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Scarlett Johansson y Mark Ruffalo protagonizarán lo nuevo de John Carney ('Once')

Juan Luis Caviaro — Sat, 04 Feb 2012 02:29:56 GMT

Como sabéis de sobra, queda menos de tres meses para el estreno de ‘Los Vengadores’ (‘The Avengers’), una superproducción que aspira a convertirse en uno de los títulos más taquilleros de todos los tiempos. Recientemente se ha anunciado que dos de sus protagonistas, Scarlett Johansson y Mark Ruffalo, volverán a coincidir en la gran pantalla gracias a una película completamente diferente. Se trata de un drama romántico de bajo presupuesto titulado ‘Can a Song Save Your Life?’ (‘¿Puede una canción salvarte la vida?’), el nuevo trabajo de John Carney, escritor y director de la popular ‘Once’ (2006). Carney firma el guion, se ocupará de la puesta en escena y colaborará con Gregg Alexander para crear la música de la película.

‘Can a Song Save Your Life?’ gira en torno a Gretta (Johansson), una chica que viaja con su novio a Nueva York para perseguir su sueño de convertirse en una gran estrella de la música. Pero cuando el chico logra el éxito y la fama, abandona a Gretta. La joven no tira la toalla y se dedica a cantar en un bar, donde un productor musical que atraviesa un mal momento (Ruffalo) se fija en ella, cautivado por su talento y autenticidad (ejem, claro, el físico es irrelevante…); a partir de este encuentro se iniciará una amistad que proporcionará a ambos una segunda oportunidad. Ya sabemos el final. Esperemos que los actores están inspirados, que la ex de Ryan Reynolds no cante muy mal, y que Carney haya escrito un buen guion. Está previsto que el rodaje comience en junio, de momento no hay fecha de estreno.

PD: Fans de ‘Los Vengadores’, hay nuevas imágenes de los protagonistas posando, aquí.

Vía | Collider

Shiloh Fernandez y Jane Levy, protagonistas del remake de 'Evil Dead'

Juan Luis Caviaro — Fri, 03 Feb 2012 12:22:41 GMT

El mes pasado surgió la noticia de que Lily Collins iba a protagonizar el remake de ‘Posesión infernal’ (‘The Evil Dead’, 1981), dando vida a una chica con problemas de drogas, pero recientemente se supo que la joven actriz se ha desvinculado del proyecto. Y ahora se anuncia que la nueva versión de la película de Sam Raimi tiene un nuevo protagonista masculino, que para no cabrear a los fans, no se llama Ash. El elegido es Shiloh Fernandez, al que no hace mucho pudimos ver encabezando el reparto de la última y bochornosa adaptación del cuento de ‘Caperucita roja’ (‘Red Rinding Hood’, 2011). Fernandez también ha aparecido en títulos como ‘Cadillac Records’ (2008), ‘Adiós dulces 16’ (‘16 to Life’, 2009) o ‘Skateland’ (2010), y pudo ser el vampiro Edward de la saga ‘Crepúsculo’ pero Robert Pattinson se cruzó en su camino. Su papel en esta nueva ‘Evil Dead’ es David, hermano de Mia, personaje que debía encarnar Collins; al parecer, la muerte de la madre de David y Mia, tras un larga estancia en el hospital, es un conflicto que los divide.

Raimi y Bruce Campbell participan como productores en el remake, que va a dirigir Fede Álvarez (responsable del famoso corto ‘¡Ataque de pánico!’). El mismo Álvarez figura como guionista junto a Rodo Sayagues y Diablo Cody. Increíble, se han necesitado tres personas para redactar un guion que ya estaba escrito… En fin, la trama de ‘Evil Dead’ gira en torno a cinco amigos que se reúnen en una remota cabaña en mitad de un bosque, donde descubren un viejo libro que, al leerlo, libera una fuerza demoníaca que amenaza con matarlos a todos. Moraleja: leer es malo para la salud. El rodaje comenzará en breve, en Nueva Zelanda, y el estreno está previsto para el 12 de abril de 2013.

ACTUALIZACIÓN: Deadline ha informado hoy que Jane Levy interpretará a Mia, la otra protagonista principal de la película. La joven actriz es conocida por su trabajo en la serie ‘Suburgatory’.

PD: A través de su cuenta en twitter, Álvarez ha dejado la primera fotografía del escenario donde van a rodar. Es un camino en medio del bosque, pero si tenéis curiosidad pinchad aquí.

Vía | ComingSoon y Deadline

'Moneyball: Rompiendo las reglas', un hombre y su sueño

Mikel Zorrilla — Fri, 03 Feb 2012 09:59:21 GMT

A menudo suele aparecer una película entre las nominadas al Oscar que despierta dudas en un amplio sector del público sobre el motivo de su inclusión en tan selecto grupo. Puede ser una moda pasajera (hay películas que han llegado a ganar el premio por ello), una cinta en cuya existencia muy poca gente había reparado o simplemente surgir la sensación de que se ha cometido una injusticia. En el caso de ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’ (¿Quién es el inútil que añade subtítulos innecesarios a los títulos en español?) estaríamos hablando de algo más cercano al tercer grupo, ya que fuera de USA existe un interés muy limitado por el béisbol, un deporte que es casi una religión en ese país, pero que fuera de allí tiene un alcance muy minoritario. La cuestión es si debería ser tan decisivo el tema que aborde una película a la hora de entrar a valorarla a priori, que es algo que quizá esté mal visto, pero que todos hemos hecho en algún momento. Puede que sea simplemente para descalificar a la nueva entrega de alguna saga de moda como ‘Crepúsculo’, pero eso no hace que sea lícito en ese caso y no en otros.

La cuestión sobre las cintas de este estilo es que suelen tener un mayor interés cuando el deporte se utiliza como telón de fondo o elemento vigorizante de otros temas. Valga por ejemplo el caso de ‘Invictus’ y la utilización del mismo como elemento de unión de un país claramente dividido. Y es que hay gente que sencillamente desprecia cualquier valor que pueda tener una competición deportiva por encontrarlas aburridas y redundantes, pero no conviene desdeñar su importancia en otros ámbitos. Pueden ser económicos, sociales o humanos, y es ahí donde una cinta como ‘Moneyball’ (prescindiré a partir de ahora de su absurdo subtítulo) hace su primera elección, la cual es utilizar la sobada premisa del underdog que contra todo pronóstico hizo algo memorable, validando así que su historia sea contada en la gran pantalla. La clave ahora es si ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’ es lo mismo de siempre mejor o peor contado o es una obra que ofrezca algo que compense dejarnos dos horas de nuestro tiempo en su visionado.

Aunque cueste creerlo a primera vista, la gestación de ‘Moneyball’ fue más problemática de lo esperado, ya que en determinado momento iba a ser otro paso en la ecléctica carrera de Steven Soderbergh, el cual llegó a grabar varias entrevista con jugadores del equipo cuya historia se cuenta para introducirlas a lo largo del relato, pero eso fue algo que no agradó a la productora y acabó llevando a su salida del proyecto para intentar darle un aire más comercial. Es obvio que la primera reacción ante una decisión así es echarse a temblar sobre lo que iban a acabar ofreciéndonos, algo que no terminó de disipar la elección de Bennett Miller como sustituto de Soderbergh, ya que su ‘Truman Capote’ era solvente, pero carecía de la suficiente garra para hacer una gran película, confiando además quizá demasiado en la, por otro lado, sensacional actuación de Philip Seymour Hoffman, el cual vuelve a demostrar su talento en su breve (aunque importante) presencia en la cinta que nos ocupa.

No obstante, si había algo que debía captar la atención de los cinéfilos más atentos es el hecho de encontrar los nombres de Steven Zaillian y Aaron Sorkin asociados al proyecto, ya que ambos han dado pruebas consistentes a lo largo de su carrera de su calidad como guionistas. Y eso es algo que vuelven a demostrar en ‘Moneyball’, donde la cansina premisa del underdog funciona a modo de excusa de lo que nos cuentan, y no como motor de la historia. Sí, hay un equipo en horas bajas que consigue mejorar y hacer algo histórico en el mundo del deporte (y todo ello basado en hechos reales), algo que Zaillian y Sorkin adornan con datos históricos de interés. Sin embargo, ellos están más interesados en el personaje de Brad Pitt, al cual presentan como un hombre herido por una decisión errónea de su pasado, lo cual ha dado pie a tener un nuevo sueño en la vida, algo que justifique su presencia en la tierra. Eso sí, esperaros unos cuantos tópicos a lo largo del relato y algunos momentos que dejan la sensación de estar algo alargados, pero algún peaje había que pagar, que, como ya he dicho, la productora quería algo más comercial o ‘Moneyball’ nunca hubiese acabado siendo una realidad.

< Es en el retrato del protagonista donde la película no se corta en mostrar claroscuros en su forma de llevar el equipo, ya que se evita caer en una descripción laudatoria que deje con buen cuerpo al espectador, sino que se muestra su desapego, sus decisiones poco humanas y la creciente obsesión por conseguir su objetivo. Es aquí donde el guión, apoyado en la actuación de Pitt, consigue brillar. El resto, aunque importante, deja la sensación de ser, salvo en momentos muy puntuales (muy conseguida la última aparición del único jugador del equipo que goza de un poquito de entidad en el guión), algo accesorio a la descripción del protagonista. Hay hasta personajes que incluso prácticamente desaparecen una vez dejan de tener utilidad para incidir en su obsesiva personalidad. Y sí, deben seguir por ahí al formar parte del equipo, pero ya no sirven para nada, así que pasan a formar parte del decorado.

Los problemas llegan cuando toca hablar de la forma que tiene Bennett Miller de poner en imágenes el material que tiene en sus manos, ya que no consigue decantarse por una tipología de puesta en escena que eleve lo que el resto le ha confiado. A lo largo de la película, Miller oscila entre querer hacer una película entretenida que satisfaga a cuanto más público mejor (y hay que reconocer que consigue evitar el siempre peligroso aburrimiento, aunque imagino que habrá a quien le interese tan rematadamente poco el béisbol que sí le parecerá que hace un constante acto de presencia), una realización sobria que le acerque a una nominación al Oscar que merecidamente no ha conseguido, crear cierto dinamismo en algunas escenas o refrenarse tanto que parezca un director de alguna serie de televisión anodina. Y la combinación no cuaja, ya que algo falla, y ese algo es el poco arrojo y la falta de decisión de Miller para intentar convertir a ‘Moneyball’ en una gran película.

