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'Eva', los amantes de la inteligencia artificial

Pablo Muñoz — Tue, 21 May 2013 18:38:34 GMT

Después de un tiempo fuera, un investigador y diseñador de robots (Daniel Brühl) llega a su pueblo donde se reencuentra con su hermano (Alberto Ammann) y su esposa (Marta Etura) con la que tiempo atrás tuvo un romance. Convocado para que diseñe a un niño androide con emociones, las cosas se complicarán con prontitud y se perderá el control.

El debut de Kike Maillo viene auspiciado por la ESCAC y cuenta con una factura técnica que fue halagada por no pocos críticos y espectadores, además de un sólido reparto y un aspecto más o menos sorprendente para tratarse de una película de ciencia-ficción española, a caballo entre una estética europeísta y otra más norteamericana.

Empieza muy bien este relato de ciencia ficción y por bien no me refiero a que tenga grandes muestras de originalidad, puesto que la trama cruza, de manera bastante evidente, un triángulo amoroso propio del cine europeo, concretamente francés, con una historia de infantes androides con leves reminiscencias de ‘Inteligencia Artificial’ (AI, 2001). Ya mi compañero Caviaro mostraba un saludable escepticismo ante la propuesta.

Los problemas, por supuesto, no tardan en llegar y todos ellos pueden sintetizarse, quizás, en una escena, en la que un personaje, no diré cual, termina fatalmente muerto en un acantilado. Es, tal vez, la más ridícula muerte en precipicio, y mira que en el cine siempre hay una tendencia a ratos inverosímil a ponerse tensos al filo de vacíos, que yo recuerde y que dramáticamente está tan injustificada que termina por estropear el conjunto.

Y tampoco quedan claras las intenciones de su cineasta. Hay gestos que auguran un futuro prometedor para el cineasta Maillo, pero su mezcolanza, no del todo lograda, entre melancólico cuento de navidad y relato tradicional sobre doctor al que su Prometeo desencadenado le juega una mala pasada y no termina de funcionar, especialmente si atendemos a que el guión, firmado por Sergi Belbel, Martí Roca, Aintza Serra y Cristina Clemente pierde tiempo al entretenerse en un misterio que no es tal y que tampoco otorga grandes reflexiones sobre la naturaleza de la inteligencia artificial al conjunto.

Quedan, por supuesto, muchas cosas para el recuerdo. A un buen primer acto, y unas intimistas interpretaciones de su trío de actores, se le suma la joven y talentosa Claudia Vega, absolutamente brillante como la niña del título y llena de matices y carisma escénico y a su lado el veterano Lluis Homar da una interpretación excelsa, auto-consciente y británica de un androide-mayordomo de lo más peculiar y servicial.

'El Gran Gatsby', tocar el cielo

Pablo Muñoz — Tue, 21 May 2013 16:38:34 GMT

El millonario Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio) no tarda en cautivar a su nuevo vecino, Nick Carraway (Tobey Maguire) al tiempo que decide conquistar a una chica equivocada, Daisy (Carey Mulligan) desencadenando una tragedia y una expulsión de un mundo que parece habitar y hasta liderar con cierto orgullo.

En esta nueva adaptación de la novela de Francis Scott Fitzgerald, el cineasta más kitsch del Hollywood reciente, el australiano Bazz Luhrmann, está invocando muchas cosas al mismo tiempo, pero ninguna, debo advertir, tiene demasiado que ver con el espíritu del magnífico escritor de la generación perdida. Pero ¿es este ‘Gran Gatsby’ (The Great Gatsby, 2013) un avance respecto a la película anterior de su cineasta? Ya lo creo que lo es.

A Luhrmann le interesa la pompa antes que la intimidad, y es por eso que esta versión de Fitzgerald está a eones de una serie que recuerda muchísimo más a Fitzgerald no tanto en forma, puesto que la literatura y el cine deben cultivar lo que tienen de propio y no necesariamente aquello que comparten, sino en cuanto a usos, más o menos sagaces, de punto de vista narrativo, imágenes epifánicas y genuina poesía. Estoy hablando de ‘Mad Men’ (2007-) cuyo creador Matthew Weiner ha sabido alimentar de un rango de influencias literarias de primer orden sin que la serie descuide, al contrario, su impecable forma cinematográfica.

Desde que debutara en el cine, a Luhrmann le han apasionado las danzas, las grandes palabras, las músicas portentosas y también contagiosas y el frenesí visual. De hecho, en su caso, cristalino como pocos, encontramos a un director en el que todo su discurso es superficial, y no me refiero a que sea escasamente profundo o no, sino a que habita y está en la superfície visual de sus películas. Por eso su mejor película convocó las más hermosas palabras del idioma inglés, las de William Shakespeare, y no renunció al carácter pop de una leyenda. Y es que ‘Romeo y Julieta’ (Romeo+Juliet, 1997) demostraba que el texto del bardo no es que sobreviva a las actualizaciones, es que se nutre de ellas y vuelve a brillar de un modo tan inconfundible como nuevo. Creo que no ha dejado de ser la mejor película del director y aquí lo volvemos a confirmar, sin tocar tan bajo como en ‘Australia’ (id, 2007).

En donde falla el director aquí es en la elección de su musa femenina. La prometedora Carey Mulligan parece distraída, cuando no sencillamente fuera de lugar en todas y cada una de sus escenas. Tal vez eso es porque la película es de un Leonardo DiCaprio con un magnetismo de estrella absolutamente derrochador, que conquista cada escena sin requerir mucho esfuerzo. Su Gatsby cinematográfico es, en muchos sentidos, el definitivo y eso que ni siquiera el guión o la dirección son precisamente escrupulosos con el material de partida.

No hay metáfora sobre los actuales tiempos de capitalismo corporativo y excesos que han devenido en una gran recesión, ni tampoco interés alguno en los aspectos más potentes de Fitzgerald (la historia de Jay Gatsby como último desclasado de un mundo que puede tocar pero solamente a cambio de su vida), pero, sin embargo, tenemos en marcha un lujurioso, excesivo y absolutamente inane – y fascinante – culebrón firmado por uno de los directores con más capacidad de seducción del cine reciente.

Por supuesto, como no podía ser de otra manera tratándose de este director, lo mejor está en la banda sonora. Los navegantes que esperaran escuchar el jazz de los años veinte y treinta que tan importante fue para Fitzgerald y que tan felizmente evocaba en su prosa, deberán abstenerse: suenan aquí, con fervor juvenil y apasionado, Gotye, Lana Del Rey, Beyoncé y Jay-Z. Y, lo crean o no, dado lo suntuoso, espectacular y visualmente arrollador del conjunto, funciona muy bien. Canta Del Rey “me amarás todavía / cuando no sea ya / joven y hermosa”. Y aunque sea como gran síntesis de estos tiempos de hipersaturación visual y narcisismo virtual, funciona muy bien. Tal vez no sea la preciosa obra literaria que la origina, pero es algo contemporáneo que lleva en su ADN el pathos de toda una juventud a la que va dirigida sin complejos.

No es gran cosa, ciertamente, pero aquellos con capacidad de disfrute no saldrán defraudados. Por supuesto, mucho más negativo se mostró mi compañero Mikel.

La situación del cine online en España

Pablo Muñoz — Tue, 21 May 2013 14:37:33 GMT

Entre los más irresolubles, al menos a corto plazo, problemas que plantea la situación del cine en España está la encrucijada que ha venido sucediendo, de manera global, respecto a las nuevas formas de distribución, en particular respecto a la distribución online.

¿Qué remedios poner a estos ejemplares, casi siempre heroicos, valientes y pioneros, de un cine del futuro que por las circunstancias actuales no puede darse ni cumplirse con plenitud? ¿Resulta práctica la esperanza respecto al futuro? Muchas son las dudas planteadas a este respecto y estaría bien ceder la palabra a lo que sabemos y al como.

Tras dos años de ardua financiación, ha llegado a las pantallas la película ‘El Cosmonauta’ (id, 2013) que se planteaba no solamente ser un evento transmedia – disponible en diversos formatos – sino que también fue pionera en el crowdfunding o el llamado micro-mecenazgo con un montón de productores acreditados como tales y siendo el gasto de la película, su propia producción, algo que dependía también de la voluntad popular.

En una reciente entrevista con el director se alienta un cierto optimismo, aún también a costa de retrasos bastante largos pues el proyecto ha tardado cuatro años en gestarse. El director Nicolas Alcalá comenta que la película ha logrado colocarse, sin dificultad alguna, en muchas más pantallas que no son necesariamente las de las salas de cine y que tendrá un estreno simultáneo en todas ellas, tras el cierre de un acuerdo con Canal Plus, entre otros. Y todo ello en una película con licencia abierta.

También Juan Carlos Tous, socio fundador de Filmin y de Cameo, invita a ver la distribución online como una oportunidad antes que como una cancelación o una cosa mala. Como Alcalá, ve en la distribución online una obligatoria plataforma que terminará por ser omnipresente, profetizando un futuro en el que las salas de cine no tendrán ya estrenos exclusivos. De hecho, una de las grnades iniciativas es el Atlantida Film Fest, versión portátil de los festivales de cine que cuenta con programaciones igualmente arriesgadas y de cineastas internacionales, con lo cual tenemos, al menos, buenas razones cinéfilas para celebrar el trabajo que llevan a cabo.

Sin embargo, estos casos – una película hecha a partir de una complicidad colectiva tiene más de excepcional aventura que de norma para la obligada libertad creativa y una plataforma de cine online que ha encontrado un gran éxito gracias a su apuesta por el cine clásico, independiente y el de películas medias – no alumbran el futuro de la distribución en nuestro país, aunque facilitan que identifiquemos los problemas: un exceso y estanco monopolio en salas de cine que dificultaba la llegada de nuevos talentos y de propuestas atrevidas y distintas.

Aunque hay razones para pensar que esto no tiene por qué repetirse, hay que ser prudentes respecto a cuantas carreras podrá mantener Internet y bajo qué libertades. ¿Será este el tiempo de una nueva distribución para un nuevo tipo de cine?

Carice van Houten será Greta Garbo

Juan Luis Caviaro — Tue, 21 May 2013 13:31:46 GMT

Crecí con las películas mudas. Siempre he sentido una inmensa fascinación por esa época. Greta Garbo me atrapó más que cualquier otra estrella del cine y nunca me ha soltado.

Son declaraciones de Carice van Houten tras anunciarse que va a encarnar a la mítica protagonista de ‘Mata Hari’ (George Fitzmaurice, 1931) en un biopic que por ahora carece de título. A la actriz holandesa la descubrimos muchos en ‘El libro negro’ (‘Zwartboek’, Paul Verhoeven, 2006); pudimos verla en ‘Intruders’ (Juan Carlos Fresnadillo, 2011) y es una de las protagonistas de la serie ‘Juego de tronos’ (‘Game of Thrones’, varios, 2011-2013). Es atractiva y tiene talento, solo necesita una buena oportunidad y parece que le acaba de llegar.

De momento no hay director a bordo del proyecto —que estará hablado en inglés— pero sí se sabe que el sueco Soni Jorgensen se está encargando del guion. La historia del film seguirá a una rechoncha dependiente de una tienda de Estocolmo que pasó a convertirse en una de las mayores estrellas de Hollywood, todo un icono del séptimo arte que triunfó tanto en el cine mudo como en el sonoro, retirándose antes de que su carrera pudiera empezar a tambalearse. El rodaje del biopic de Greta Garbo comenzará este otoño.

