite en la sección oficial.

La historia gira en torno a Lucas (Mikkelsen), un maestro de escuela divorciado que Vinterberg define como el típico escandinavo: amable, cálido, humilde, servicial. Tras una mala racha personal comienza a recomponer su vida, tiene nueva pareja y su hijo adolescente, al que echa terriblemente de menos, pronto volverá a vivir con él. Todo comienza a derrumbarse a su alrededor cuando una mañana le acusan de haber abusado sexualmente de una niña. No hay prueba alguna excepto el testimonio de la pequeña, pero Lucas es despedido y todo el pueblo da por cierto que es un pederasta. No hay lugar para la sospecha en el espectador, se le sitúa en la piel del protagonista, por lo que desde el principio sabemos que es inocente, que la niña se ha inventado el abuso, primero por enfado y luego por presión; nadie duda de su palabra, la mentira crece y se expande rápidamente, y el odio domina al pueblo, aislando casi por completo a Lucas, que trata de soportar la injusticia con dignidad.

Vinterberg realiza un gran trabajo plasmando la inesperada pesadilla en la que se sumerge el personaje principal, logrando una película intensa y apasionante, te mantiene pegado a la pantalla en todo momento, sufriendo la misma indignación e impotencia que siente el acusado; uno llega a encontrarse alterado, deseando venganza contra todos los que han traicionado y acusado falsamente al protagonista, humillado y desesperado. Al inspirado trabajo del realizador manejando la tensión de este brillante thriller psicológico hay que sumar una portentosa interpretación de Mikkelsen, que llega a sostener el relato sobre sus hombros. La estrella danesa, desaprovechada en la industria de Hollywood, consigue transmitir todo lo que exige el personaje de una manera auténtica, sin atisbo de fingimiento, se convierte en él, y afecta verle sufrir. Apuntad el título, no os arrepentiréis.

'Skyfall', cartel y teaser tráiler del regreso de James Bond

Mikel Zorrilla — Mon, 21 May 2012 06:33:42 GMT

James Bond es un personaje que nunca pasa de moda, ya que puede pasar por momentos mejores o peores, pero siempre ha sabido volver a la primera línea de las taquillas de todo el mundo. Es obvio que cada cual tendrá a su Bond cinematográfico favorito (yo voy con la mayoría al apoyar la supremacía de Sean Connery sobre el resto), pero creo que nadie debería discutir que Daniel Craig ha dado vida a un agente 007 muy convincente y con aire más oscuro de lo habitual que le he venido de perlas al personaje.

Más discutible es el nivel de las películas en las que ha dado vida al espía británico, ya que se pasó del debut en la satisfactoria ‘Casino Royale’ a la casi desastrosa ‘Quantum of solace’, por lo que cuando se anunció el pasado noviembre que su tercera vez como James Bond iba a titularse ‘Skyfall’ me sobrevinieron muchas dudas sobre si tener fe o mejor mantener bajas las expectativas. Hoy ha llegado la hora de, aunque sólo sea un poquito, mojarse ante la aparición del primer tráiler (más abajo podéis verlo tanto en versión original como doblado al castellano), y de paso os adjunto el cartel inicial que apareció hace unos días.

Teaser tráiler en versión original

Teaser tráiler en castellano

Os recuerdo que ‘Skyfall’ nos contará la siguiente historia: La lealtad de Bond es puesta a prueba cuando algo del pasado de de M reaparezca para atormentarla. Tras el ataque recibido por el M6, el agente 007 tendrá que lidiar con todas las consecuencias personales que conlleve el acabar con la nueva amenaza a la que se enfrenta. La gran novedad en el reparto de la película es la adición de Javier Bardem como el gran enemigo del protagonista, pero también hay otras caras nuevas en la franquicia como Naomie Harris, Ralph Fiennes, Ben Whishaw, Helen McCrory, Bérénice Marlohe, Ola Rapace y Albert Finney. Por su parte, Judi Dench vuelve a dar vida a M, la jefa de Bond.

Sorprendió a muchos que Sam Mendes (‘American beauty’, ‘Camino a la perdición’) aceptase encargarse de un título de estas características, pero habrá que ver hasta qué punto ha conseguido dar su toque personal a ‘Skyfall’. Para ello ha contado con un guión de Neal Purvis, Robert Wade y John Logan. Por ahora, y teniendo en cuenta unicamente el avance, creo que es bastante acertado, ya que te transmite lo que quiere ser la película sin contarte apenas nada del argumento. Saldremos definitivamente de dudas cuando la película llegue a los cines españoles, lo cual no sucederá hasta el próximo 31 de octubre, apenas cinco días después de su estreno en Inglaterra.

Vía | Collider