Otro de los aspectos que había despertado ciertas dudas era el hecho de ver que Brad Pitt y Jonah Hill habían sido premiados con una nominación al Oscar cuando otros trabajos superlativos habían sido ignorados. En el caso de Pitt tenemos que hablar de una muy buena interpretación, el cual sabe reflejar los estados de ánimo de un personaje que nunca permanece estático para hacerle más fácil el trabajo. No, Pitt tiene que ir mostrando varias caras a lo largo del metraje hasta llegar al acertado desenlace que la vida deparó a su particular sueño. Además, no lo hace amparándose en un mero uso del carisma, sino que estamos hablando de una actuación como dios manda, sabiendo usar ese apartado en los momentos que es necesario, pero centrándose en ello. Alguna objeción más se puede poner al trabajo de Hill, ya que es un trabajo basado en la contención y que seguramente haya sido recompensado por la última escena que comparten su personaje y el de Pitt. Ahí sí que su personaje transmite algo más allá de ser otra variante del estereotipo de genio apocado, pero queda la sensación de que el acierto se debe más a un acierto de guión que a algo interpretativo. No es que lo haga mal, simplemente no es algo que merezca la pena destacar demasiado.

En definitiva, ‘Moneyball’ no es una cinta que use la historia del underdog para glorificar a una o varias personas, sino que lo hace como un medio para explicar el obsesivo sueño de su protagonista, al cual no le importa el reconocimiento, sino alcanzar la meta que se ha marcado. El problema es que eso es algo que sí secunda la estupenda actuación de Brad Pitt y el guión, pero que no se ve respaldado por una puesta en escena un tanto indecisa a la hora de determinar el tono del relato. ‘Moneyball’ pudo hacer sido una película cuando menos notable, pero la corrección académica a la que alude mi compañero Alberto en su crítica resta empaque al conjunto, el cual se tiene que conformar con formar una buena película. No es poco, pero Bennett Miller lo tenía fácil para que fuese algo bastante mejor.

Estrenos de la semana | 3 de febrero |'Moneyball', 'Los Muppets' y algo más

Beatriz Maldivia — Fri, 03 Feb 2012 07:47:44 GMT

Este viernes escasean los estrenos. Llegan dos títulos norteamericanos y dos españoles. ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’, con seis nominaciones a los Oscar, será muy probablemente la mejor opción de la semana para una gran parte del público. Pero para otros sectores existen también ofertas atractivas… Y es que los estrenos de hoy, a pesar de ser pocos, tocan casi todos los palos y se reparten bien en los distintos tipos de público. Para el infantil están ‘Los Muppets’, en cuyo magnetismo también podemos incluir a los nostálgicos, vayan o no acompañados de sus retoños a la sala. Para un público concienciado y culto, Icíar Bollaín nos trae ‘Katmandú, un espejo en el cielo’, que cuenta además con el atractivo de Verónica Echegui. Para los adolescentes o los que ya no lo son tanto, que solo quieran pasar un buen rato sin pretensiones, ‘Promoción fantasma’ es lo ideal.

‘Moneyball: Rompiendo las reglas’

Título original, nacionalidad, año: ‘Moneyball’, EE. UU., 2011

Dirigida por: Bennett Miller.

Interpretada por: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Chris Pratt, Tammy Blanchard y Stephen Bishop.

Sinopsis: El guion de Steven Zaillian y Aaron Sorkin, que está basado en un argumento de Stan Chervin, que a su vez parte de una novela de Michael Lewis, cuenta la historia real del espectacular ascenso en la temporada de 2002 de un equipo de béisbol sin presupuesto, cuando su mánager general, una viaja gloria, se dejó asesorar por un joven que tenía una estrategia muy diferente a la tradicional para seleccionar jugadores.

Qué podemos esperar: La película, rodada con corrección y buen gusto, se puede disfrutar como el clásico sueño de unos segunda fila que tanto se ha visto en épicas deportivas. Pero lo más valioso es la lectura que subyace a esta historia de superación y de hacer las cosas de otra manera.

Crítica en Blogdecine: ‘Moneyball’, corrección académica, por Alberto Abuin.

Tráiler de ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’.

‘Los Muppets’ o ‘ Los Teleñecos’

Título original, nacionalidad, año: ‘The Muppets’, EE. UU., 2011

Dirigida por: James Bobin.

Interpretada por: Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper, Rashida Jones, Emily Blunt, John Krasinski, Zach Galifianakis, Jack Black, Selena Gomez, Whoopi Goldberg, Ricky Gervais, Alan Arkin y Neil Patrick Harris.

Sinopsis: La película de Disney retoma a los personajes televisivos que una o dos generaciones disfrutamos durante nuestra infancia, para contarnos que, durante sus vacaciones en Los Ángeles, Walter, el fan número uno de los Muppets, y sus amigos Gary y Mary descubren que el hombre de negocios Tex Richman planea arrasar el Teatro de los Teleñecos para perforar y extraer el petróleo hallado debajo. Walter, Mary y Gary deciden reunir de nuevo a los Muppets y montar el mayor Telemaratón jamás visto para recaudar el dinero necesario para salvar el teatro.

Qué podemos esperar: No me importaría verla, a pesar de que puede tener puntos ñoños que provengan del personaje de Jason Segel o parones en la acción dedicados a números musicales y de otro tipo que me entretengan menos que la trama. Pero rencontrarme con estos personajes hará que valga la pena.

Teaser y tráiler de ‘Los Muppets’.

‘Katmandú, un espejo en el cielo’

Título alternativo, nacionalidad, año: ‘Canción de Katmandú’, España, 2012.

Dirigida por: Icíar Bollaín

Interpretada por: Verónica Echegui, Sumyata Battarai y Norbu Tsering Gurung.

Sinopsis: A principios de los años 90, Laia, una joven maestra catalana, se traslada a Katmandú, la capital de Nepal, como voluntaria en una escuela local. Pronto descubrirá una pobreza extrema y un panorama educativo desolador que además deja fuera a los más necesitados. Tras contraer, a su pesar, un matrimonio de conveniencia para legalizar su situación, Laia se embarca en un ambicioso y personal proyecto pedagógico en los barrios de chabolas de Katmandú. En seguida se enfrenta a la evidencia de que no puede hacerlo sola.

Qué podemos esperar: Aunque estoy segura de que la película es de gran calidad y el tráiler hace pensar en una producción costosa y bien cuidada, no me interesan en general las historias sobre cooperantes y sobre viajes de maduración que hacen aprender a sus protagonistas el valor de la vida.

Tráiler de ‘Katmandú, un espejo en el cielo’:

‘Promoción fantasma’

Nacionalidad, año: España, 2012.

Dirigida por: Javier Ruiz Caldera.

Interpretada por: Raúl Arévalo, Alexandra Jiménez, Andrea Duro , Jaime Olías, Alex Maruny, Anna Castillo, Aura Garrido, Javier Bódalo, Joaquín Reyes , Carlos Areces, Silvia Abril y Luis Varela.

Sinopsis: Modesto es un profesor que en ocasiones ve muertos. Esto no sólo le ha costado una fortuna en psiquiatras, sino que también ha hecho que le despidan de todos los colegios donde ha trabajado. Su suerte cambia cuando consigue plaza en el Monforte y tiene que dar clase a cinco alumnos que han convertido un colegio de prestigio en la casa de los horrores. Modesto tiene que lograr que los cinco chicos aprueben el último curso y se larguen de allí de una vez por todas. Pero no lo va a tener fácil: los cinco llevan veinte años muertos.

Qué podemos esperar: El año pasado le di oportunidades a todas las comedias españolas y me defraudaron una tras otra. Pero eso no significa que me vaya a rendir, pues siempre recibo bien cualquier ocasión para echarme unas risas. La trama no suena nada mal y el reparto es completísimo, así que habrá que verla.

Crítica en Blogdecine: ‘Promoción fantasma’, John Hughes a la española, por Míkel Zorrilla.

Tráiler de ‘Promoción fantasma’:

También se reestrena ‘Chico & Rita’ en Madrid, Barcelona, Cádiz, Bilbao, Córdoba, San Sebastián, Lérida y Zaragoza. A partir del 24 de febrero se ampliará a Granada, Telde, Lucena, El Ejido, Narón, Mieres, Segovia, Écija, Úbeda y El Entrego, entre otras.

Will Smith y Russell Crowe encabezarán el reparto de la ópera prima de Akiva Goldsman

Juan Luis Caviaro — Thu, 02 Feb 2012 21:50:43 GMT

Akiva Goldsman debía encangarse de los guiones de ‘La torre oscura’, la ambiciosa adaptación para cine y televisión de la obra de Stephen King que iba a dirigir Ron Howard, pero la cancelación del proyecto por parte de Universal Pictures ha despejado su agenda. Así que el escritor y productor va a probar suerte como director adaptando una novela de Mark Helprin titulada ‘Winter´s Tale’. Y se ve que el hombre es muy simpático y tiene buenos amigos en la industria, porque se ha anunciado que en el reparto de su ópera prima estarán dos estrellas del calibre de Will Smith y Russell Crowe. De momento.

Lo primero que piensa uno cuando lee esos nombres es que la película va a costar un dineral, pero no. Bueno, no para las cifras que se manejan en Hollywood. Warner Bros. ha aprobado el presupuesto de 50 millones de dólares que ha presentado Goldsmith, conocido por ganar 4 millones de dólares por el guion de ‘Angeles y demonios’, la precuela de ‘El código Da Vinci’ (no es su peor trabajo, también redactó la cosa que usaron para rodar ‘Batman & Robin’). La historia de ‘Winter´s Tale’ se ambienta en Nueva York al comienzo y al final del siglo XX, y se centra en Peter Lake, un joven ladrón que se enamora de una muchacha cuando entra a robar a su casa. Por desgracia la chica muere joven, pero Peter no está dispuesto a permitirlo, iniciando una fantástica aventura para detener el tiempo y devolver la vida a su amada. Según parece, Crowe encarnará al ladrón y Smith a la chica… ah, no, perdón, el australiano interpretará a un importante mafioso y el estadounidense será un juez. Tiene más sentido. ¿Alguno de los presentes ha leído el libro?

PD: Ahora mismo Crowe (más delgado, la foto de arriba es de hace unos días) es el favorito de Aronofsky para protagonizar ‘Noah’ y se rumorea que José Padilha lo quiere para encarnar a… RoboCop.