Vía | ScreenDaily

'Lobezno inmortal', nuevo tráiler y más carteles

Mikel Zorrilla — Tue, 21 May 2013 11:41:30 GMT

Ayer mismo os hablaba de varias secuelas que deberían hacerse, pero que parece que jamás llegaremos a verlas. Sin embargo, son mucho más abundantes las segundas entregas que absolutamente nadie pedía y que, por un motivo u otro, acaban recibiendo luz verde por parte de alguna gran productora de Hollywood. En este grupo podríamos meter a ‘Lobezno inmortal’ (‘The Wolverine’, James Mangold, 2013), ya que la catastrófica ‘X-Men Orígenes: Lobezno’ (‘X-Men Origins: Wolverine’, Gavin Hood, 2009) no invitaba a esperar con ganas la llegada de una hipotética secuela. Sin embargo, la película dirigida por James Mangold ha ido ganando interés a medida que veíamos cosas sobre ella y ahora es el turno de ver su espectacular nuevo tráiler y unos cuantos carteles más.

En ‘Lobezno inmortal’ veremos a su protagonista acudir a Japón para encontrar respuestas sobre su pasado, pero tendrá que enfrentarse también a numerosos peligros que podrían incluso costarle su inmortalidad. Hugh Jackman vuelve a dar vida al personaje que le catapultó a la fama, mientras que en el resto del reparto también podremos ver, entre otros, a Famke Janssen, Will Yun Lee, Svetlana Khodchenkova y Brian Lee. La base argumental de la película la encontramos en ‘Lobezno: Honor’, un cómic escrito por Brian Claremont y Frank Miller, el cual ha sido adaptado para la ocasión por Christopher McQuarrie, Mark Bomback, Scott Frank y el propio James Mangold.

‘Lobezno inmortal’ ha contado con un presupuesto superior a los 100 millones de dólares. Las cifras concretas aún no se han hecho públicas, pero imagino que rondarán los 150 millones que costó la primera entrega. Su estreno tendrá lugar el próximo 26 de julio y contaremos con la opción de poder verla también en 3D.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: ¿Qué os ha parecido el tráiler? A mí me ha gustado bastante más que el que pudimos ver hace un par de meses y además nos ha permitido echar un primer vistazo a aspectos bastante prometedores.

Meet the Experts: Cine y televisión en los tiempos de Internet, mesa redonda

Alberto Abuín — Tue, 21 May 2013 07:07:45 GMT

El cine y la televisión son dos de los mayores disfrutes que posee en estos momentos el espectador en todas partes del mundo. La llegada de Internet ha afectado de manera distinta según qué países. En el nuestro, que gozamos de una cultura artística equivalente a la del tercer mundo, le tenemos miedo, mucho miedo. Es por eso que junto a nuestro gran compañero Xataka organizamos un nuevo Meet the Experts, en el que se charlará en una mesa redonda sobre las nuevas formas de disfrutar cine y televisión a través del nuevo gran hermano que les está saliendo.

En la misma se discutirá diversos aspectos sobre las nuevas tecnologías tanto de cara al disfrute del consumidor como de cara hacia los creadores o productores que ven en la red un nuevo modelo de negocio. Dispositivos móviles, campañas de crowfunding, transmedia, televisdiones inteligentes y muchas más cosas son los temas a debatir en una cita que no deberíais perderos.

Cargando…

Participantes

Manuel Cristobal (productor)
Diplomado en Dirección de Cine y Teatro, participó en la producción de los films de animación ‘El bosque animado’ (Ángel de la Cruz, Manolo Gómez, 2001) y ‘El sueño de una noche de San Juan’ (Ángel de la Cruz, manolo Gómez, 2005), ambas ganadoras de un premio Goya. Su mayor logro como productor ha sido la imprescindible ‘Arrugas’ (Ignacio Ferreras, 2011). Cristobal pertence también a la directiva de la Academia española de cine.
Perfil en LinkdIn | Cuenta de twitter

Mª Carmen Fernández (TotalChannel)
Ingeniera de Telecomunicaciones por la Universitat Politècnica de Catalunya, Master en Comunicaciones Móviles por la Universitat Politècnica de Catalunya y MBA por ESADE Business School. Desde noviembre ejerce como Directora General de TotalChannel, plataforma que permite ver canales de pago a cambio de una cuota mensual a través de Internet.
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Gonzalo Martín (Territorio Creativo)
Director y responsable del área de Telecomunicaciones en la agencia Territorio Creativo. Es asesor de diversas empresas en campos como el vídeo online y las nuevas tecnologías y tiene una larga experiencia dentro del sector del entretenimiento. Además escribe sobre la nueva industria audiovisual en su blog GonzaloMarin.tv.

Nacho Monge (Samsung)
Samsung Electronics, compañía donde lleva más de dos años dentro del departamento de televisiones. Experto en product marketing, promociones y desarrollo de producto dentro del sector tecnológico. Anteriormente trabajó durante más de ocho años en Dixons.

Perfil en Linkedin.

P. Roberto Jiménez (WeblogsSL)
El único que tiene aspecto de actor —concretamente uno de esos secundarios que podía aparecen en una comedia de la Ealing— es espectador desde hace más de 30 años, coordinador editorial de WeblogsSL, participa como editor en Hipesónica, Xataka y Vida Extra, además de merecerse un Oscar por su paciencia. Consume su tiempo en todo tipo de vicios audiovisuales, algunos de los cuales afortunadamente se han convertido en un trabajo.

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En la mesa redonda se contará también con un portavoz de Canal+.

Richard Donner: 'Max's bar', amistad y superación

Sergio Benítez — Tue, 21 May 2013 05:24:48 GMT

Empecé a leer y estaba enganchado: se nos presenta a un joven que acto seguido salta por una ventana. A continuación impacta contra un Ford. Después sale del hospital y termina entrando en el bar de Max -dèjá vu. Me di cuenta que era ‘Inside moves’ pero tratado de manera muy diferente. Y no podía dejarlo. Lo terminé y me comprometí con Paramount a que dirigiría la película.

Richard Donner

Tras enlazar dos éxitos del tamaño de ‘La profecía‘ (‘The omen’, 1976) y ‘Superman‘ (id, 1978), y quedar completamente exhausto y desencantado por la dolorosa experiencia que el despido de la segunda entrega de las aventuras del superhombre había supuesto —algo de lo que hablaré largo y tendido mañana— Richard Donner decidió que su siguiente movimiento como director sería un filme pequeño que volviera a ilusionarle como lo había hecho en su momento la adaptación del cómic de DC.

Y dicho proyecto lo encontró en una novela que ya había captado su atención en 1976 pero que había tenido que dejar de lado por aquella providencial llamada que recibió en el inodoro por parte de Alexander Salkind: tras recibir y devorar el guión escrito por el matrimonio formado por Valerie Curtin y Barry Levinson —al que se refiere la cita que abre la presente entrada—, Donner reconoció que tenía delante un material que entroncaba a la perfección con su naturaleza romántica hacia la vida, con cualidades temáticas como la amistad y la tolerancia.

Aún más, el personaje de Rory, un suicida que fracasa en su intento de quitarse la vida y, de algún modo, renace a la misma gracias al poder de la amistad, quedaba establecido en el guión como una metáfora de la América post-Vietnam que Donner tanto apreciaba: herido y con la estima por los suelos pero intentando encontrar de nuevo el amor y la esperanza. Si en ‘Rocky‘ (id, John G.Advilsen, 1975) Sylvester Stallone había dado en el clavo al jugar con el deseo del público estadounidense de volver a creer en el sueño americano, ‘Max’s bar‘ (‘Inside moves’, 1980) sería una celebración de la solidaridad humana en términos mucho más generales.

Con tan clara —y en cierto modo ambiciosa— intención en mente, era muy evidente que la fuerza de la historia no sería nada sin un reparto sólido que la respaldara, algo que Donner encontró en su dispar pareja protagonista. Para interpretar a Rory, el suicida, se eligió a John Savage, el actor que se “enfrentó” a Robert de Niro y Christopher Walken en ‘El cazador‘ (‘The deer hunter’, Michael Cimino, 1978), un intérprete muy peculiar que uno de sus compañeros aquí definiría como “un tipo raro”. En oposición a él, Donner contaría con David Morse, un actor excelente que siempre ha sido injustamente relegado a papeles secundarios.

La sinergia que se crea entre ambos, apoyada en un reparto espléndido, es subrayada por la correcta labor de Donner tras las cámaras. Una labor que aquí pasa a un segundo plano y que, tras la magnífica secuencia de arranque —que el director temía rodar por su conocido miedo a las escenas de riesgo—, se hace totalmente consciente de la necesidad de dejar a un lado los alardes visuales de sus dos anteriores producciones para que la historia respire y, en última instancia, llegue sin cortapisas al espectador.

El problema es que este voluntario alejamiento deriva en una frialdad no intencionada que hace que resulte harto complicado el sentirse identificado con cualquiera de los personajes, algo vital en una historia de este calibre. Al no provocar la empatía ni con Rory, ni con Jerry, ni con la novia prostituta y drogadicta de éste, o con cualquiera de los parroquianos minusválidos que frecuentan el bar, la universalidad de ‘Max’s bar’ queda congelada al momento histórico en el que se estrenó, y su mensaje de amistad y superación, aunque obvio, se diluye sobremanera.

Con sus virtudes, que al margen de la labor interpretativa incluyen la espléndida fotografía de László Kovács y la melancólica y apropiada partitura de John Barry, ‘Max’s bar’ queda como el testimonio de la voluntad de Donner de apartarse momentáneamente de los blockbusters, algo que el propio Spielberg valoraría al realizador al comentarle que “estaba haciendo lo que yo quería hacer, salir de la producción de dos películas de primera fila y rodar algo pequeño y personal”.

'Anacleto, agente secreto' también tendrá película

Mikel Zorrilla — Mon, 20 May 2013 20:23:46 GMT

No son pocos los tebeos españoles que alcanzaron gran popularidad en un momento u otro. Por desgracia, la mayoría de ellos han caído en el olvido o siguen publicándose pero con una calidad muy lejana a la alcanzada en su apogeo. Los intentos de capitalizar su éxito en la gran pantalla han sido más escasos de lo que uno podría esperar, en especial tras el gran éxito de ‘La gran aventura de Mortadelo y Filemón‘ (Javier Fesser, 2003), pero parece que eso va a cambiar, ya que Zeta, la misma productora detrás de ‘Zipi y Zape y el club de la canica‘ (Óskar Santos, 2013), acaba de confirmar el salto a la gran pantalla de ‘Anacleto, agente secreto‘, el célebre tebeo creado por Vázquez en 1964.

Para aquellos que no estéis familiarizados con ello, conviene recordar que ‘Anacleto, agente secreto’ es una parodia del cine de espías tan de moda en los años 60 gracias a la irrupción en el séptimo arte de un tal James Bond. No obstante, Vázquez reconoció que, pese a haberse creado a posteriori, Maxwell Smart, el protagonista de la televisiva ‘Superagente 86‘ (1965-1970), fue quien más influenció a su creación. Lo que no me convence demasiado es que uno de los productores de la película haya querido vincularla con Austin Powers, ya que su humor difícilmente podría ser más diferente y eso podría traducirse en una adaptación cinematográfica de dudoso interés.