Vía | Empire

'Los juegos del hambre', nuevo tráiler

Juan Luis Caviaro — Thu, 02 Feb 2012 19:28:33 GMT

Lionsgate no quiere que nos olvidemos de uno de sus estrenos más potentes de 2012 y hoy ha lanzado otro tráiler. Aquí os dejo el tercer avance de ‘Los juegos del hambre’ (‘The Hunger Games’), la adaptación cinematográfica de la popular novela juvenil escrita por Suzanne Collins. Es la primera entrega de una trilogía; ya se está escribiendo la segunda (‘En llamas’) cuyo rodaje está previsto para el mes de septiembre, y es que los productores dan por hecho que ‘Los juegos del hambre’ será un éxito de taquilla. Se estrena el 23 de marzo en EE.UU. y el 20 de abril en España. El teaser no me gustó nada, el tráiler tenía escenas interesantes y este último vídeo me parece el mejor, muestra lo justo y deja intrigado. La voy a ver, espero no encontrarme algo tan infecto como ‘Crepúsculo’...

Recordemos que la película está protagonizada por Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Donald Sutherland, Toby Jones, Wes Bentley, Woody Harrelson, Isabelle Fuhrman y Lenny Kravitz, entre otros. Gary Ross (director de ‘Pleasantville’ y ‘Seabiscuit’) se ha encargado del guion, junto a Billy Ray, y de la puesta en escena, con la ayuda del hiperactivo Steven Soderbergh. ‘Los juegos del hambre’ nos traslada a un futuro post-apocalíptico en el que la población vive distribuida en doce distritos controlados por la tiranía del Capitolio. Cada año, dos jóvenes representantes de cada distrito son obligados a participar en un cruel y humillante espectáculo televisivo, debiendo subsistir en un medio hostil y luchar a muerte hasta que solo quede un ganador; cuando su hermana pequeña es elegida para participar, Katniss (Lawrence) no duda en ocupar su lugar, decidida a demostrar que incluso en las situaciones más desesperadas hay lugar para el amor y el respeto.

PD: Simon Beaufoy se ocupa del guion de ‘En llamas’ (‘Catching Fire’) que en principio volverá a estar dirigida por Ross. Se estrenará el 22 de noviembre de 2013.

La precuela de 'Jackie Brown' ya tiene protagonistas

Juan Luis Caviaro — Thu, 02 Feb 2012 14:15:47 GMT

Sí, está en marcha una precuela de ‘Jackie Brown’ (1997). Bueno, no es exactamente una precuela, pero funcionará como tal. Lo que se prepara es una adaptación de la novela ‘The Switch’ (1978) de Elmore Leonard, cuya trama gira en torno a Louis Gara y Ordell Robbie, los personajes que interpretaron Robert de Niro y Samuel L. Jackson en la película de Quentin Tarantino, que se basó en una novela posterior de Leonard, ‘Rum Punch’ (1992). La noticia es que John Hawkes (nominado al Oscar por ‘Winter´s Bone’) y Yasiin Bey, antes conocido como Mos Def (‘16 calles’, ‘Rebobine, por favor’ o ‘Cadillac Records’), protagonizarán ‘Switch’ (sin “the”, por consejo de Justin Timberlake) encarnando a unos rejuvenecidos Gara y Robbie.

La trama de la película se centrará en un plan de estos dos criminales para conseguir dinero fácil, que evidentemente no saldrá de la manera que habían previsto. Su idea es secuestrar a la esposa de un importante promotor inmobiliario, pero cuando lo hacen, el tipo se niega a pagar ningún rescate; resulta que tiene una amante y estaba deseando librarse de su mujer. Cuando ésta se entera decide vengarse de su marido con la ayuda de los secuestradores. A priori suena a ‘Por favor, maten a mi mujer’ (‘Ruthless People’, 1986) pero imagino que ‘Switch’ será más seria y violenta. A mí me vale, Hawkes ha demostrado que es uno de los grandes ahora mismo, y Bey me gustó en las tres películas que he mencionado, así que me apunto a verla. Se espera que el rodaje pueda comenzar en mayo. Dan Schechter se ocupará del guion y de la puesta en escena.

PD: Schechter ha dirigido dos películas; aquí tenéis el tráiler de ‘Goodbye Baby’ (2007) y aquí el de ‘Supporting Characters’ (2012).

Vía | ComingSoon

'Promoción fantasma', John Hughes a la española

Mikel Zorrilla — Thu, 02 Feb 2012 12:15:47 GMT

La mala fama del cine español entre un amplio sector del público es algo que resulta innegable. No importa que varias de las mejores películas del año pasado saliesen de nuestro país, ni tampoco que no pocos directores tengan que emigrar para poder acometer proyectos de suficiente envergadura, siendo entonces cuando gozan del favor de esa parte del público que seguramente cuchicheará en el cine sobre si no hubiese sido mejor meterse a ver otra película cuando lean el nombre del director en los créditos iniciales. Eso sí, parte de razón no les falta, ya que en España predominan dos tipos de producciones: Los dramas sobre temática social y las comedias que tienden a ser una mera derivación del humor que triunfa en determinadas teleseries (¿Y quién va a pagar por ver un clon a menudo mal hecho de lo que puede ver gratis en televisión cada semana?). Pobres ejes sobre los que vertebrar una industria tan importante como la cinematográfica.

El estreno hace unos años de ‘Spanish movie’ vino a llenar un hueco en la cinematografía española: El cine de parodias. Entrar a valorar la calidad de la propuesta ya es algo que depende sobremanera de lo gracioso que cada uno encontrase la sucesión de gags que aparecían en pantalla, pero es indudable que era un producto muy superior a la abrumadora mayoría de cintas americanas con la apostilla de ‘movie’ que fueron surgiendo tras la llegada de ‘Scary movie’. Además, fue un notable éxito económico, pero se quedó como un pequeño islote que nadie quiso (o pudo) continuar. ¿Tan difícil era hacer una secuela o parodiar algo alejado de nuestro cine? Por dar ideas, alguien debería hacer algún día un ‘Hitchcock movie’, pero tomando más como base el humor de ‘Un cadáver a los postres’ (aún hoy la mejor película paródica de la historia) que en lo que ha acabado degenerando este subgénero.

Además, ‘Spanish movie’ supuso el debut en la dirección de Javier Ruiz Caldera, el cual parece ser que no se dejó tentar por la hipotética idea de un ‘Spanish movie 2’ (aunque no sé si ese proyecto tan siquiera llegó a existir) y aprovechó su éxito para sacar adelante otro rara avis en nuestro cine: Una cinta que toma como base las producciones adolescentes de John Hughes de los años 80, pero acercándolas a lo español, es decir, rellenar otro hueco en el cine que se hace en nuestro país. Sólo por eso ya se merece un aplauso, pero no por ello hay que lanzar las campanas al vuelo y hablar de una nueva genialidad de nuestro cine, algo muy habitual a poco que una cinta española destaque un poco. La cuestión es, ¿está ‘Promoción fantasma’ a la altura de su prometedora propuesta inicial?

El problema (y también la fuente de sus mayores aciertos) realmente grave de ‘Spanish movie’ era la irregularidad del guión firmado por Paco Cabezas, el cual combinaba algunas bromas geniales como otros apuntes que rozaban la vergüenza ajena. Era de esperar que con el cambio de guionista se consiguiese un resultado más homogéneo, y lo cierto es que ese es uno de los principales puntos fuertes de ‘Promoción fantasma’. Es de esperar que muchos temáis que la película se limite a canibalizar a sus referentes y que los homenajes en realidad sean poco menos que un plago encubierto, pero ese es un miedo que no se justifica. Y es que Cristóbal Garrido y Adolfo Valor han conseguido equilibrar el homenaje a John Hughes (y a otras películas que no mencionaré por eso del factor sorpresa) con la necesidad de crear algo con identidad propia.

Eso sí, por el camino se cometen algunos excesos que ocasionalmente consiguen su objetivo de provocar la risa del espectador, pero en otros rozan un mal gusto que hiere a una propuesta que, sin ser brillante, es muy disfrutable. Son esas situaciones en las que más se deja ver el país de origen de la película, y es que el humor español ha tendido, con honrosas excepciones, a una mezcla entre el mal gusto y lo excesivo en los últimos tiempos. En cambio, cuando el guión confía más en sus referentes americanos se consigue un humor más blanco, quizá menos proclive a la carcajada, pero más atemporal y que se puede seguir disfrutando por igual sin necesidad de estar esclavizados por la sorpresa inicial, algo de lo que tiende a depender mucho el humor basado en los excesos.

Por su parte, la puesta en escena de Ruiz Caldera se centra en potenciar las virtudes del libreto, siendo especialmente inspirada la escena inicial en la cual se combina la nostalgia ochentera con el humor, y al mismo tiempo es una estupenda introducción para dar a conocer al espectador el hecho de que nuestro protagonista puede ver a los muertos. En el resto del metraje, la labor de dirección funciona mejor cuando hacen acto de presencia los homenajes o los apuntes que retrotraen al espectador a épocas pasadas. En lo demás, su labor oscila entre la corrección y la sensación de que otros muchos directores podrían igualar lo que él hace.

Uno de las claves de la función era encontrar unos actores que se adecuase al tono del relato, y es ahí donde es muy de agradecer la elección de Raúl Arévalo para encabezar el reparto, ya que él ya había demostrado su capacidad para conseguir un secundario memorable en ‘Primos’, y aquí le toca demostrar tanto que sabe ser la cabeza visible de una película, como que su comicidad también se puede encauzar de una forma más desapercibida. Y es que su Modesto es un hombre apocado que vive obsesionado con el hecho de que ser capaz de ver a los muertos es una enfermedad que le ha destrozado la vida, y por ello está constantemente bajo los efectos de una medicación que le impide desarrollar con normalidad su trabajo como profesor. Sin embargo, la oportunidad de ayudar a alguien, y al mismo tiempo descubrir un amor que le ha sido esquivo permiten que su carácter introvertido quede ligeramente atrás. El director de ‘Promoción fantasma’ comentó que querían crear en él un equivalente español a Michael J. Fox, y eso es algo que no se termina de ver en pantalla, pero sí que surge un híbrido que resulta cercano al espectador, tiene encanto y sostiene perfectamente el peso que tiene que soportar. Arévalo da así un paso más en su necesario ascenso para convertirse en una de las principales estrellas del cine español.

Otra de las claves era la capacidad para encontrar entre los rostros jóvenes de nuestro cine a cinco personas que encajasen en los estereotipos ochenteros que representan los cinco fantasmas: Macarrilla, ligón (éste es el que tiene un componente americano más marcado, en especial por su vestimenta, la cual parece propia del típico capitán del equipo de fútbol que tanto se ha visto en el cine), fiestero, empollona y la chica algo ligera de cascos (y embarazada ya en su adolescencia). Para ello se ha optado por fichar a actores más conocidos por sus apariciones televisivas como Alex Maruny, Jaime Olías, Javier Bódalo, Anna Castillo y Andrea Duro. Sería injusto destacar tanto para bien como mal a alguno de ellos, ya que todos tendemos a identificarnos más con un rol u otro según lo que cada uno fue en el instituto, pero los cinco salvan bien la papeleta, teniendo todos su particular momento de gloria.

La guinda del pastel la ponen los secundarios, los cuales funcionan a modo de contrapunto cada uno en una materia distinta: Carlos Areces el padre resabido que pone constantes trabas a la directora, Joaquín Reyes el terapeuta excéntrico, Silvia Abril la chalada secretaria del instituto, etc. Todos aportan su granito de arena para redondear un poco más el resultado final. Si acaso conviene apuntar que la trama de amor fantasmal protagonizada por Aura Garrido (que ya era el eslabón más débil en la estupenda miniserie ‘Crematorio’) no termina de cuajar, ya que se entremezclan momentos inspirados con otros en los que estás deseando que pasen a otra cosa. A cambio, es de agradecer que Alexandra Jiménez vaya asentando poco a poco su carrera cinematográfica, ya que su peculiar directora de colegio adicta a comer guarrerías transmite una proximidad que hace entender al espectador el motivo del desafío que acepta el protagonista.

En definitiva, ‘Promoción fantasma’ es una comedia de instituto que no cae en el error habitual de querer trasladar el humor habitual de las teleseries españolas, sino que opta por tomar como referente las producciones de John Hughes de los años ochenta, a las cuales referencia sin cortarse lo más mínimo. Posible plagio dirán algunos, pero lo cierto es que es prácticamente imposible innovar dentro del cine, con lo cual sólo nos queda hacer una combinación de elementos ya vistos. La cuestión es hacerlo bien o mal, y ‘Promoción fantasma’ está, con algunos peros, dentro del primer grupo. Vamos, un simpático divertimento.

Diez duelos del western

Alberto Abuín — Thu, 02 Feb 2012 11:02:20 GMT

Hace poco tuve la oportunidad de rescatar ‘Rango’ (id, Gore Verbinski, 2011), que se me había escapado en su estreno cinematográfico, y dejando a un lado que me pareció un film muy divertido, lleno de referencias al western sobre todo, me ha servido para darle salida a esta selección de duelos del género de los géneros. Como siempre, en estos de las listas —prometí no hacer ninguna más y aquí estoy, prometo tantas cosas…—, ni están todas las que son, ni son todas las que están. Pero no hay duda de que los diez duelos que os cito a continuación son inolvidables, pertenecientes a películas imprescindibles. Como siempre, pasen y disfruten.

‘Hasta que llegó su hora’

Una de las obras maestras de Sergio Leone, lírica como pocas, culmina con uno de los duelos más esperados de la historia del cine. Una venganza largamente retrasada, un clímax único. Un uso del flashback ejemplar. Charles Bronson en el papel de su vida. Henry Fonda como inolvidable villano, y Ennio Morricone poniendo la piel de gallina. Cada vez que la veo no puedo evitar emocionarme y pensar en el lejano oeste y en el nacimiento de una nación, que avanzó a marchas forzadas, perdiéndose sus antiguos héroes en el polvo del olvido. Y también pienso en Claudia Cardinale.

Crítica en Blogdecine:

‘Hasta que llegó su hora’, Sergio Leone y la fábula (I)

‘Duelo al sol’

Una pasión tan destructiva que sólo podía acabar de la única forma posible. Gregory Peck, en un papel poco común en su carrera, y Jennifer Jones, en una de sus pocas interpretaciones salvables, dan vida a una de las parejas más problemáticas de toda la historia del género. ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946) está llena de momentos inolvidables, pero su final es justamente legendario. Se hizo intentando realizar en el western un nuevo ‘Lo que el viento se llevó’, y les salió una obra maestra redonda. Y es que Vidor es mucho Vidor.

‘El hombre que mató a Liberty Valance’

Probablemente la mejor película del gran John Ford, y no me atrevo a asegurarlo, ya que la cantidad de obras maestras que ese hombre hizo es impresionante. La leyenda siempre es más bonita que la realidad, y en lugar de poneros el enfrentamiento inicial, os pongo el flashabck que se produce más tarde, y en el que se revela la verdad sobre el duelo que acabó con uno de los bandidos más temidos del oeste, personificado con maestría por Lee Marvin en uno de sus primeros y más recordados papeles. John Wayne y James Stewart inmensos. La película lo tiene absolutamente todo.

‘Duelo de titanes’

El duelo en el OK Corral es sin duda uno de los más famosos en el séptimo arte. Podría haber puesto el de John Ford, el de Lawrence Kasdan o incluso el de George Pan Cosmatos, pero he elegido el de John Sturges porque es el más largo de todos, y la planificación y el montaje son soberbios. Un western puro y duro, en la mejor tradición del género, y con dos gigantes como Burt Lancaster y Kirk Douglas mano a mano. Podéis ver a un jovencísimo Dennis Hopper por ahí.

‘Sin perdón’

La desmitificación definitiva sobre el género culmina con un claustrofóbico tiroteo soberbiamente fotografiado por Jack N. Green. William Munny, un asesino de mujeres y niños, decidió matar a todos los compinches de Littel Bill, asesinando antes al dueño de una pocilga decorada con el amigo muerto de Munny. Una cita en el infierno. La tumba de su esposa, ninguna señal, y el olvido.

Crítica en Blogdecine:

Clint Eastwood: ‘Sin perdón’

‘Duelo en la alta sierra’

El hombre que cambió para siempre la perspectiva del western se dio a conocer con esta película, en la que unos maduros Joel McCrea y Randolph Scott representaban los viejos tiempos. El final es simplemente antológico, un duelo maravillosamente coreografiado y un plano final contundente y muy triste.

Crítica en Blogdecine:

Sam Peckinpah: ‘Duelo en la lata sierra’

‘El último pistolero’

Don Siegel tuvo la oportunidad de filmar la despedida cinemtográfica de John Wayne, quien ya enfermo de cáncer tomaba láudano para soportar los terribles dolores. Un reparto lleno de viejas glorias para un film triste y melacólico, con un final sublime. También puede verse a un joven Ron Howard años antes de meterse a director y torturarnos con sus películas. A citar la famosa anécdota en la que John Wayne se negó a que su personaje disparase a otro por la espalda, a lo que Siegel contestó que Clint Eastwood lo hubiera hecho. Por cierto que Eastwood visitó el set de rodaje varias veces. ¿Os imagináis lo que hubiera sido un western protagonizado por esos dos? Yo no puedo, porque lloro.

‘El vengador sin piedad’

Una de las maravillas ocultas del infravalorado Henry King. Gregory Peck da vida a un hombre sediento de venganza, la cual le obsesionará hasta límites insospechados. En el vídeo vemos cómo se enfrenta a uno de los hombres de la banda que persigue sin gastar una sola bala. Al igual que en la magnífica ‘El pistolero’ (‘The Gunfighter’, 1950) King subraya las connotaciones psicológicas del relato con unas conclusiones morales terribles.

‘Raíces profundas’

‘Shane’ es uno de los mejores westerns jamás filmados, y el duelo final una lección de planificación y tensión. En un espacio tan cerrado como el de una taberna, George Stevens logra un milagro. Alan Ladd en el papel de su vida y el mítico Jack Palance como el mítico villano. La secuencia final del niño llamando a su amigo es justamente legendaria. Años más tarde Clint Eastwood le rindió un sentido homenaje en la también imprescindible ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, 1985).

‘La muerte tenía un precio’

Sergio Leone tenía que hacer doblete en esta selección con la película que es la culpable de que me apasione el cine. La dilatación del tiempo tan típica de su director en una escena mítica. El detalle del reloj, grandioso por su importancia narrativa en la historia. Un duelo en igualdad de condiciones, y Morricone marcando una vez más el carácter de los personajes. Una venganza, una recompensa, Eastwood, Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Inolvidable.

Crítica en Blogdecine:

Clint Eastwood: ‘La muerte tenía un precio’

Ridley Scott se interesa por el guion de Cormac McCarthy 'The Counselor'

Beatriz Maldivia — Thu, 02 Feb 2012 07:00:25 GMT

Cormac McCarthy, el novelista que está detrás de adaptaciones como ‘La carretera (The Road)’, ‘No es país para viejos’ (‘No Country For Old Men’) o ‘Todos los caballos bellos’ (‘All the Pretty Horses’), se ha pasado al guion y ha sacado ‘The Counselor’, ahorrando a las productoras el dinero y el proceso de convertir sus obras en libretos cinematográficos. Este autor tiene un estilo y un ritmo muy particulares y admirables, que se han trasladado con acierto a la gran pantalla, tanto en el film de los Coen como en el de John Hillcoat. Antes de ver este último film, había leído la obra de partida y la inteligente traslación me permitió experimentar esa secuencia sin sufrir la decepción que se suele experimentar al ver en cine lo que ya nos habíamos imaginado en nuestras cabecitas. Estoy segura de que su primera incursión como guionista, el ganador del premio Pulitzer habrá dado un resultado igual de interesante.

Con ese currículum, no es de extrañar que los directores se hayan dado prisa en ofrecerse a realizar el guion. El más rápido ha sido Ridley Scott, quien ya se ha puesto en contacto para negociar su posible participación en el proyecto y ha hablado directamente con McCarthy, supongo que para ponerse de acuerdo en la ortografía del título, ya que en Reino Unido escriben ‘The Counsellor’, mientras que en EE. UU. lleva una sola “ele”.

‘The Counselor’ se centra en un respetado abogado que inocentemente cree que puede intervenir en el negocio de la droga sin ser arrastrado por la vorágine criminal. Antes de que pueda darse cuenta de su error, se encontrará sumido en una situación desesperada, en la que tendrá que echar mano de todo su ingenio y habilidades legalistas si quiere sobrevivir. En este mundo copado por hombres dos mujeres desempeñarán papeles de importancia. Se trata de una historia contemporánea, ubicada en el Suroeste, de la que se comenta que es una de las obras más poderosas de McCarthy y que mantiene la fuerza de su prosa, la obsesión sexual y el humor de sus diálogos, lo que aumenta la sensación de pesadilla del duro mundo en el que se ambienta.