Por ahora nada se sabe sobre quién será el actor elegido para interpretar a Anacleto, pero sí que se ha anunciado que será Javier Ruiz Caldera —’Promoción fantasma‘ (2012)— el encargado a dirigirla. Por mi parte, me gustaría recomendaros los tebeos originales y no sería tampoco mal momento para echar un vistazo o volver a ver ‘El gran Vázquez‘ (Óscar Aibar, 2010), biopic del creador de ‘Anacleto, agente secreto’ con Santiago Segura dando vida al irrepetible Manuel Vázquez.

Vía | Variety
Imagen | La arcadia de urias

'Blood Ties', cartel y tráiler

Juan Luis Caviaro — Mon, 20 May 2013 17:56:02 GMT

Atentos al reparto de ‘Blood Ties’, la primera película de Guillaume Canet en EE.UU.: Clive Owen, Marion Cotillard, Billy Crudup, Zoe Saldana, Mila Kunis, Matthias Schoenaerts y James Caan, entre otros. Os informé sobre esta producción antes de que se iniciara el rodaje y ahora podemos echar un vistazo al cartel y el tráiler, distribuidos tras la presentación del film en el festival de Cannes —fuera de competición—.

Además de un estupendo grupo de actores, el actor y director francés ha contado con la colaboración en el guion de James Gray, quien le ayudado a adaptar la historia del thriller ‘Liens du sang’ (Jacques Maillot, 2008), coprotagonizado por el propio Canet. La historia del remake tiene lugar en Brooklyn durante los años 70 y gira en torno a dos hermanos, un detective de policía y un exconvicto que intenta recuperar su vida tras pasar diez años en la cárcel por asesinato; por caprichosas circunstancias, el primero se encuentra en una situación tan complicada que necesita la ayuda del segundo, forzándole a cruzar de nuevo la frontera de la ley…

‘Blood Ties’ se estrena en Francia el 30 de octubre, de momento no hay fecha para España pero imagino que con estos protagonistas nos llegará este año. Espero…

Añorando estrenos: 'Plan siniestro' de Bryan Forbes

Alberto Abuín — Mon, 20 May 2013 13:04:10 GMT

Hace apenas dos semanas fallecía Bryan Forbes, actor, escritor y sobre todo director británico en cuya filmografía destaca esta sorprendente ‘Plan siniestro’ (‘Seance on a Wet Afternoon’, 1964), perteneciente al thriller psicológico, género muy de moda en aquellos años sobre todo en la cinematografía inglesa. Su importancia, al lado de otras obras de la época —podríamos citar la imprescindible ‘Suspense’ (‘The Innocents’, Jack Clayton, 1961), el mismísimo miedo filmado, como una de las cumbres del género— es indiscutible y la influencia en el cine posterior incuestionable. Hace poco uno de nuestros mejores directores, Rodrigo Cortés, señalaba en su cuenta de twitter que sin esta película, entre otras, un film como ‘Luces rojas’ (‘Red Lights’, 2011) no habría visto la luz. Y tanto, porque las coincidencias son visibles y aunque prefiero de lejos el film de Forbes, la película de Cortés le rinde un sentido homenaje.

Todo un progidio de película, maravillosa muestra de un tipo de cine hoy un tanto olvidado y que necesita una urgente reivindicación, como muchas de las películas de aquellos años, totalmente desconocidas para los cinéfilos de hoy día. De una extrema sensibilidad y gusto por el detalle, ‘Plan siniestro’ es una historia sobre un secuestro de una niña, y los fantasmas personales de una mujer con problemas mentales y que realiza sesiones de espiritismo. Sus armas, una lograda atmósfera de suspense, que va enturbiándose cada vez más y dos interpretaciones impresionantes, sobre todo la de Kim Stanley que le valió una nominación al Oscar a la mejor actriz principal, premio que fue a parar a Julie Andrews por su composición en ‘Mary Poppins’ (id, Robert Stevenson, 1964), un film en las antípodas del que nos ocupa.

(From here to the end, Spoilers) El film se presenta a sí mismo con una muy inquietante secuencia de espiritismo en la que la luz de una vela juega un papel importante, todo un detalle lleno de sugerencia que marcará sin compasión el resto de la cinta, sobre todo en lo que respecta al personaje femenino, sin duda el más rico en matices y de múltiples interpretaciones. Atención a la ambigüedad de la secuencia, la misma que se extenderá hasta el clímax de la cinta, en la que además de aclarar ciertas cosas, sigue dejando cierto espacio para lo ambiguo. ‘Plan diabólico’ rehuye inteligentemente cualquier tipo de etiqueta. ¿Qué estamos viendo? ¿Un drama sobre una mujer que se ha vuelto loca debido a una importante pérdida? ¿Una historia de fantasmas? ¿Un policiaco sobre un secuestro? ¿La historia de una relación amorosa profunda pero perdida? Todo al mismo tiempo, y con una envidiable puesta en escena que marca cada momento.

La película va mostrando sus cartas poco a poco, y de vez en cuando juguetea con el espectador, pero jamás sin tomarle el pelo —el principal problema de los thriller psicológicos de hoy día es jugar, engañar al público con efectismos y truculencias apoyadas en giros imposibles—, con un Forbes muy contenido en su escenografía donde encontramos prodigiosos encuadres que enfrentan a los dos personajes centrales mostrando así una relación de dominación/sumisión con algunos instantes patéticos, al ver a Billy —un soberbio Richard Attenborough, también productor del evento, y con una prótesis nasal para caracterizarse— totalmente entregado al amor que siente por su esposa y al mismo tiempo encerrado en ese amor que no le deja huir de ella, temiendo siempre lo peor. Es fácil sentir compasión por él cuando secuestrando a la muchacha —un plan de su esposa para más tarde ofrecer sus servicios de vidente a la policía— se topa con ciertos inconvenientes. Reminiscencias del mismísimo Hitchcock suenan en dicho momento, toda una aventura para un hombre ordinario y con poca capacidad de arrojo.

Tres personajes predominan en el relato, Myra (Stanley), Billy, y en tercer lugar, Arthur, el hijo de ambos, que nunca llegó a nacer y habla continuamente con su madre dándole instrucciones. En ese aspecto, el film hace gala de la ambigüedad antes citada, e incluso de cierta ambivalencia que nunca desaparece ni cuando el film parece responder a todos los interrogantes. Sólo al final sabremos si Arthur es producto de la locura de una mujer que no pudo superar el no nacimiento —detalle este muy perturbador— de aquel, o por el contrario, Arthur es una presencia, sugerida muy sutilmente con juegos de luces, y que en los estados de trance domina a su madre. La incertidumbre proviene, además de la exquisitez de la puesta en escena de Forbes —mención especial a la fotografía de Gerry Turpin—, de la portentosa interpretación de Kim Delaney, un monstruo que cambia de registro con una facilidad pasmosa. Baste comparar sus estados de ánimo dentro de la casa, en las sesiones de espiritismo y sus careos con la policía y los padres de la niña secuestrada.

‘Plan diabólico’ llega a dar la vuelta en el tratamiento de sus personajes. En un momento dado, aquel en el que Myra quiere asesinar a la niña y su marido se rebela, gritándole unas cuantas verdades y de paso dando información al espectador, los roles se intercambian. Él se torna con carácter y ella duda y siente temor. Todo vuelve a su cauce cuando llega el clímax final, casi a contracorriente, en el que la última sesión de espiritismo frente a dos agentes de policía, uno de ellos creyente, resuelta con imaginación proporciona a Stanley un tour de force arrollador y envolvente en el que se da la mano el más allá con la inestabilidad emocional. ¿Si Myra es una farsante por qué se deja llevar en sus trances actuando como si tuviera poderes hasta el punto de desvelar todo el tinglado? Porque su inestabilidad le hace creer en su don.

Poderosa, intensa, fascinante, ‘Plan siniestro’ no se olvida tras su visionado, sino que sigue jugueteando en nuestra mente, tal vez haciendo mella en nuestro subconsciente como pocas películas de este género lo consiguen.

Hay más cine ahí fuera (13-19 de mayo)

Juan Luis Caviaro — Mon, 20 May 2013 12:08:05 GMT

Tranquilos, no nos hemos olvidado de vuestra sección semanal favorita. Como saben los lectores más fieles, “Hay más cine ahí fuera” es donde reunimos un puñado de links a otras publicaciones en Internet dedicadas al apasionante mundo del séptimo arte. Que no se muere ni se va a morir mientras haya una cámara, una chica y una pistola. En esta ocasión os traigo artículos sobre dos películas españolas que han dado mucho que hablar, una controversia sobre una princesa Disney, un homenaje a un clásico moderno de la ciencia-ficción y una opinión sobre el regreso de un peculiar artista chileno:

En LasHorasPerdidas tenéis una equilibrada reseña de ‘El cosmonauta’ (Nicolás Alcalá, 2013), una arriesgada producción de género fantástico que se estrenó por fin el pasado fin de semana.

En 1001Experiencias, mi colega Alberto comenta la polémica en torno al lamentable estado de las copias que se han distribuido de ‘La mula’ (anónimo, 2013).

En Fotogramas se hacen eco de una curiosa noticia relacionada con ‘Brave: Indomable’ (‘Brave’, Brenda Chapman, Mark Andrews, 2012). Disney quiso lanzar un nuevo diseño de la protagonista, más sexy, pero ha tenido que dar marcha atrás por las protestas.

En TierradeCinéfagos podéis ver las imágenes de una estatua de Robocop que adornará las calles de Detroit, ciudad en la que patrulla el singular policía que volverá a los cines en 2014 encarnado por Joel Kinnaman.

En Cineuropa publican una crítica sobre ‘La danza de la realidad’ (2013), la vuelta al cine de Alejandro Jodorowsky tras más de dos décadas. Os dejo el tráiler:

Eso es todo por ahora. Ya sabéis, podéis dejarnos sugerencias para la próxima entrega de la sección en nuestro formulario de contacto.

Cinco secuelas que sí deberían hacerse

Mikel Zorrilla — Mon, 20 May 2013 08:57:59 GMT

Estoy convencido de que va a llegar el momento en el que cada semana se estrene al menos una secuela. Este próximo viernes llega a España ‘Fast & Furious 6’ (id, Justin Lin, 2013), la semana que viene es el turno de ‘R3sacón’ (‘The Hangover Part III’, Todd Phillips, 2013) y las taquillas de todo el mundo están actualmente dominadas por ‘Iron Man 3’ (id, Shane Black, 2013), cinta que ya ha superado el billón americano de recaudación. Esto está siendo la causa de que prácticamente cualquier película pueda tener una secuela por absurda e innecesaria que ésta pueda ser, aunque también hay casos en los que los amantes de una cinta concreta nos quedamos con las ganas de ver una nueva entrega de determinados títulos.