Si Ridley, que en estos momentos se encuentra dando los toques finales a ‘Prometheus’, finalmente dirigiese este guion, dejaría de lado otros de sus proyectos, como la biografía de ‘Gertrude Bell’ y ‘Child 44’. El mayor de los Scott ya había demostrado sus inclinaciones por el escritor, pues en 2007 se interesó por la adaptación de una novela de McCarthy: ‘Meridiano de sangre’ (‘Blood Meridian’), proyecto que en estos momentos tiene asociado al actor James Franco como director y que se ha retrasado hasta 2015.

Vía | Dead Line.

'Moneyball', corrección académica

Alberto Abuín — Thu, 02 Feb 2012 05:56:17 GMT

‘Moneyball’ (id, Bennett Miller, 2011) —voy a pasar del ridículo subtítulo que le han puesto en España, ‘Rompiendo las reglas’— es una de las películas finalistas en las nominaciones a los Oscars 2012. Seis nominaciones entre las que se encuentran los premios gordos de mejor película, mejor actor principal —Brad Pitt—, y mejor actor secundario —Jonah Hill—, y que salvo la de Pitt considero a todas luces excesivas. Hay otras películas que merecerían ocupar el lugar del trabajo de Miller antes que este, quien curiosamente no está nominado. Pero hablamos de un film que habla sobre el deporte rey en los USA, el béisbol, que tal y como decían en la mágica ‘Campo de sueños’ (‘Field of Dreams’, Phil Alden Robinson, 1989) es el deporte que ha caracterizado a América a través de los años, recordando a su pueblo que una vez fueron buenos y que pueden volver a serlo. Una forma de identidad de uno de los países más poderosos del planeta. Y en cine, cuando hablan de ello, se nota que lo aman profundamente.

Es quizá por eso que las películas que de una u otra forma narran algo relacionado con este deporte —el cual personalmente encuentro fascinante, y sí, entiendo las reglas, bastante fáciles de comprender— suelen tener una gran aceptación popular, algo que no suele extenderse fuera de los límites de los USA, tal y como han demostrado las carreras económicas de films como ‘Ellas dan el golpe’ (‘A League of Their Own’, Penny Marshall, 1992), ‘Una mujer en la liga’ (‘Mayor League’, David S. Ward, 1989) o ‘The Rookie’ (id, John Lee Hancock, 2002), estruendosos éxitos de taquilla en su país de origen, films que pasaron sin pena ni gloria por nuestras carteleras cuando no se estrenaron directamente en DVD. El béisbol por estos lares está claro que no tiene la misma aceptación, y ya veremos cómo le va en taquilla a ‘Moneyball’, film lleno de datos y más datos sobre un deporte que por aquí poco interesa.

Como casi todas las películas sobre este deporte —a la cabeza la muy grande ‘El orgullo de los Yanquis’ (‘The Pride of the Yanquees’, Sam Wood, 1942) con unos Gary Cooper y Walter Brennan inmensos— ‘Moneyball’ recoge hechos reales, en este caso la historia de Billy Beane (Pitt), un ex-jugador de béisbol, que no pudiendo demostrar su valía en el juego, se retiró a probar suerte como director de equipos, siendo el Oakland Athletics el equipo en el que haría historia. Relegados al último puesto de la liga, con los grandes jugadores adquiridos por otros equipos, Beane debe reconstruir el equipo con muchísimo menos presupuesto. Para ello echará mano del joven Peter Brand (Jonah Hill), un economista de Yale con un método basado en estadísticas de ordenador, algo que pondrá en jaque al entrenador y los demás directivos, que no ven con buenos ojos esa nueva técnica supuestamente revolucionaria.

La mayor parte del metraje de ‘Moneyball’ se centra en el debate que supone traicionar en cierto modo la tradición de un juego como el béisbol, en cuanto a la forma de captar nuevos fichajes. Para unos, los más tradicionales, el deporte supone horas y horas de sudor en el campo de juego, y el contar que siempre hay algo que no se prevé, pues sobre el campo de batalla, por así llamarlo, pueden suceder cosas inesperadas. Por el otro, dos hombres ferozmente entregados a la creencia de que las estadísticas de ordenador traerán la solución a sus problemas. El sólido guión de Steven Zaillian y Aaron Sorkin —sus currículums hablan por sí solos— llena de datos la historia, algunos de ellos muy interesantes, al descubrirnos y acercarnos los entresijos de un deporte tan amado por muchos e ignorado por otros tantos. Pareciera de algún modo que ‘Moneyball’ está hecha en cierta medida para aquellos que no conocen bien el deporte, y eso tiene su mérito, pues la película no muestra demasiadas escenas de béisbol, e incluso renuncia a recrearse en algunos momentos clave del juego como sí hacen otros films de la misma índole.

Sobre el papel ningún problema. Sin embargo, la puesta en escena de Bennett Miller ya es otro cantar, y los defectos que mostró en su anterior film, el muy académico ‘Truman Capote’ (‘Capote’, 2005) salen a relucir en ‘Moneyball’. Lo que el libreto de Zaillian y Sorkin parece prometer, mezclando en la vida de Baine retos profesionales y personales, se pierde un poco con una escenografía sin alma ni pasión, fría por momentos. De acuerdo que maneja bastante bien el ritmo —hablamos de una película que no llega a aburrir en sus dos largas horas de duración, a pesar de tantos diálogos sobre el béisbol—, apoyado en un digno montaje de Christopher Tellefsen, pero siempre nos deja la extraña sensación de no visualizar con grandeza lo que el guión sugiere. Hay instantes en los que Miller se debate entre el virtuosismo —sutiles planos secuencia en los gimnasios— y el lenguaje puramente televisivo. Al menos no ha caído en los efectismos que caracterizan la mayor parte del cine actual, y ‘Moneyball’ puede presumir de cierta sobriedad.

Creo que lo mejor de la función es un muy entregado Brad Pitt, consciente de su condición de estrella, pero sin dejar que ello arruine su labor. Su personaje es sin duda uno de los mejores de su carrera, demostrando que está en su mejor momento. Podemos apreciar en su rostro al mismo tiempo su preocupación —su hija, el equipo—, su enfado —los pobres resultados en el juego—, y sobre todo su firme convicción en lo que hace. Pitt transmite una serenidad increíble, controlando en todo momento su personaje, algo que por otro lado intenta, pero infructuosamente, Jonah Hill, cuya nominación encuentro la más exagerada de todas. Este actor no puede quitarse la cara de cachondeo que tiene, y sus intentos de papel serio producen el efecto contrario, con sus silencios, sus balbuceos y sus miradas al infinito. Pitt es el que lleva el peso de la función por los dos. A un lado Philip Seymour Hoffman, que llena todos los planos en los que sale, está muchísimo más convincente.

Una clase sobre cómo funcionan las cosas en el negocio del béisbol y una excelente interpretación. Nada más.

Justin Timberlake se apunta a la nueva película protagonizada por Clint Eastwood

Juan Luis Caviaro — Thu, 02 Feb 2012 02:13:38 GMT

Justin Timberlake va en serio, quiere ser actor. Tras sorprender con su trabajo en ‘La red social’ (‘The Social Network’) y protagonizar dos títulos comerciales de relativo éxito, la comedia romántica ‘Con derecho a roce’ (‘Friends with Benefits’) y el thriller de ciencia-ficción ‘In Time’, Timberlake ha firmado para participar en el drama deportivo ‘Trouble with the Curve’, el regreso de Clint Eastwood a la interpretación cuatro años después de ‘Gran Torino’. También hay que apuntar a Amy Adams, una de las actrices más solicitadas y versátiles de la actualidad; de momento, estos tres son los únicos miembros confirmados del reparto.

Como ya nos informó Alberto el pasado mes de octubre, la historia de ‘Trouble with the Curve’ gira en torno a un viejo ojeador de béisbol que, aunque se está quedando ciego, realiza un viaje a Atlanta para comprobar el talento de una joven promesa; al protagonista lo acompaña su hija y durante el camino intentará arreglar su deteriorada relación. Eastwood encarnará un papel hecho a su medida que podría proporcionarle una nueva nominación al Oscar (optó a la estatuilla como actor por ‘Sin perdón’ y ‘Million Dollar Baby’). Timberlake dará vida a un jugador de béisbol retirado que también trabaja como ojeador y se enamora del personaje de Adams. Randy Brown ha escrito el guion y de la puesta en escena se ocupará el debutante Robert Lorenz (productor y ayudante de dirección de Eastwood). Warner Bros. estrenará ‘Trouble with the Curve’ pero por ahora no hay fecha oficial.

PD: Timberlake también se ha incorporado al elenco de lo nuevo de los hermanos Coen, ‘Inside Llewyn Davis’.

Vía | Variety

'G.I. Joe: La venganza', spot de la Super Bowl (y tráiler en español)

Juan Luis Caviaro — Wed, 01 Feb 2012 22:40:07 GMT

Paramount Pictures no ha querido esperar más y ha lanzado ya en Internet el spot publicitario de ‘G.I. Joe: La venganza’ (‘G.I. Joe: Retaliation’) que podrá verse durante la Super Bowl, la final de la liga de fútbol americano, uno de los eventos televisivos más importantes del año en Estados Unidos. El vídeo lo tenéis arriba, dura unos 30 segundos y es justo lo que cabe esperar. Mucho ruido y caras conocidas para enganchar de inmediato a los fans del cine de acción actual. ‘Fast and Furious’ y todo eso. Lo que me ha sorprendido, aparte de esa moto que se descompone en misiles, es que solo aparecen caras nuevas, como si fuera un producto independiente de ‘G.I. Joe’ (2009). Ya veremos si el público responde, desde luego conviene olvidar la mediocre película de Stephen Sommers…

Recordemos que ‘G.I. Joe: La venganza’ ha sido dirigida por Jon M. Chu (‘Step Up 3D’, ‘Justin Bieber: Never Say Never’) y está protagonizada por Dwayne Johnson, Channing Tatum, D.J. Cotrona, Byung-hun Lee, Ray Park, Adrianne Palicki, Ray Stevenson, RZA, Joseph Mazzello, Jonathan Pryce y Bruce Willis, entre otros. Rhett Reese y Paul Wernick han escrito el guion de esta segunda parte, en la que los “Joes” no solo tienen que luchar contra su mortal enemigo, el comandante Cobra, sino que también deben enfrentarse a amenazas dentro del gobierno que pondrán en peligro su existencia. Se estrena el 29 de junio en Estados Unidos y el 31 de agosto en España.