Es por todos sabido que en Pixar cada vez son más propensos a hacer secuelas de sus grandes éxitos, pero muchos llevamos años preguntándonos el motivo de que no hayan hecho una de ‘Los increíbles’ (‘The Incredibles’, Brad Bird, 2004). El propio Brad Bird ha comentado hace unos días que tiene varias ideas para rodar una nueva entrega, pero que aún no ha conseguido que éstas encajen para poder hacer una secuela como mínimo a la altura de su primera parte. He querido aprovechar este hecho para proponeros otras cinco películas de las que considero que sí debería hacerse una secuela, o al menos haberse hecho, ya que en todas ellas se trabajó en una segunda entrega en un momento u otro.

‘El protegido’

M. Night Shyamalan podía hacer básicamente lo que quisiera tras el monumental éxito económico de ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, 1999), por lo que consiguió que Disney financiara un guión que había escrito por su cuenta, sin garantía alguna de que fuese a convertirse en realidad. Tras embolsarse 10 millones de dólares para escribirla y dirigirla, Shyamalan creó con ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000) no sólo su mejor película, sino posiblemente también el mejor acercamiento cinematográfico a la figura del superhéroe. Por desgracia, ‘El protegido fue una decepción comercial —que no fracaso, ya que costó 75 millones y recaudó 250— y las posibilidades de ver una segunda entrega —o incluso una trilogía— se quedaron en nada.

Ha habido varias menciones más con el paso de los años sobre la posible existencia de ‘El protegido 2’ y tanto Bruce Willis como Samuel L. Jackson han declarado su interés en hacerla, llegando a comentar este último que siempre que se reunía con Shyamalan charlaban sobre esta posibilidad. Por desgracia, las últimas noticias vinieron de la mano del propio Shyamalan, quien reveló que había utilizado al que debería ser el villano de dicha secuela para otra película sin relación alguna con ‘El protegido’.

¿Quién engañó a Roger Rabbit?

El cine de animación estaba pasando por horas bastante bajas cuando Disney consiguió convencer a otros muchos estudios para ceder los derechos de sus personajes y así crear esa pequeña genialidad conocida como ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ (‘Who Framed Roger Rabbit?’, Robert Zemeckis, 1988). Liderada por un estupendo Bob Hoskins, la película combina imagen real y animación con una precisión envidiable y también mezcla con un acierto indiscutible la comedia con el cine negro. ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ fue un gran éxito comercial y revitalizó el interés del público por la animación, siendo éste uno de los principales problemas para que sólo volviésemos a ver a Roger Rabbit en tres cortometrajes.

Steven Spielberg —productor de la película— y Disney tenían claro que una nueva entrega era algo que debía hacerse, pero se llegó a la conclusión de que una precuela era la opción que más motivaba a sus responsables. La historia iba a ambientarse en 1941, con Roger buscando a su madre y Jessica siendo secuestrada y forzada a hacer proclamas a favor de los nazis. Una disputa entre Michael Eisner y Steven Spielberg fue el principio del fin, ya que el segundo decidió abandonar el barco tras rodar ‘La lista de Schindler’ (‘The Schindler’s List’, 1993) con la excusa de que ya no se sentía cómodo satirizando a los nazis.

Ya en 1997 se intentó revivir el proyecto, llegando a contratar a Alan Menken para componer cinco canciones para la película —aquí podéis escuchar una de ellas—, pero los tiempos había cambiado y los tests mezclando animación tradicional e imagen real no gustaron a Disney, mientras que una posible intentona con animación por ordenador disparaba los costes. El proyecto sigue ahí, ya que el propio Robert Zemeckis comentó durante la campaña promocional de ‘El vuelo’ (‘Flight’, 2012) que estaba esperando a ver si los ejecutivos de Disney daban el visto bueno al guión ya acabado, pero mucho me temo que nunca llegaremos a verla.

’Hancock’

Son muchos los superhéroes del cómic que han dado el salto a la gran pantalla. Unos han tenido mayor fortuna que otros, pero la regla general siempre ha sido que han aparecido en varias películas si la primera consiguió el éxito esperado. Sin embargo, el caso de ‘Hancock’ (id, Peter Berg, 2008) es bastante particular, ya que esta comedia de acción presenta a su propio superhéroe e incluso muestra cierto interés en desarrollar su propio universo por mucho que esto suponga que el tramo final esté repleto de ciertos excesos dramáticos que hacen más mal que bien al resultado final. Sea como sea, ‘Hancock’ recaudó más de 600 millones de dólares, convirtiéndose así en otro éxito más en la carrera de Will Smith.

Lo más curioso del caso es que el guión de la primera entrega ya tardó una docena de años en ver la luz, ya que fue escrito por Vincent Ngo en 1996 y estuvo dando tumbos por Hollywood hasta que Will Smith aceptó protagonizarla. Para que os hagáis una idea, directores como Michael Mann, Jonathan Mostow o Tony Scott estuvieron asociados al proyecto en un momento u otro. Todos los implicados daban por hecho el rodaje de una segunda entrega tras el gran éxito de la primera, pero nadie tenía muy claro cuál iba a ser la historia que querían contar. Sony fichó en 2009 a Adam Fierro y Glen Mazzara para escribirla y prácticamente nada más se ha sabido desde entonces. ¿Otros doce años para que salga adelante o lo damos ya por imposible? El reciente caso de ‘Men in Black 3‘ (id, Barry Sonnenfeld, 2012) juega a su favor.

Críticas en Blogdecine:

’The Italian Job’

Esta nueva versión de la cinta inglesa de mismo título se convirtió en un elegante entretenimiento con un atractivo reparto —conviene aclarar que Edward Norton únicamente aceptó participar en ella porque estaba obligado contractualmente a hacerlo y su comportamiento en el set de rodaje fue bastante poco profesional— que triplicó sus 60 millones de presupuesto en su paso por los cines de todo el mundo. Eso sí, ‘The Italian Job’ (id, F. Gary Gray, 2003) nunca fue una película de la que hubiera una necesidad real de hacer nuevas entregas y eso se dejó notar con las grandes dudas de Paramount para darle luz verde.

Empezó a hablarse de ‘The Brazilian Job’ apenas un año después del estreno de ‘The Italian Job’, ya que estaba previsto el rodaje se iniciase en el 2005, pero jamás llegaron a tener un guión y el proyecto se paralizó de forma indefinida. David Twohy, que dentro de unos meses estrenará ‘Riddick’ (id, 2013), presentó un guión en el 2007 que gustó a Paramount, pero no para hacerlo de forma independiente como Twohy planteaba, sino para ser utilizado en ‘The Brazilian Job’. Se hicieron varios borradores, pero la productora jamás llegó a dar su aprobación. Dos años después se anunciaba que Charlize Theron había firmado para repetir su papel y F. Gary Gray expresó su interés en dirigirla, pero nada más se supo.

’South Park: Más grande, más largo y sin cortes’

‘South Park’ se estrenaba con gran éxito en 1997, llamando especialmente la atención su inagotable utilización de palabras malsonantes, por lo que ni tan siquiera hubo que esperar a que acabase su primera temporada para que se empezase a trabajar en su salto a la gran pantalla. Trey Parker y Matt Stone tenían claro que ‘South Park: Más grande, más largo y sin cortes’ (‘South Park, Bigger, Longer & Uncut’, Trey Parker, 1999) tenía que ser diferente y no dar la sensación de haber ampliado la duración de un capítulo normal para así poder estrenarlo en cines. El resultado fue un desternillante musical cuya recaudación multiplicó por cuatro su presupuesto.

Trey Parker y Matt Stone han comentado varias veces a lo largo de los años que no tienen nada en contra de hacer una secuela, pero consideran que ‘South Park: Más grande, más largo y sin cortes’ les salió tan bien que se ven incapaces de encontrar otra historia que merezca ser contada en la gran pantalla. Lo más parecido que han hecho a una película es ‘Imaginationland’, un magnífico episodio triple de la décima temporada que estaba inicialmente pensado para ser esa ansiada secuela, algo que también se nota en un acabado visual más trabajado de lo habitual en la serie y en la abundancia de nuevos personajes utilizados. No ha habido nuevas tentativas desde entonces, pero sus creadores han señalado en varias ocasiones que siguen abiertos a esa posibilidad.

No he incluido en la lista a ‘Los increíbles’ porque era demasiado previsible tras la aclaración inicial, pero no dudéis ni por un segundo que seré el primero en celebrarlo cuando llegue el día en el que en Pixar decidan seguir adelante con su secuela. Ahora os toca elegir a vosotros.

Peter Weir: 'El visitante', enervante interludio televisivo

Sergio Benítez — Mon, 20 May 2013 05:48:33 GMT

Los más que sobresalientes resultados obtenidos por ‘La última ola‘ (‘The last wave’, 1977) permitían a Peter Weir firmar un contrato con la South Australian Film Corporation, anunciándose a bombo y platillo que el siguiente filme del cineasta sería ‘Gallipoli‘, puesta en escena de una famosa batalla de la Primera Guerra Mundial acaecida en tierras turcas y en las que las tropas australianas tuvieron gran protagonismo. Pero el proyecto que estaba llamado a consagrar al realizador, se vio aparcado momentáneamente mientras se cerraba el guión, momento que Weir tuvo que aprovechar para volver a la televisión y así hacer frente a sus acuciantes necesidades económicas.

Fue así como el cineasta llegó a ‘El visitante‘ (‘The plumber’, 1979) filme apadrinado por la cadena TCN-9 que en principio Weir sólo tenía que haber escrito pero que terminó dirigiendo a instancias de los dos productores del filme, que habían quedado muy impresionados por la espléndida labor que el director había hecho con un guión que se basaba tanto en las experiencias de unos amigos suyos que vieron invadida la intimidad de su hogar por un fontanero bastante extraño, como en las suyas propias con un autoestopista bastante curioso.

La fusión de ambos personajes es la que cristaliza en Max, un intromisivo fontanero que se presentará un buen día en el apartamento que ocupan el matrimonio compuesto por Brian, profesor de universidad, y Jill una antropóloga en pleno proceso de redacción de su tesis cuya estabilidad psicológica se verá comprometida por la inquietante presencia del extraño. Incidiendo así de nuevo en ese eje temático que ya hemos citado en las tres películas que han precedido a la que hoy nos ocupa, ‘El visitante’ supone no obstante una ruptura con los ambientes sensoriales desarrollados en ‘Picnic en Hanging rock‘ (‘Picnic at Hanging rock’, 1976) y ‘La última ola’, centrando aquí Weir su discurso narrativo en la opresiva y fría naturaleza del pequeño apartamento en el que se rueda la acción y en las profundas connotaciones sexuales que se van apuntalando durante todo el metraje.

Ya en la presentación de Max —un espléndido Ivar Kants—, introducido con planos medios a la altura de los genitales mientras entra en el ascensor del edificio en el que se desarrolla la práctica totalidad de la acción, podemos apreciar la fuerte voluntad de Weir por remarcar la definición sexual que caracterizará toda la cinta, una voluntad que irá mostrándose de forma constante mediante la violación del espacio íntimo que es el cuarto de baño por parte de un personaje de naturaleza claramente animal que inquieta desde el primer momento.