A continuación os dejo también el tráiler de la película que se está proyectando desde hace tiempo en nuestros cines, doblado al castellano, ya que no lo habíamos publicado antes en Blogdecine. ¿Qué os parece, vais a verla?

PD: ¿No parece que Duke, el personaje de Tatum, muere al principio de la película?

'Oro negro', el coraje del ser humano

Alberto Abuín — Wed, 01 Feb 2012 21:30:58 GMT

El director Jean-Jacques Annaud tuvo su momento de esplendor a raíz de su éxito por ‘En busca del fuego’ (‘La guerre du feu’, 1981), tras la cual vinieron las aún más exitosas ‘El nombre de la rosa’ (‘Der Name der Rose’, 1986) y ‘El oso’ (L´ours’, 1988). Films que mostraban a un director que sabía encontrar un equilibrio narrativo/estético realmente envidiable, tomando la sencillez como la mejor de las herramientas. Como muchos otros realizadores, enseguida sucumbió al esteticismo y sus films se volvieron estampas muy bonitas pero vacías de todo contenido. Con ‘Oro negro’ (‘Black Gold’, 2011), que ha pasado completamente desapercibida por las carteleras de nuestro país, parece regresar a cierto tipo de cine, podemos llamar clásico, con un punto de épica, en una de esas historias de las que ya no se cuentan.

Annaud intenta devolver al séptimo arte ese tipo de película que parece ya no interesan a nadie —quizá de ahí su poca repercusión en los cines, más sorprendente aún cuando viene de un director que vivió tiempos mejores, narrando historias que sí interesaban a las audiencias— en una película alejada de toda parafernalia visual, aunque no reniegue de las actuales técnicas digitales tan de moda. Con un ajustado presupuesto de 40 millones de dólares —cualquier otro director de mayor renombre hubiese necesitado mucho más— Annaud logra que ‘Oro negro’ luzca como una superproducción en toda regla, llena de extras, y en cuyas imáganes bucea el recuerdo de cierta cinta dirigida por el gran David Lean, salvando las distancias evidentemente.

La película recoge a modo de relato de aventuras los enfrentamientos entre distintos clanes en los reinos árabes a principios de los años 30, cuando una compañía texana intentó explotar los grandes yacimientos de petróleo. En un lugar denominado el cinturón dorado es donde se quiere extraer el crudo, pero dicho lugar permanece intacto como símbolo de la paz entre dos reinos anteriormente en guerra. Los problemas surgirán cuando uno de ellos quiera enriquecerse a costa del petróleo, saltándose el acuerdo con su oponente, quien parece negarse a todo progreso. Premisa muy clásica, en la que se habla entre otras cosas de las tradiciones, de los peligros de todo avance tecnológico, de las creencias y no sólo religiosas, en un marco lleno de arena, sol y siempre con una claridad narrativa que haría las envidias de muchos realizadores perdidos en querer romper las mal llamadas reglas del cine.

La sensación que produce ‘Oro negro’ en su primer tercio es la de desconcierto, incluso rechazo. Cuesta creerse a alguien como Antonio Banderas en la piel de un rey árabe codicioso, pero que en el fondo parece tonto de remate, ofreciendo una visión de los árabes poco menos que ridícula. A su lado, o más bien enfrente, su antagonista, un muy correcto Mark Strong cargando con un personaje más rico en matices. Es en la historia de uno de los hijos del segundo, y la relación con su padre, donde encuentro los mayores atractivos del film, pues se ponen sobre la mesa cuestiones tan antiguas como antiguo es el ser humano, cuestiones que seguirán llenándonos de dudas en siglos venideros. Cuestiones sobre las cosas de verdadero valor, el coraje, la amistad, la compasión, y sobre todo, el amor.

Tahar Rahim, al que todos pudimos admirar en la magistral ‘Un profeta’ (‘Un prophète’, Jacques Audiard, 2009), lleva en cierto momento todo el peso de la función, como joven ensimismado con los libros en un pueblo cuya ignorancia y fanatismo religioso —el Corán se nombra repetidas veces, y no precisamente para dejarlo bien— les llevan a hacer cosas realmente sin sentido. Será precisamente su conocimiento el que le lleve a convertirse en un hombre perfectamente preparado para la guerra, pero también para ser un hombre justo capaz de encontrar el entendiemiento entre oriente y occidente. Pero como todos los grandes hombres que protagonizan grandes historias, encontrará la verdadera madurez y hombría a través del sacrificio y las penurias. Son varios los instantes en los que Annaud nos muestra hechos tristes, pero afortunadamente sin cargar las tintas, por mucho que la banda sonora de James Horner, empeñado en plagiar a John Williams en algunos instantes, se empeñe en ello.

Annaud se muestra simpre seguro, manejando el ritmo a la perfección, aunque habría que demandar algo más de pasión, y sobre todo el no descuidar a ciertos personajes. Baste recordar el papel de una decorativa Freida Pinto, a quien se le echa en falta un poco más de empaque en una historia en la que continuamente nos recuerdan que el amor es el bien más preciado del hombre. Los diálogos entre Mark Strong y Tahar Rahim están llenos de grandes frases para enmarcar, grandes verdades que nos hacen reflexionar sobre lo verdaderamente importante en la vida. La posible grandeza de ‘Oro negro’ se encuentra más en sus líneas de diálogo que en sus imágenes, filmadas con más corrección que maestría, y es que da la impresión de que Annaud ha jugado sobre seguro, sin haberse arriesgado. El riesgo se ha corrido a la hora de estrenarla, pues las audiencias de hoy día reniegan de este tipo de productos de factura clásica.

10 razones para disfrutar de Crepúsculo sin complicaciones

Pablo Muñoz — Wed, 01 Feb 2012 19:49:17 GMT

Hola muchachos, señoritas, damas, hombres de taberna, corazones, soy vuestro editor y vengo a destruir un tópico, que ya sobran y el mundo se cae en pedazos cada vez que recurrimos a los clichés. En este texto os daré varios motivos para que disfrutéis, sin demasiadas complicaciones ni aspavientos extraños, de la saga para adolescentes de moda. O en pocas palabras: para que las películas se debatan como lo que no son, no como lo que queramos que sean.

Ve el video en el sitio original.

1. Porque Kristen Stewart es un suspiro, una ESCUELA del respiro.
La belleza extraña e indómita de Stewart es un regalo hollywoodiense que no está suficientemente valorada. ¿Quién es capaz de evocar una belleza casi atonal y prosaica sin dejar de ser irresistible? Stewart anda lejos de ser una musa de Hollywood y su aplastante normalidad le ha dado grandes momentos íntimos como ‘Adventureland’ (id, 2009) pero su manera de suspirar, su rostro de perpetuo bajón tras noches cannábicas, su aplastante indiferencia….

2. Mirada Zoolander de Robert Pattinson.
Término acuñado por Jordi Costa en su crítica memorable. Ver a Pattinson es recordar que Ben Stiller fundó una escuela de actuación del todo incomprendida: no solamente cumple como una versión convenientemente matizada y descafeinada de James Dean, con buena actitud y presencia actoral, sino que sus abrazos totales al cachondeo superan al poderío de su coprotagonista femenina. ¡A disfrutar!

3. Lo Camp.

Lo define Susan Sontag en su imprescindible libro ‘Contra la interpretación’ como la seriedad que fracasa y aquí está el gran secreto de esta saga: es desternillante, pero en ningún momento lo pretende. Las parodias, en ese sentido, cumplen una labor con un ventajismo que las películas se dedican a sortear escena tras escena. No es un camp absolutamente enloquecido, hay demasiado cálculo industrial en su concepción, pero si estéticamente desnortado, lo suficientemente interesante como para observar su estilo.

4. El Sexo es Un Problema
El gran problema que rige toda esta saga vampírica es el chuscar. Como si el vampirismo no fuera suficiente metáfora, aquí se hace explícito: la tensión sexual de la protagonista la lleva siempre al borde del abismo y el desenlace es, en ese sentido, una de las grandes odas desfasadas y anacrónicas al matrimonio convencional más felizmente impunes que se han visto jamás: tal es la osadía de su inocencia que uno está tentado a pensar que está ante algo revolucionario. O casi.

Ve el video en el sitio original.

5. Bandas sonoras irresistibles
Oh, venga, Death Cab for Cutie, incluso Ximena Sariñana se aliñó sus baladas con guitarreo o hasta el imprescindible, maravilloso Bon Iver. No podemos negar algo obvio: si quieren tocar la fibra y los corazones de una generación forjada en la barba campestre y la bajona perpetua, lo están haciendo con su mejor banda sonora posible.

6. Hombre Lobo Con El Pecho Depilado. Lo digo en serio.
Es un concepto irresistible y lo sabéis. Que Taylor Lautner haya hecho del icono más pasional una cosa digamos inofensiva, protectora, llena de una belleza limpia y metrosexual es algo que no dejará nunca de fascinarme. Su interpretación, basada en grandes decisiones como ir quitándole la camiseta cuando las escenas se vengan cuesta arriba, es memorablemente inexpresiva.

7. Un gran conflicto universal.

Oh, venga ¿A quien no le ha pasado? El pálido rarillo lleno de problemas existenciales y anímicos, todo un poeta de lo tristón pero en el fondo un hombre atormentado por su compromiso con la lealtad, y el tío-bueno-hiper-cachas-que-promete-que-te-protegerá-a-toda-costa-nena: ilustrando una dicotomía esencial, la saga no solamente no es novedosa sino que genera una edición del conflicto clásico del cine adolescente para una generación preocupante.

8. Un icono inofensivo.
Y aquí viene el aspecto más decididamente interesante de esta saga: apologías del matrimonio, castigos para la protagonista en el sexo prematrimonial, tratamiento increíblemente monógamo del triángulo amoroso hasta el punto de que todo personaje queda justificado por sus instintos bajos con excusas dignas de estudio, integración bondadosa y buenrollera del vampiro como elemento ecológico y bueno para la comunidad….El icono de esta saga es absolutamente inofensivo pero a la vez profundamente reaccionario: huyendo de la vida, uno diría que el gran placer de este mito es que es una versión limpia de pecado de una serie de mitos y temas que son, por naturaleza, carnales.