Contrapuesta al fontanero encontramos a Jill, una mujer frágil en la que se dan cita la Ingrid Bergman de ‘Luz que agoniza‘ (‘Gaslight’, George Cukor, 1944) o la Mia Farrow de ‘La semilla del diablo‘ (‘Rosemary’s baby’, Roman Polanski, 1968), sometida como estará al esquivo juego de tortura psicológica en el que queda atrapada por el fontanero, jugando Weir constantemente por las más que obvias connotaciones sexuales que dicha profesión tiene, algo que queda expuesto con contundencia cuando Max se dirige a Jill afirmando que “tiene las cañerías demasiado pequeñas, aguantan demasiada presión”. Un comentario éste que sirve como perfecto corolario de todas las arremetidas que desde un primer momento hará el personaje hacia el frígido y estirado carácter de la aburguesada protagonista.

En lo que a dirección se refiere, el cineasta australiano da aquí una nueva lección de economía narrativa, haciéndose eco de las formas de Hitchcock o Polanski para acentuar sobremanera el matiz psicológico de la historia mediante angulaciones y encuadres —abundan los contrapicados y picados cercanos— destinados a elevar la tensión en el espectador. En este sentido, resulta brillante la secuencia en la que (cuidado spoilers), tras haberle impedido la entrada en la vivienda, Jill comienza a escuchar ruidos en el falso techo, indicativo claro de que Max está colándose en el hogar, enfatizando Weir el estado de paranoia al que se ve sometida la protagonista con un espléndido travelling en contrapicado.

Sin ser una película sobresaliente, ‘El visitante’ es un interesantísimo ejercicio en el que Weir, haciendo gala de una gestión de recursos espléndida, concreta un cine sin revestimientos, artificios o ambages, descansando toda la efectividad de la cinta en los duelos interpretativos entre la pareja protagonista —los demás papeles, como la vecina y amiga o el marido casi ausente carecen de relevancia propia y están puestos ahí para reforzar la degradación psicológica de Jill—, en la soberbia puesta en escena del cineasta y en un guión que siempre deja en suspenso las motivaciones de Max, reforzando así la impresión de su animal naturaleza.

Un libreto que, además, sirve al cineasta para plantear una curiosa relación de sinonimia: si al principio del filme Jill narra a su esposo la humillación a la que sometió a un chamán aborigen sin pretenderlo, a la conclusión del metraje, la protagonista se verá obligada a abandonar sus rectas convicciones y ponerse al nivel de ese salvaje que es Max para tenderle una trampa, venciéndole y humillándole, ahora de forma consciente, en un terreno en el que él no puede competir, el intelectual. Y así lo muestra Weir con los dos últimos planos, un picado desde el punto de vista de Jill y un contrapicado desde el de Max que devuelve a cada personaje al lugar que le corresponde.

Placeres culpables: 'Armageddon' de Michael Bay

Alberto Abuín — Mon, 20 May 2013 03:47:07 GMT

Sabe el lector veterano que hay varios directores, digamos populares, que no cuentan con mis simpatías hacia su cine. Michael Bay es uno de ellos, un iluminado que posee varias películas dignas de la etiqueta de terrorismo cinematográfico, aún dentro de los márgenes en los que se suele situar su cine, los de la evasión. Muy poco dotado para la tensión, o para reflejar el drama que toda buena cinta de acción posee, es un director que suele confundir espectáculo con aparatosidad, tomando el exceso como firma. Proveniente del mundo del videoclip —como muchos otros realizadores— sus giros de cámara de 360 grados, marca de la casa, causan el más profundo de los rechazos, o apasionan a muchos consumidores de palomitas sólo interesados en desconectar el cerebro durante dos horas.

De su filmografía me quedo sólo con dos películas —el resto me parecen totalmente prescindibles, sobre todo su saga robótica—, ‘La roca’ (‘The Rock’, 1996), que a pesar de poseer una de las peores persecuciones jamás vistas, creo que tiene más aciertos que fallos, y también a Sean Connery con un carisma arrollador que hace que no nos planteemos demasiadas cosas; y ‘Armageddon’ (id, 1998) que multiplicaba por mil lo que Bay nos había ofrecido hasta ese momento. Si bien es cierto que analizando minuciosamente, y tampoco tanto, el film podríamos sacarle bastantes defectos, la delirante premisa es servida con tanta desvergüenza que es en esta película donde el estilo Bay encuentra su sentido. El exceso como disfrute rompiendo todas las reglas habidas y por haber en un sentido completamente distinto al que solía proclamar continuamente Fritz Lang. Exacto, acabo de nombrar a Lang en un post sobre Michael Bay.

Un meteorito avanza amenazante hacia nuestro querido planeta, ese que tratamos tan bien —ojo, hablamos de una película en la que se trata de forma muy peculiar a Greenpeace—, y sobre el cual impactará en 18 días. En la NASA idean el plan perfecto para evitar tal catástrofe que acabaría con la vida tal y como la conocemos, y no es otro que enviar dos naves al asteroide, posarse sobre él, perforarlo, introducir una bomba nuclear y hacerlo volar en dos pezados que pasarán de largo. Tal y como lo acabo de decir suena realmente estúpido, la suspensión de incredulidad debe practicarse durante toda la proyección o estaremos tan jodidos como la humanidad en la película. Para ello cuenta con un a ratos cachondo guión, obra de Jonathan Hensleigh —al igual que en la tercera aventura de John McClane, el film da comienzo con una explosión— y el hoy muy de moda J.J. Abrams, que gustó tanto a Bay que le encargó muchos de los diálogos, afortunadamente los menos ridículos.

Reciente el éxito de la magistral ‘Titanic’ (is, James Cameron, 1997) la historia de amor entre A.J. (Ben Affleck) y Grace Stamper (Liv Tyler) se introdujo a última hora, craso error, pues como luego demostraría en la lamentable ‘Pearl Harbor’ (id, 2001), Bay no está dotado para el romance, lo suyo son las explosiones. Sin duda los momentos más bochornosos de la película proceden de la historia de amor, ñoña y estúpida hasta decir basta y cuyos lamentables diálogos son obra de Scott Rosenberg, en uno de sus peores trabajos afortunadamente no acreditado. El resto hay que tomarlo como viene, y yo reconozco que me lo paso pipa, como un niño o aquellos jovencitos espectadores que en 1998 se emocionaron con la muerte de Bruce Willis para salvar al planeta. Sin duda el mejor arma del que dispone Bay, un actor admirado por muchos capaz de hacer creíble un personaje como Harry Stomper.

Y si he citado a Fritz Lang en un post sobre Michael Bay, voy a citar ahora a Howard Hawks, pues el carácter grupal de muchas de sus obras, la camaradería o compañerismo, parecen encontrarse también en ‘Armageddon’, salvando las distancias. Incluso los personajes femeninos de Hawks, llenos de fuerza, parecen encontrarse en el personaje de Liv Tyler en los primeros compases del film para luego difuminarse sin rastro. ‘Armageddon’ es puro Bay, en el buen sentido de la expresión, quien pone todo su empeño en todas y cada una de las secuencias de la película, dotando de una muy calculada intensidad los grandes momentos del film, tanto que parece que hay un gran momento cada cinco minutos. Los destrozos de los primeros pedazos de meteorito, el reclutamiento de la tripulación, la despedida antes del despegue, El DISCURSO DEL PRESIDENTE DE LOS ESTADOS UNIDOS, el despegue, la explosión de la estación espacil Mir, la vuelta a la luna, la caída de la primera nave, la resistencia del asteoride a ser destruído, el regeso de A.J. y por supuesto la detonación de la bomba, son “los momentos” en un film que pretende ser en sí mismo un momentazo.

Y así es, porque sus 151 minutos me pasan en un suspiro, y aunque algunas cosas me repatean profundamente —además de la historia de amor, ese humor tan burdo y vulgar a veces, o personajes inútiles y prescindibles, como el de Steve Buscemi— con otras disfruto a mis anchas, tal es el caso del personaje de Will Patton, otro carismático actor, o la chulería de Bay por saltarse todas las reglas de la física para así hacer posible lo imposible, y regalarnos alguna que otra set piece verdaderamente disfrutable, todos los destrozos sobre el planeta, el acercamiento de las naves al asteroide y todo lo que ocurre sobre él. También la emoción que desprenden instantes como Willis tomando el lugar de Affleck —y no la despedida posterior con su hija que es horrorosa— o la historia personal del personaje de Patton. Sí, todo sin demasiada profundidad, pero directo, sin florituras, y que dentro de sus parámetros funciona. En otras palabras ‘Armageddon’ es una película que sólo podía haber filmado Michael Bay, aunque desde entonces no ha sido capaz de hacer un film la mitad de entretenido que este.

'Marea letal', mareo mortal

Alberto Abuín — Mon, 20 May 2013 01:06:58 GMT

John Stockwell combina su faceta de actor con la de director. Su cara era muy común en los ochenta en título como ‘Christine’ (id, John Carpenter’, 1983) o ‘Top Gun’ (id, Tony Scott, 1986), una presencia que no molestaba en absoluto, todo lo contrario cuando decide ponerse detrás de las cámaras filmando thrillers, comedias y sobre todo historias ambientadas en el mar, tal es el caso de ‘Inmersión letal’ (‘Into the Blue’, 2005) o ‘Turistas’ (id, 2006), engendros casi insultantes que basan su atractivo en los cuerpazos que se pasean por delante del espectador, mientras que el cine en sí mismo simplemente desaparece, o se ahoga, nunca mejor dicho.

‘Marea letal’ (‘Dark Tide’, 2005) ha tardado más de un año en estrenarse en nuestras salas, y el resultado estaba claro, no ha logrado colarse ni en el top ten. De hecho, me sorprende que alguien se haya sentido realmente interesado en ver semejante bodrio —de momento la peor película en lo que llevamos de año— y que a priori sólo tiene a Halle Berry como atracción del respetable. Su apariencia de hija bastarda de ‘Tiburón’ (‘Jaws’, Steven Spielberg, 1975) también parece jugar en su contra, y no me extraña, esta película carece del más mínimo suspense para resistir una posible comparación con la obra maestra de Spielberg. En realidad carece de todo.

(From here to the end, Spoilers) Halle Berry, que lleva años siendo veneno para la taquilla —hasta que la recupere Bryan Singer para la nueva entrega sobre los X-Men— da vida a Kate, una instructora de buceo especialista en bucear al lado de tiburones, su gran pasión. Junto a su novio Jeff —el siempre extraño Olivier Martinez mostrando una total y absoluta falta de feeling con su partenaire— pretende filmar un documental sobre tan peligrosas criaturas, pero en un día de rodaje sucede un imprevisto (JA) y el mejor amigo de Katie, una especie de padre para ella, muere a manos de un escualo. Una espectacular elipsis de un año nos lleva a Katie intentando rehacer su vida lejos de todo y superando su trauma, pero Jeff regresa con una nueva propuesta. Un millonario caprichoso —eufemismo de gilipollas— quiere bucear junto a su hijo al lado de un tiburón blanco. Casi nada.

Tan escueto y delirante argumento está estirado hasta la extenuación en una película que se para demasiado en mostranos agua, y agua, y agua, y olas, y más agua, olvidándose por completo de los personajes —en este tipo de producciones no se necesitan personajes profundos, pero sí con un mínimo de trazo en sus personalidades—, y lo que es peor, la atmósfera o la acción, el drama. Stockwell está tan obsesionado por el mar —lo mismo le pasa en sus anteriores films en ambientes marinos— que uno no puede evitar acordarse de alguien de la talla de James Cameron, a quien Stockwell intenta parecerse en todo momento. Incluso en el film, en una muestra de su excaso sentido del humor, se suelta un chiste sobre Cameron que no tiene ni la más mínima gracia. En los interludios de las escenas subacuáticas el director vacila al personal con ridículas discusiones entre los personajes hasta convertirlos en idiotas de primera clase.

Las decisiones de todos ellos resultan no sólo increíbles sino estúpidas en toda regla. Desde la inicial de Katie de apartarse de todo, hasta la de aceptar la propuesta de su ex, ridícula en sí misma, o la de llevar al millonario —personaje que acaba con la paciencia de cualquiera— a un lugar peligroso en el que hay grandes tiburones peligrosos, y sólo porque se ha enfadado. Inútiles excusas para situar a los personajes en el centro del problema, pero una vez metidos en materia —subrayemos que el film tarda una eternidad en arrancar— se revela la nula capacidad de Stockwell para el suspense. En su lugar, nos muestra el peligroso fondo marino siempre sin tener un punto de referencia, vacilando y lo complementa con abonimables secuencias de diálogos que son capaces de enrojecer a cualquiera. La discusión entre Katie y su ex es una de las secuencias más vergozosas del cine actual.

Debemos sumar el poco arrojo de los actores, que ciertamente mucho no pueden hacer con personajes tan, tan tópicos y pobres. Halle Berry tendrá un Oscar —¿cuántos grandes no lo han ganado y cuántos mediocres tienen varios?— pero nunca me pareció una buena actriz, y en ‘Marea letal’ se encuentra una de sus peores interpretaciones, que ya es decir. Incapaz de darle algo de personalidad a cualquier personaje, es la que se lleva la palma en el reparto. La que más planos chupa, la que más diálogos tiene, la que más grita y por supuesto, la que más se luce físicamente. El resto del elenco poco puede hacer, salvo poner cara de circunstancias o intentar divertirse, como parece ser el caso de Ralph Brown con su espantoso rol. Esa habría sido una buena opción, la de tomárselo todo a cachondeo. Desgraciadamente ‘Marea letal’ resulta ridícula de lo seria que pretende ser.

Taquilla USA: La Enterprise desplaza a Iron Man

Alberto Abuín — Sun, 19 May 2013 22:52:50 GMT

Antes de enfrancarse en los preparativos para el rodaje del séptimo episodio de la saga Star Wars, J.J. Abrams goza del enorme éxito que ha obtenido con ‘Star Trek: En la oscuridad’ (‘Star Trek Into Darkness, 2013), la única película que ha sido capaz de arrebatarle el trono en la taquilla americana al superblockbuster ‘Iron Man 3’ (‘Iron Man Three’, Shane Black, 2013), que sigue su exitosa andadura por las carteleras de medio mundo. El trabajo de Abrams tiene entusiasmado al público votante en la IMDb, que se deshace en elogios, mientras que la crítica la trata muy bien, a la altura de la anterior entrega.

Salvo la cinta de Robert Wise, nunca he encontrado interesante el mundo trekkie hasta que llegó J.J. Abrams y lo hizo atractivo. La segunda entrega se estrenará en nuestras pantallas el próximo 5 de julio, y servirá como apertivo a lo que el director nos mostrará en el 2015, cuando cierta fanfarria de John Williams suene estruendosamente en nuestros oídos. Mientras tanto la fuerza parece acompañar a Abrams. Y que dure.

Vía | IMDb

John Travolta y Anthony Hopkins protagonizarán 'Gotti: In the Shadow of my Father' de Joe Johnston

Mikel Zorrilla — Sun, 19 May 2013 21:49:54 GMT

La trágica muerte de su hijo Jett en el 2009 llevó a John Travolta a abandonar temporalmente su carrera como actor, ya que no se veía con ganas de seguir dedicándose a ello. Este hiato llegó a su final cuando aceptó la oferta de Oliver Stone para dar vida a un suculento personaje secundario de ‘Salvajes‘ (‘Savages’, 2012) y ha decidido que no sea algo puntual, pues su presencia ya está asegurada para varios largometrajes. El que ahora nos interesa es ‘Gotti: In the Shadow of my Father‘ (id, Joe Johnston, 2014), ya que acaba de confirmarse que va a estar protagonizada por Anthony Hopkins y el propio Travolta.

‘Gotti: In the Shadow of my Father’ será el biopic de las andanzas criminales del mafioso John Gotti y la singular decisión del hijo de éste de abandonar el “negocio” familiar para redimirse. El proyecto llevaba varios años deambulando por Hollywood —hace un par de años que se rumoreó por primera vez la posible presencia de Travolta— sin conseguir salir adelante, pero las dudas ya han llegado a su fin. Contando con un guión de Lem Dobbs —‘Indomable’ (‘Haywire’, Steven Soderbergh, 2011)— y Leo Rossi —‘Mafioso: The Father, the Son’ (id, Anthony Caldarella, 2004)—, detrás de las cámaras encontraremos a Joe Johnston, una elección bastante inusual, ya que hasta la fecha había centrado su carrera en cintas muy diferentes a ésta como ‘Jumanji‘ (id, 1995) o ‘Capitán América: El primer vengador‘ (‘Captain America: The First Avenger’, 2011).

Anthony Hopkins y John Travolta no son los únicos intérpretes cuya presencia está confirmada en ‘Gotti: In the Shadow of my Father’, ya que en ella también podremos ver a Chazz Palminteri, Kelly Preston —esposa de Travolta— y Ella Bleu Travolta —no, el apellido no es mera coincidencia—. Se espera que el rodaje empiece en breve.

Vía | Variety

Añorando estrenos: 'Jason y los argonautas' de Don Chaffey

Alberto Abuín — Sun, 19 May 2013 19:02:31 GMT

El reciente fallecimiento de Ray Harryhausen me ha hecho revisar la que él consideraba su película favorita de todas aquellas en las que metió su maravillosa mano para los trucajes en los efectos especiales. ‘Jason y los argonautas’ (‘Jason and the Argonauts’, Don Chaffey, 1963) es pura fantasía ambientada en una tierra lejana dominada por los dioses y sus caprichos, y que es recordada sobre todo por las creaciones de Harryhausen que, como siempre sirvieron de inspiración a muchos directores, mientras que hizo soñar a muchos espectadores. La realización se deriva del éxito obtenido con ‘Simbad y la princesa’ (‘The 7th Voyage of Sinbad’, Nathan Juran, 1958), con la que se abría un nuevo camino en las producciones de Charles H. Schnner y con la que se pretendía crear una saga.

Harryhausen fue productor asociado de Schnner y juntos dieron salida a varios títulos en los que el primero desplegó todo su imaginario con la creación de criaturas involvidables. De entre todos los títulos que ambos produjeron se encuentran el presente, los films de Nathan Juran —‘La gran sorpresa’ (‘First Men in the Moon’, 1964) es un film a reivindicar— o esa curiosa mezcla entre western y dinosaurios titulada ‘The valley of Gwangii’ (1969). ‘Jason y los argonautas’ es de los films más sólidos al lado de las cintas de Juran, todo un logro que trasciende la mano de Harryhausen para erigirse como producto con vida propia. La búsqueda del vellocino de oro como mcguffin, con cierta visión escéptica sobre la religión, da com oresultado un vibrante relato lleno de emoción.

(From here to the end, Spoilers) El guión de Jan Read y Beverly Cross se centra en la búsueda del mencionado vellocino de oro por parte de Jason —un muy inexpresivo Todd Armostrong, algo así como el Keanu Reeves de la época— para recuperar el trono usurpado de su padre fallecido. El usurpador, el rey Pelias (Douglas Weilmer) engaña a Jason para que vaya en busca del vellocino con la esperanza de que aquel muera en su ardua empresa, ya que una de las maldiciones de Pelias es no poder acabar con Jason él mismo. Así pues Jason reunirá a una tripulación elegida entre los elegidos para partir con rumbo incierto en la búsqueda de aquello que le devolverá el honor a su padre y a él el reino que le pertenece por derecho propio.

Don Chaffey —director televisivo cuyos films más conocidos son el presente y el superbombazo ‘Hace un millón de años’ (‘One Million Years B.C.’, 1966) con Raquel Welch quitando el hipo a media humanidad— va directo al grano con un prólogo demasiado apresurado —algo que también se da en el epílogo, ahí por la esperanza de que las aventuras de Jason siguieran en un siguiente film— para centrarse en lo que realmente importa: las pruebas a las que será sometido Jason en su búsqueda. De esta forma la película parece construida a base de bloques, cuyos nexos de unión impiden que el film esté fragmentado. Todo avanza con fluidez y mucho sentido del humor. Jason reúne a varios héroes griegos de sobra conocidos entre los que se encuentra Hércules, al que da vida un entregado Nigel Green, y sobre el que navega todo el humor del film. Cuando en un muy acertado punto de guión Hércules desaparece teniendo su propia aventura, el film se vuelve serio.

Todas y cada una de las set pieces de ‘Jason y los argonautas’ brilla con total intensidad la mano de Ray Harryhausen, poniendo el listón cada vez más alto. Han pasado a la historia, por evidentes méritos, secuencias como la del coloso de hierro, prodigio de expresividad con marcados aires trágicos, o la muy recordada lucha contra los esqueletos, que llevó mese de preparación y en pantalla son apenas tres minutos. También llama la atención el instante de suspense en el que hace acto de aparición el dios Neptuno para echar un mano a nuestros sufridos viajeros. En un principio Neptuno iba a ser una de las maquetas de Harryhausen pero se cambió por imagen real con resultados más que sorprendentes y sobre todo convincentes. Esa es una de las máximas del presnte film, su gran poder de convicción, de hacernos creer lo que vemos en pantalla.

A pesar de que estamos hablando de un título con el único propósito de entretener, no faltan en el mismo visiones sobre la religión con cierto punto incluso irreverente. Los dioses jugando con los humanos a su capricho, como si se tratase de una mera diversión, o la contundente frase de diálogo “sin la fe de los hombres no sois nada”, contienen un tono de marcada irrespetuosidad que no dañan para nada el conjunto, al contrario. Si a eso sumamos la marvillosa banda sonora de Bernard Herrmann —uno de los pocos compositores que hacían música puramente cinematográfica— el disfrute está servido. Con ingenuidad, también con decisión, y con la capacidad de hacer soñar.

Thomas Vinterberg dirigirá 'Drinking'

Mikel Zorrilla — Sun, 19 May 2013 18:05:51 GMT

Nunca sentí demasiado interés en las películas que surgieron a partir del movimiento Dogma, pero su existencia mereció la pena aunque sólo sea por haber dado pie a la existencia de la notable ‘Celebración‘ (‘Festen’, 1998). Thomas Vinterberg, su director, consiguió cierto eco internacional gracias a ella, pero su carrera nunca terminó de despegar. En su momento se esperaba mucho de ‘Querida Wendy‘ (‘Dear Wendy’, 2005), ambiciosa coproducción europea —hasta ocho países participaron en ella—, pero los resultados no estuvieron a la altura de lo esperado. Sin embargo, su suerte cambió recientemente a raíz del estreno de ‘La caza‘ (‘Jagten’, 2012) y quiere capitalizar su éxito rodando ‘Drinking‘.