Ve el video en el sitio original.

9. Partido de bésibol vampírico.

Otro concepto irresistible, situado en la primera entrega, al ritmo de Muse. ¿Que queréis que os diga? No figuraba entre mis destinos más inmediatos ponerme a reírme a carcajadas viendo esto, pero lo hice. Porque a veces, queridos, lo sublime no se alcanza por vía consciente sino por otros destinos, menos obvios.

10. Parodias maravillosas.
Como esta del SNL, del todo insuperable, con un inspirado Bill Hader.

Taquilla española | George Clooney sigue en la cima a pesar de los vampiros y el FBI

Juan Luis Caviaro — Wed, 01 Feb 2012 19:31:54 GMT

Sorprendente el éxito que está teniendo ‘Los descendientes’ (‘The Descendants’) en nuestro país. Por segunda semana consecutiva, la película protagonizada por George Clooney se mantiene en la cima de la taquilla española con una recaudación que supera ya los 4 millones de euros. No tenía fácil conservar el primer puesto ante la llegada de dos estrenos potentes, la última entrega de la franquicia ‘Underworld’ (número uno en EE.UU.) y lo nuevo de Clint Eastwood, con Leonardo DiCaprio encabezando el reparto. ‘Underworld: El despertar’ (‘Underworld: Awakening’) contaba con el gancho comercial del 3D y la presencia de la atractiva Kate Beckinsale repartiendo hostias a diestro y siniestro (una propuesta similar a las de la rentable saga de ‘Resident Evil’) pero solo ha recaudado poco más de un millón y medio de euros en las 525 salas en las que la ha distribuido Sony (la de Clooney se proyectaba en 200 menos).

Warner ofrecía ‘J. Edgar’ en más de 300 pantallas y la película ha logrado el segundo mejor promedio de la semana, solo superada por la de Clooney. Teniendo en cuenta que no ha conseguido ni una sola nominación al Oscar (muy extraño) y las novedades que vienen en las próximas semanas, no parece probable que el público español vaya a mantener durante mucho tiempo el nuevo trabajo de Eastwood entre las diez más taquilleras. Una lista en la que ya no aparece ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘The Girl with the Dragon Tattoo’), tan solo tres semanas después del estreno. Triste, pero se compensa con la subida de ‘The Artist’, que ahora se puede ver en 127 cines (a buena hora ha reaccionado Alta Films). También llama la atención la pobre recaudación de ‘Albert Nobbs’, pese a contar con Glenn Close (nominada al Oscar) y dos jóvenes promesas que aumentan su número de fans con cada película, Mia Wasikowska y Aaron Johnson. Tampoco ha habido suerte para ‘El monje’ (‘Le moine’), con Vincent Cassel de protagonista, que en su estreno solo ha logrado 68.000 euros con 76 copias, o ‘Silencio en la nieve’, lo nuevo de Gerardo Herrero, que ha perdido un 59% de recaudación en su segunda semana en cartelera (su total es de 333.000 euros).

PD: Este viernes se estrenan ‘Katmandú, un espejo en el cielo’, ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’, ‘Promoción fantasma’ y ‘Los Muppets’. ¿Apostáis por Clooney, Pitt, Arévalo o la rana Gustazo?

Datos | Eleconomista

'Skyfall', nueva imagen oficial de Daniel Craig como el agente 007

Juan Luis Caviaro — Wed, 01 Feb 2012 14:11:58 GMT

Un par de semanas después de que se distribuyese aquella foto de un musculoso Daniel Craig sentado al borde de una piscina, la web oficial de la franquicia 007 ha publicado una nueva que dicen que es la primera imagen oficial de ‘Skyfall’. James Bond durante una misión en Shanghai. Pues vale. Entonces la otra no era totalmente oficial o quizá fue cosa de una orgullosa Rachel Weisz que fotografió a su hombre durante un descanso del rodaje. Da igual. Lo que les importa es que se hable de la película y que los fans se vuelvan locos con cada pedacito del film que sale a la luz. Se estrena el 26 de octubre en Reino Unido y el 9 de noviembre en España.

Sam Mendes (‘American Beauty’, ‘Revolutionay Road’) dirige la 23ª entrega de las aventuras cinematográficas del agente secreto creado por Ian Fleming y encarnado por tercera vez por Craig. Completan el interesante reparto Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw, Helen McCrory, Bérénice Marlohe, Ola Rapace y Albert Finney, entre otros. Neal Purvis, Robert Wade y John Logan firman el guion de ’007: Skyfall’, donde la lealtad de Bond a M será puesta a prueba cuando el pasado de ésta salga a la superficie para atormentarla; el MI6 es atacado y Bond debe acabar con la amenaza, sin importar las consecuencias personales de sus actos. Yo no me la pienso perder, pero hay otros títulos de 2012 que me interesan mucho más, como los nuevos trabajos de David Cronenberg, Woody Allen, Terrence Malick, Wong Kar-wai o Quentin Tarantino. ¿Y vosotros, estáis impacientes por el estreno de ‘Skyfall’?

PD: Roger Deakins se ocupa de la fotografía y Thomas Newman de la música.

Vía | 007

'Anna Karenina', primeras imágenes de lo nuevo de Joe Wright

Juan Luis Caviaro — Wed, 01 Feb 2012 12:21:55 GMT

Ya han aparecido las primeras imágenes oficiales de la nueva adaptación al cine de ‘Anna Karenina’ que está llevando a cabo Joe Wright, el director de ‘Expiación’ (‘Atonement’) o ‘Hanna’, entre otras. En estas primeras fotos podemos descubrir el aspecto que presentarán en pantalla los tres actores principales del reparto, Keira Knightley, Jude Law y Aaron Johnson (‘Kick-Ass’, ‘Albert Nobbs’); la primera encarna a la protagonista, el segundo a su marido y el tercero a su amante. Por el momento no hay fecha de estreno pero se espera que la película llegue a los cines a finales de este año, a tiempo para lograr nominaciones al Oscar.

Puede que a muchos les resulte innecesario o aburrido que se haga otra película basada en la famosa novela de León Tostói, pero la forma en la que Wright ha adaptado el material es bastante peculiar y atrevida. Toda la película se ha filmado en un solo set, un teatro construido a las afueras de Londres, donde el mundo exterior está representado por trenes de juguete y casas de muñecas. Veremos cómo queda eso en pantalla, el cineasta inglés asegura que el motivo es reflejar con mayor precisión el tema de la novela: la búsqueda de una vida auténtica. Tom Stoppard firma el guion de ‘Anna Karenina’, en la que una aristócrata infelizmente casada se enamora de un joven militar, surgiendo entre ambos un apasionado romance que no podrán mantener en secreto, provocando un escándalo social de trágicas consecuencias. Vuelvo a recomendar la película de 1935 dirigida por Clarence Brown, con Greta Garbo y Fredric March. Es en blanco y negro, pero desde ‘The Artist’ eso ha dejado de ser un problema, ¿verdad?

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Emily Watson, Matthew Macfadyen, Domhnall Gleeson, Kelly Macdonald y Michelle Dockery también intervienen en el film.

Vía | FilmStage

Comienza el rodaje del thriller de terror 'Afterparty', que se desarrollará como un slasher

Beatriz Maldivia — Wed, 01 Feb 2012 08:03:27 GMT

Esta semana ha dado comienzo el rodaje de ‘Afterparty’, película que dirige el debutante Miguel Larraya, a quien avala su trayectoria como guionista y realizador de televisión (‘HKM’, ‘Cuarto milenio’) y director de cortos (‘Para no dormir’ o ‘Estocolmo’).

‘Afterparty’, a la que han calificado de “escalofriante” thriller de terror, nos lleva hasta Carlos, un joven protagonista de una exitosa serie de TV quien, tras una fiesta salvaje, despierta encerrado en una casa, junto a tres chicas a las que conoció la noche anterior. A modo de slasher, la película irá mostrando las muertes de otros jóvenes que también se encuentran acorralados en la mansión, ejecutadas por un misterioso personaje vestido como el asesino que aparece en la serie que protagoniza Carlos. Éste y sus tres compañeras de encierro reciben los vídeos de los asesinatos a través de un móvil desde el que no pueden llamar.

La característica que más me echa para atrás a mí particularmente, pero que a su vez puede granjearle un gran éxito comercial, es su aspiración a triunfar entre un público muy joven. Con esta idea, se ha elegido un reparto casi desconocido de promesas como Alicia Sanz, Ana Caldas, Andrea Dueso, Rocío León y Juan Blanco, que acompañarán al protagonista, Luis Fernández (‘XP3D’, ‘Tres metros sobre el cielo’, la serie ‘Los Protegidos’). Las colaboraciones especiales de Úrsula Corberó y David Seijo suponen lo más célebre del elenco.

Aunque suene a producción barata, debido a la ausencia de rostros consagrados y al ahorro en escenarios y desplazamientos que supone ambientar la totalidad de la película en un caserón, detrás de este proyecto se encuentra Telecinco Cinema, división cinematográfica de la cadena de televisión, que ha parido triunfos como ‘El orfanato’, ‘Alatriste’, ‘No habrá paz para los malvados’, ‘Verbo’ o ‘Ágora’, así como Telespan 2000, productora responsable hasta ahora de ‘Lobos de Arga’, ‘No controles’ y ‘Pagafantas’, entre otras. La colaboración de ambos ya dado como fruto éxitos entre los que se cuentan ‘El otro lado de la cama’, ‘Días de fútbol’, ‘Los dos lados de la cama’ o ‘Torremolinos 73’.

Vía | Vértice cine.

Entrevista a Nicolás Alcalá, director de 'El Cosmonauta': "Gustará a los cinéfilos y a tu madre"

Mikel Zorrilla — Wed, 01 Feb 2012 07:01:18 GMT

España tiene el honor de ser el país de origen (aunque está realizada en régimen de coproducción con Rusia) de una de las películas que más ha dado de hablar en Internet en los últimos tiempos. Su título es ‘El Cosmonauta’, y nos cuenta la historia de la desaparición en el espacio del primer astronauta ruso en la luna. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, clama haber vuelto a la Tierra y haberla encontrado vacía. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos. Por si alguno de vosotros no conoce cuál es la particularidad detrás de esta película, os comento que ‘El Cosmonauta’ basa gran parte de su financiación en el crowfunding, es decir, que cualquiera podía convertirse en productor a través de una pequeña aportación económica, recibiendo a cambio una cantidad de los beneficios que se obtengan. Además, se utilizan licencias Creative Commons y será distribuida a través de internet, DVD, televisión y cine al mismo tiempo.