Una de las cosas más llamativas de ‘Drinking’, título provisional que podría acabar cambiando, es que Vinterberg, Tobias Lindholm, con quien ya había colaborado en ‘La caza’ y ‘Submarino‘ (id, 2010), y Anders Thomas Jensen —‘En un mundo mejor’ (‘Hævnen’, Suzanne Bier, 2010)— quieren rendir con ella un homenaje a la importancia del alcohol en las relaciones sociales. El propio Vinterberg ha matizado que no quieren hacer una apología de su consumo, pero sí tratar un tema normalmente demonizado en el cine, por lo que no tendrán problemas en recurrir también a las borracheras para mostrar el papel clave que la ingesta de alcohol ha jugado a lo largo de toda la historia.

Eso sí, ‘Drinking’ no será la siguiente película de Vinterberg, ya que él y Lindholm tienen ya listo el guión de ‘The Commune‘, cinta que se basa en las propias experiencias de Vinterberg viviendo en una comuna durante los años 70 y cuyo rodaje comenzará a principios de 2014. Por su parte, sobre ‘Drinking’ también se sabe que la acción se situará en Dinamarca, donde el consumo de alcohol en grandes cantidades está más aceptado socialmente que en otros países.

Vía | Screen Daily

'Yo, el halcón', los pulsos de Stallone

Mikel Zorrilla — Sun, 19 May 2013 12:07:34 GMT

Mi compañero Sergio hizo hace unas semanas un pequeño repaso a varios títulos de la Cannon, infame productora que gozó de cierta popularidad en los años 80 por sus cintas de acción. Éstas rara vez hacían gala de algún elemento artístico que merezca la pena ser recordado positivamente, algo a lo que ayudó mucho la fama de dar luz verde a cualquiera propuesta que les llegase —y sólo hay que echar un vistazo a su filmografía para ver lo cerca de la realidad que está eso— que se ganaron Menahem Golan y Yoram Globus, los mandamases de esta compañía.

Hacía ya muchos años que no veía una película producida por Golan y Globus —la última fue ‘America 3000’ (id, David Engelbach, 1986), lamentable cinta que algunos únicamente recuerdan por el uso de la palabra plastigocuay en su doblaje al castellano— y no tenía la más mínima intención de que eso cambiara. Sin embargo, mi novia y yo estábamos haciendo zapping y vimos que la información que nos daba el propio canal definía a ‘Yo, el halcón’ (‘Over the Top’, Menahem Golan, 1987) como una película que “combina músculos, acción y toques de drama“. Tan singular propuesta nos creó la necesidad de verla y la verdad es que ojalá nunca hubiésemos caído en la tentación.

El toque Cannon

Golan y Globus se habían apuntado un gran triunfo con ‘Cobra, el brazo fuerte de la ley’ (‘Cobra’, George P. Cosmatos, 1986), ya que apenas había costado 25 millones de dólares y recaudó 160 en todo el mundo —y unas cuantas decenas más por el alquiler y venta de la película en VHS—. El problema es que se dejaron cegar por la avaricia, ya que la Cannon no fue la única productora de la película y con ‘Yo, el halcón’ quisieron repetir la jugada. Con el mismo presupuesto y contando de nuevo en el papel principal con Sylvester Stallone, que se embolsó prácticamente la mitad de esos 25 millones, ‘Yo, el halcón’ fue una de las últimas grandes apuestas de Cannon por seguir adelante, pero también un notable fracaso que selló el destino de la compañía por mucho que sus dueños estirasen unos años más su agonía.

No es tan sorprendente que el propio Golan se encargase de la puesta en escena de ‘Yo, el halcón’, ya que contaba con sobrada experiencia en esa materia, poco antes había rodado ‘Delta Force’ (‘The Delta Force’, 1986), uno de los títulos más míticos de la Cannon, y la tónica reinante en la productora era que la figura del director no tenía mayor trascendencia que la de poner la cámara a poder ser en el sitio oportuno, pero sobre todo acabarla lo antes posible. El beneficio económico siempre ha sido lo más importante, pero pocos exponentes hay tan claros de ello como los trabajos de la Cannon.

Eso es algo que también sucede en ‘Yo, el halcón’, ya que no hay ni una ligera chispa de genialidad en su trabajo de dirección. De hecho, la única singularidad, encaminada a dar una mayor veracidad a lo que vemos en pantalla, son esas pequeñas escenas en el tramo final en las que varios personajes, entre ellos el propio Stallone, hablan directamente a cámara para explicar cuáles son sus aspiraciones en caso de ganar el torneo de pulsos. El problema es que son pequeños islotes sin continuidad alguna que la única sensación que dejan es de una tremenda absurdez en su intento de dotar de más trascendencia a un relato ya bastante ridículo de por sí.

El niño repelente y el abuelo odioso

Estoy convencido de que hasta el propio Stallone acabó hasta las narices del nulo talento mostrado por David Mendenhall a la hora de dar vida su hijo en la ficción, siendo esto lo que llevó a confiar en Sage Stallone para cumplir esa tarea en la tampoco especialmente celebrable ‘Rocky V’ (id, John G. Avildsen, 1990). Tampoco le ayuda nada el lamentable libreto de Stirling Silliphant y el propio Stallone, donde el chaval comienza siendo un mocoso odioso para convertirse casi por arte de magia en alguien que profesa una admiración inagotable hacia su padre, algo que alcanza cotas especialmente delirantes en el tramo final de la película.

Sin embargo, la pobre trama familiar de la película, clara inspiración para la muy superior ‘Acero Puro’ (‘Real Steel’, Shawn Levy, 2011), no se limita a un chaval repelente, sino que incluyen un breve presencia de la madre enferma y convierte el abuelo del hijo de Stallone en la ficción en un villano de opereta bastante lamentable. Robert Loggia hace todo lo que puede por dotar de algún tipo de entidad a su personaje, pero los ya de por sí esquemáticos diálogos que dominan la función alcanzan sus cotas más bajas cuando le toca compartir escena con Stallone.

El héroe de los pulsos

Stallone era bien consciente de la creciente popularidad de la que la lucha libre gozaba a mediados de los 80, ya que ofreció la primera gran oportunidad en la gran pantalla a Hulk Hogan en ‘Rocky III’ (id, Sylvester Stallone, 1982), gran figura de ese deporte por aquel entonces que aún iría a más en los años posteriores. Mucho más marginales han sido siempre los torneos de pulsos, pero también más baratos y sencillos de mostrar en la gran pantalla, por lo que eran un campo de batalla ideal para que Stallone pudiera volver a ejercer como Rocky, pero sin la necesidad de manchar su querida franquicia, aunque, justo es reconocerlo, ésta ya estaba en clara decadencia artística —que no comercial— por aquel entonces.

Poco importa que su introducción en la conflictiva trama familiar entre su personaje y su hijo aparezca casi de la nada, un recurso facilón para añadir una falsa sensación de emoción que acaba volviéndose en su contra. Cierto es que se nos introducen los rasgos —el movimiento de su gorra antes de empezar y un giro irreal a mitad de pulso que marca el devenir de los acontecimientos— que definirán el estilo de Stallone en el gran torneo final y también al otro villano principal de la función, pero de nada sirve esto si la tensión se convierte en algo risible, algo que alcanza cotas inenarrables cuando ambas líneas argumentales confluyen para que el hijo del protagonista forje su carácter contra el típico matón de turno.

Los pulsos rápidamente vuelven a perder importancia en beneficio de la trama familiar, a la que incluso se intenta dotar de una artificiosa espectacularidad con la secuencia en la que el protagonista irrumpe contra un edificio con su camión. Tras varias estupideces más —el chaval huyendo como si nada de un equipo de seguridad de élite—, pasamos al gran torneo final, donde la sucesión de pulsos no podría ser más repetitiva y previsible por mucho suspense que quieran crear a su alrededor —una derrota intrascendente para Stallone, las repetidas menciones a los cinco años imbatido del actual campeón, etc.— y el detalle en busca de un mayor realismo que comento más atrás no sólo funciona bastante mal, sino que rompe el pobre ritmo de la película.

Golan y Goblus intentaron salvar los muebles como pudieron, llegando a poner a ‘Yo, el halcón’ al nivel de otros grandes éxitos de Stallone de cara a su posterior exhibición en el mercado doméstico para ver si así podían reponerse de su fracaso, pero el intento fue en vano. No obstante, lo que a nosotros nos interesa es su inexistente calidad artística y su muy dudosa valía como entretenimiento si quieres echarte unas risas a su costa —impagables las reacciones gestuales de Stallone y el resto de actores durante los pulsos—, porque difícilmente conseguirás pasar un buen rato con ‘Yo, el halcón’.

Marton Csokas y Chlöe Grace Moretz se suman a 'The Equalizer' de Antoine Fuqua

Juan Luis Caviaro — Sun, 19 May 2013 10:30:59 GMT

Ya está todo prácticamente resuelto de cara al próximo rodaje de ‘The Equalizer’, la adaptación de la serie creada por Michael Sloan y Richard Lindheim, conocida en España como ‘El justiciero’. Antoine Fuqua —‘Training Day’ (2001), ‘Objetivo: La Casa Blanca’ (‘Olympus Has Fallen’, 2013)— se ocupará de dirigir una película que como ya os informé va a estar protagonizada por Denzel Washington. La estrella dará vida a Robert McCall, un hombre de misterioso pasado que vigila las calles de Nueva York resolviendo asuntos injustos.

Recientemente se han incorporado al reparto Marton Csokas y Chlöe Grace Moretz, quienes interpretarán a los otros personajes principales de la historia, escrita para la gran pantalla por Richard Wenk. Csokas —‘El mito de Bourne’ (‘The Bourne Supremacy’, P. Greengrass, 2004), ‘La deuda’ (‘The Debt’, J. Madden, 2010)— se ha quedado el papel del villano, un vicioso asesino que resuelve problemas para la mafia rusa, mientras que Moretz —‘Kick-Ass’ (M. Vaughn, 2010), ‘La invención de Hugo’ (‘Hugo’, M. Scorsese, 2011)— encarnará a una jovencísima prostituta empleada por los rusos.

El protagonista seguirá el ejemplo de Travis Bickle —‘Taxi Driver’ (M. Scorsese, 1976)— y tratará de salvar a la chica mediante métodos violentos. ‘The Equalizer’ se empezará a filmar este verano en Boston y debería estrenarse en 2014.

PD: Csokas llega a esta producción tras participar en ‘Noah’ (D. Aronofsky, 2014), ‘Sin City: A Dame to Kill’ (F. Miller, R. Rodriguez, 2013) y ‘The Amazing Spider-Man 2’ (M. Webb, 2014).

Vía | HollywoodReporter

Cine en el salón. 'El carnaval de las tinieblas', correcta adaptación de una gran novela

Sergio Benítez — Sun, 19 May 2013 05:24:16 GMT

Junto a la magistral ‘Crónicas marcianas‘, ‘La feria de las tinieblas‘ siempre ha sido mi obra favorita del gran Ray Bradbury, algo quizás provocado por haberla leído con los catorce años que James Nightshade y William Halloway, sus dos protagonistas, tienen en el libro. Y esa ha sido la única razón por la que nunca me había atrevido a visionar ‘El carnaval de las tinieblas‘ (‘Something wicked this way comes’, Jack Clayton, 1983), la adaptación que Disney ponía en pie hace tres décadas de la novela.

En realidad hay otra razón por la que nunca me he atrevido a acercarme al filme que nos ocupa, y esa no es otra que el que estuviera producido por la Disney de los ochenta: ya he hablado en dos ocasiones de lo que la productora intentó con todas sus fuerzas en esta década en la que trató de seguir manteniéndose fiel al espíritu del Tío Walt mientras abría sus miras a un público más adulto. De una empresa que se saldó con más que irregulares resultados hemos cubierto ya ‘El abismo negro‘ (‘The black hole’, Gary Nelson, 1979) y ‘Oz, un mundo fantástico‘ (‘Return to OZ, Walter Murch, 1985), dos filmes que ponen en evidencia el natural temor a acercarme a la adaptación de un libro tan apreciado.

Vencidas las reticencias iniciales al comprobar como el propio Bradbury se encargó de la traslación de su texto original al guión del filme, he de confesar que ‘El carnaval de las tinieblas’ ha terminado resultando una agradable sorpresa a pesar de sus carencias y de lo mucho que se esforzó la productora por destrozar la cinta con constantes alteraciones sobre el material preparado por el escritor para un libreto que, al menos sobre el papel, pretendía ser lo más fiel posible a la novela.

(De aquí en adelante, spoilers) La historia que Bradbury había escrito veinte años antes sigue a los dos muchachos antes citados en un momento determinante de sus vidas —el del paso de la niñez a la adolescencia— usando como catalizador del mismo la llegada al pequeño y típico pueblo americano en el que viven de una feria ambulante, el “Mr. Dark’s Pandemonium Carnival”, un espectáculo regentado por el sr.Dark —correcto Jonathan Pryce—, un enigmático personaje que ofrece realizar los sueños de sus clientes por un módico precio y que tendrá que vérselas de frente con los dos críos y con el padre de uno de ellos, un espléndido Jason Robards.

En ese oxímoron de querer hacer cine para niños que en realidad es para adultos pero sigue siendo para niños, ‘El carnaval de las tinieblas’ no aqueja tan graves problemas como los que acusaban las dos cintas que citaba algo más arriba pero esto no significa, ni mucho menos, que el filme funcione a las mil maravillas: intentando reflejar aquellos aspectos de la novela que más le atraían, Clayton —cuya dirección atesora momentos brillantes, como esa secuencia inicial que es la que mejor plasma el espíritu del libro— se encontró en los pases previos con la incomprensión de un público que atacó de frente su labor, no valorando tampoco de forma positiva la magnífica partitura que Georges Delerue había escrito para la cinta a instancias de Bradbury; una partitura de la que después el artista prepararía una suite incluída en el tercer volumen de los discos que Varese Sarabande editó con temas de toda su filmografía.

Ni corta ni perezosa, Disney se propuso arreglar el entuerto en el que parecían —porque sólo lo parecía— haberse metido cineasta y guionista y, casi un año después de haber concluido el rodaje, filmaron nuevas escenas destinadas a hacer más accesible el filme, contratando a James Horner para que sustituyera la oscura y dramática partitura de Delerue por una más ligera acorde con el “nuevo” tono de la cinta.

Perfectamente identificables por la notable diferencia de estatura en ambos niños protagonistas, lo que dichas escenas evidencian —sobre todo la de las tarántulas— es lo perdida que andaba Disney en estos años si, para lograr su objetivo, metían con calzador una secuencia terrorífica plagada de arácnidos y puntualizada por un enervante tema musical de Horner que recuerda poderosamente a lo que, dos años después, compondrá para ‘Aliens, el regreso‘ (‘Aliens’, James Cameron, 1986); una escena que por su endeblez no es capaz de meter el miedo en un adulto pero que para un “peque” tiene que resultar como poco aterradora.

Con todo, y aun a la vista de lo poco que aportan a la cinta las dos o tres secuencias añadidas, el tono general del metraje y lo bien que logra hacerse eco de algunos de los temas que se tratan en la novela hacen que coincida con Ray Bradbury en su valoración del montaje final: “no es un gran filme, pero es bastante decente“. Quizás no sea decir mucho de una producción que costó 19 millones de dólares —y se estrelló en taquilla, recaudando poco más de la mitad— pero si se contextualiza la afirmación en relación a los otros muchos ejemplos que la Disney produjo en aquellos años, queda más que justificada el calificarla, como servidor hacía más arriba, como una agradable sorpresa.

Morgan Freeman y Diane Keaton protagonizarán 'Life Itself' de Richard Loncraine

Mikel Zorrilla — Sat, 18 May 2013 22:44:58 GMT

Cada vez es más habitual en Hollywood que los respetados actores veteranos estén condenados a dejarse ver en papeles poco trabajados en grandes producciones o tener que rezar para que salga algún proyecto oscarizable que cuente con algún personaje ideal para ellos. Los casos de Morgan Freeman y Diane Keaton son diametralmente opuestos, ya que el primero no tiene problemas en dignificar cualquier blockbuster con su presencia, mientras que ella no se prodiga en exceso en los últimos años. Sin embargo, lo que ahora nos interesa es que Freeman y Keaton van a encabezar el reparto de ‘Life Itself‘ (id, Richard Loncraine).

‘Life Itself’ nos contará la historia de un veterano matrimonio neoyorquino que ponen su casa a la venta. Las disputas económicas entre otras parejas por hacerse con ella y, sobre todo, la necesidad vital de ellos de hacerse a la idea de dejar atrás su hogar serán los grandes ejes del relato. Detrás de las cámaras encontraremos a Richard Loncraine, artífice de títulos de dudoso interés como ‘Wimbledon‘ (id, 2004) o ‘Firewall‘ (id, 2006). Su tarea será llevar a buen puerto el guión que Charlie Peters —‘Tres hombres y una pequeña dama’ (‘3 Men and a Little Lady’, Emile Ardolino, 1990)—, con quien ya había colaborado en ‘Más vale sola que mal acompañada‘ (‘My One and Only’, 2009), ha escrito a partir de ‘Heoric Measures‘, la novela de Jill Ciment.

Vía | Deadline

Colin Firth protagonizará 'A Foreign Country'

Mikel Zorrilla — Sat, 18 May 2013 21:20:38 GMT

Puede que Colin Firth esté muy lejos de ser una garantía de éxito comercial, pero lo que su presencia sí suele asegurar es que la película va a tener al menos un mínimo interés. Ya estaba confirmado que en el futuro vamos a poder verle en proyectos tan apetecibles como los nuevos trabajos de Woody Allen, donde compartirá protagonismo con Emma Stone, y Matthew Vaughn, pero ahora acaba de saberse que también va a encabezar el reparto de ‘A Foreign Country‘.

‘A Foreign Country’, que tiene su origen en la novela homónima de Charles Cumming, supondrá el regreso de Firth al cine de espías tras la notable ‘El topo‘ (‘Tinker Tailor Soldier Spy’, Tomas Alfredson, 2011), ya que la historia girará alrededor de un antiguo agente del servicio de inteligencia inglés que regresará para ocuparse de un último caso de conspiración que tiene sus raíces dentro de la propia compañía. Firth también participará como productor en la misma a través de Raindog —empresa de la que es propietario junto a un antiguo ejecutivo de Sony—, por lo que es esperable que mueva los hilos todo lo rápido que le sea posible para que el inicio del rodaje no se demore en demasía.

Vía | The Playlist

'Las tres noches de Eva', del amor y otras ficciones

Pablo Muñoz — Sat, 18 May 2013 18:30:32 GMT

Una estafadora llamada Jean Harrington (Barbara Stanwyck) se dedica a timar a timoratos junto a su padre y su socio. Cuando se enamora del acaudalado e ingenuo Charles Pike (Henry Fonda) y éste la rechaza, creyendo que sus intenciones fueron siempre criminales, Jean se venga, presentándose en el hogar de Pike, pasado un tiempo, bajo el nombre de Eve.

La vida de Preston Sturges fue, a diferencia de otras biografías a las que acudimos guiados solamente por la curiosidad de saber como funcionaba la mente de un artista que fue capaz de crear obras cuyo poder de fascinación consideramos difícil de extinguir, tan notable y curiosa como cualquiera de las historias que él mismo dirigió.

Fruto del matrimonio entre Mary Estelle Dempsey, una mujer bohemia e impredecible, y el vendedor ambulante Edmund C. Dempsey, debe su apellido al millonario y corredor de bolsa Solomon Sturges, con quien su madre contrajo matrimonio tras anular el que tuvo con su padre biológico.

Sturges fue primero dramaturgo en Broadway, después, durante un tiempo que terminó mal debido a su temperamental personalidad que le hacian batallar con sus superiores, director al servicio de los grandes estudios y finalmente cineasta independiente. Todo esto, sin dejar de ser millonario o enterpreneur, en una vida, como digo, tan entretenida y tan significativa como la de sus mejores relatos.

Se trata de un director de comedias, pero nada tiene de optimista. De hecho, las películas de Sturges suelen ser cínicas, cuando no descorazonadoras, y resulta sorprendente, a la par que singular, esta obra maestra, ‘Las tres noches de Eva’ (The Lady Eve, 1941) dado que sobresale como uno de sus trabajos más optimistas.

Hay algo profundo en esta ficción, ya sea porque asume al amor como otra de nuestras ficciones, ya sea porque finalmente se atreve, aunque de manera liviana e irónica, a dar un paso adelante para que creamos en él. Para empezar, aquí el matrimonio es, como en el mundo en el que vivimos, también un relato monetario, en el que hay caudillaje, propiedad privada y lucrativo resultado.

Pero usando el caudillaje de manera poco o nada habitual para los clichés de la época, siendo el tonto encarnado por un inspirado Henry Fonda siempre el que está en aparente posición de debilidad, Sturges permite que fijemos nuestra atención en la graciosa – y poco valorada en su tiempo – Barbara Stanwyck, una gran dama de la screwball comedy que aquí pasa de la frialdad a la ternura llenando de verosimilitud a unas emociones sujetas a la celeridad del relato, típica en estas screwball comedies en las que abunda un ritmo vertiginoso que sitúa unas historias llenas de matrimonios, divorcios y hasta animales salvajes, ya sea el león de ‘La fiera de mi niña’ (Bringing Up Baby, 1938) o la serpiente de esta peripecia.

Al final, entre tantos engaños y tantos servilismos, los protagonistas se dan cuenta de que, precisamente por ser tan ajenos a las resistencias que han empleado en forma de mentiras que no han dejado de posponer su reunión, aceptan, de una vez por todas, los engaños y, entonces, en el momento más bello e inesperado se dicen la verdad por vez primera. Tal vez el amor sea eso: una constelación de pequeñas mentiras sin importancia para llegar a una verdad honda e imponente.

Sturges dirige con firmeza, dando espacio a sus actores y moviendo la cámara con cierta agilidad cuando así lo requiere, demostrando un extraordinario sentido de la puesta en escena y un imaginativo y llamativo uso de los planos más íntimos, ya sean medios o primeros, dejando que la sensual atracción entre los dos protagonistas sea contada perfectamente por su cámara.

Es imposible volver a ver una película así, lo cual es una buena razón para que no dejemos de verla una y otra vez.