Nos encontramos ante un proyecto pionero en nuestro país y detrás de él encontramos a un montón de amantes del cine en la productora Riot Cinema Collective, pero entre todos ellos sobresale el nombre de Nicolás Alcalá, director y guionista de ‘El Cosmonauta’, siendo esta obra su debut en el cine. Nicolás ha tenido la gentileza de darnos una entrevista en la que comentar más aspectos sobre todo el trabajo que ha habido detrás de la dificultosa realización de ‘El Cosmonauta’.

¿Cuándo y de dónde surge la idea de hacer ‘El Cosmonauta‘?

Bruno (Teixidor, uno de los fundadores de Riot Cinema Collective) me envió un Mail contandome la historia de Ivan Stochniokov, el cosmonauta fantasma. Comencé a obsesionarme por las leyendas de cosmonautas desaparecidos y mas tarde por toda la carrera espacial soviética, casi desconocida pero fascinante. Poco a poco se configuró la historia del cortometraje que mas tarde seria El Cosmonauta (ya como largo). Hacerlo con crowdfunding (en aquel entonces había solo dos o tres proyectos en el mundo), creative commons, etc son cosas que estuvieron ahí desde el principio, poco a poco les hemos ido dando forma hasta llegar a The Plan 2, nuestra estrategia de distribución actual.

¿En qué momento decidisteis intentar conseguir también financiación, aunque sólo fuese parte de ella, por los métodos habituales?

Desde el inicio. Pero como un complemento. Nunca pretendimos financiar todo con crowdfunding (las estimaciones siempre fueron del 5%, aunque han acabado siendo del 60%, es decir, un exitazo). Siempre planteamos un modelo mixto de financiación tradicional (no subvención a proyecto, pero sí preventas, inversión privada y marcas) y crowdfunding.

¿Y cuántas personas individuales han aportado su granito de arena por pequeño que haya sido? ¿Hay algún inversor que se viniera atrás en su promesa?

Más de 3500 productores y más de 650 inversores. Más los más de 50 personas del equipo que han ayudado en mayor o menor medida a hacer esto realidad. El único inversor que no ha cumplido su promesa hasta ahora ha sido Alisa Green, nuestra ex co-productora, que falló en ingresar 120.000€ a una semana del rodaje, poniendo en riesgo más de 3 años de trabajo. Por suerte, el problema económico se resolvió.

¿Y cómo conseguisteis solucionarlo teniendo tan poco tiempo para ello y siendo una suma tan elevada?

Hicimos un video contando qué había pasado y diciendo que no íbamos a parar hasta conseguirlo (con dinero o sin él). Y abrimos una campaña para conseguir el dinero en un mes, mediante inversiones de 100€ o más. En 72 horas habíamos conseguido 120.000€, batiendo todos los records mundiales de crowdfunding en una cantidad de tiempo tan pequeña. Al final hemos conseguido casi 300.000€ para la película mediante crowdfunding, convirtiéndonos en uno de los 2 o 3 proyectos más exitosos del mundo. Fue absolutamente increíble. Es el poder que da tener una comunidad comprometida detrás. Están ahí para lo bueno y para lo malo.

¿Cuál fue el punto en el que viste que ‘El Cosmonauta’ ya iba a ser seguro una realidad pese a los posibles dificultades que pudieran ir apareciendo?

Hace tres años, cuando decidimos hacer el proyecto. Jamás he dudado de que esto fuera a ser una realidad a pesar de las dificultades.

¿Habéis tenido que hacer algún cambio en el guión para no saliros del presupuesto?

Antes del rodaje tuve que reducir el guión en unas 30 secuencias, no tanto por una cuestión de presupuesto si no de tiempo (aunque al final son casi sinónimos). Nos salían 12 semanas de rodaje y tuvimos que reducirlo a 8, que aun así es un montón para una película independiente. Luego, como en todo rodaje, surgen imprevistos. Cuando, por ejemplo, nos denegaron desde roscosmos el permiso para rodar en Star City, donde entrenan los cosmonautas desde 1961 y que ya habíamos visitado varias veces, hubo que readaptar todas esas localizaciones a Letonia, donde estábamos rodando el resto de la peli.

¿Hay alguna de esas 30 secuencias que lamentes especialmente haber tenido que eliminar?

Las dos que transcurrían en la centrifugadora y la piscina de entrenamiento de Star City y que no pudimos rodar porque no nos dejaron rodar allí. ¡La burocracia rusa es imposible!

¿Ofrecisteis la posibilidad de aparecer en la película a alguna de las muchas personas que aportaron lo que pudieron para que la película saliera adelante?

No, no ofrecimos la oportunidad por dos motivos: 1- Teníamos unas fechas de rodaje casi imposibles y un equipo de producción reducido al mínimo. Habría sido una locura ponernos a coordinar algo así. 2- Principalmente, rodábamos en Letonia. Un poco complicado ya que la mayoría de nuestra comunidad es española.

¿Tenéis algún posible plan para una secuela si ese éxito se amplia cuando llegue su estreno o es una película completamente cerrada a posibles continuaciones?

Jajaja, yo he tenido suficientes cosmonautas por un tiempo. Empezaremos con otro proyecto que, confiamos, será tan bueno como este. Y creemos que si es un éxito la gente querrá seguirnos a nosotros por la manera en que hacemos las cosas.

¿Os está costando encontrar la distribución adecuada para cuando llegue su estreno dado lo novedoso de vuestra apuesta?

Mucho. Y no porque no estén interesados o porque no vean que va a ser un éxito y a llenar las salas, sino por la presión que ejercen unos y otros, ya que ven peligrar su modelo de negocio actual. Si El Cosmonauta se estrena sin ventanas de exhibición, el mismo día en todas las plataformas, gratis en internet, etc, y resulta ser un éxito… muchas cosas pueden cambiar. Evidentemente, no a todo el mundo le interesa. Pero nuestro propósito firme no es enfrentarnos a la industria tradicional sino tender lazos e intentar buscar consensos para demostrar que hay otra manera de hacer las cosas, pero hacerlo con la participación de esa industria. Abrirles puertas, opciones, darles ideas y construir juntos. Siempre ha sido uno de nuestros objetivos principales: encontrar un camino para los dos, no paralelo. Poco a poco creemos que irán entrando en razón y al final, si la película es buena como creemos que va a ser, encontrará su lugar en las televisiones y los cines, pero a nuestra manera.

¿Intentaréis hacer alguna presentación inicial en algún festival de cine o también hay muchas trabas por ahí?

Es la idea. Estrenar en un festival grande. Ahora mismo estamos con 3 en mente. Nos escribieron de Sundance super interesados (esto le pasa a una de cada mil pelis!) pero lo que les enviamos era un montaje muy muy en bruto y sin terminar. Esta misma semana vienen a verla desde la Berlinale, donde también se han mostrado súper interesados y también nos han ampliado el deadline en Sxsw, el que ahora mismo es el festival de cine independiente más importante, consolidándose incluso por delante de Sundance. Si nada de esto funciona, lo intentaremos con Cannes. Y una vez estrenada en un festival, haremos el estreno oficial un poquito después. De momento los festivales no nos han puesto trabas porque con ellos haremos el estreno en exclusiva, pero a la hora de presentarlo después a otros, una vez estrenada en internet, probablemente sí que nos pongan pegas.

¿Y los acuerdos para su estreno por otros canales están siendo complicados o ahí estáis encontrando mayores facilidades?

Televisiones son difíciles, pero nos han escuchado más. Estamos en charlas con un par, a ver qué sale. No pinta mal. Más tarde iremos a las internacionales, pero eso será cuando cerremos con un distribuidor internacional que sea capaz de moverlo (ya estamos en conversaciones con algunos de los mejores). Con VOD está siendo fácil. Casi todas las plataformas quieren tenerla. Ya veremos si le damos la exclusividad a alguna, pero lo dudo. Probablemente estará en todas, con diferentes contenidos y valor añadido en cada una de ellas. En dvd no hubo ningún problema. Hace más de año y medio que Cameo se comprometió a editar el dvd, incluso sin haber visto la película en un gesto de confianza por su parte, y ahora están encantados con la idea. Vamos a editar la peli no sólo en dvd y bluray si no también en USB. Va a ser la primera vez en España.

¿Vais a cuidar la edición en dvd y otros dispositivos físicos con el agregado de extras elaborados y extensos para fomentar su venta? ¿Y dedicaréis alguno de los extras a explicar el asunto del crowfunding y/o a las muchísimas personas que han aprotado su pequeño granito de arena económico?

Por supuesto. Toneladas. Además, pensamos editar un libro sobre El Cosmonauta que tendrá contenidos del transmedia relacionados con la película y una parte que será una crónica de cómo empezó esta aventura y las mil cosas que han pasado en estos tres años. Algo así como: “101 cosas que aprendimos con El Cosmonauta”.

¿Qué puede esperar la gente de ‘El Cosmonauta’?

Una historia de encuentros y desencuentros entre tres personajes que se ven rodeados por algunos de los acontecimientos más relevantes de la historia de la humanidad durante la carrera espacial. Poesía, algo de acción y ciencia ficción en una película que además tiene el plus de ser parte de la historia viva del cine.

Gustará a los cinéfilos y a tu madre.

Fotos de Miki Ávila

'Giallo', la decadencia de Dario Argento

Alberto Abuín — Tue, 31 Jan 2012 21:44:50 GMT

Dario Argento fue durante los 70 el máximo representante del giallo, subgénero de misterio y terror, basado en novelas policiacas publicadas en los años 30 en Italia y cuyas portadas eran amarillas, que es lo que significa la palabra giallo. Los orígenes cinemtográficos podemos encontrarlos en el gran Mario Bava y su ‘La muchacha quesabía demasiado’ (‘La ragazza che sapeva troppo’, 1963). Luego directores como Lucio Fulci o Aldo Lado contribuyeron a fomentar el género. Incluso en los USA se hicieron eco de ello con la nada desdeñable ‘Black Christmas’ (id, Bob Clark, 1974), pero fue sobre todo Dario Argento quien le dio el espaldarazo definitivo al subgénero con films como ‘El pájaro de las plumas de cristal’ (‘L’uccello dalle piume di cristallo’, 1970), ‘El gato de las nueve colas’ (‘Il gatto a nove code’, 1971) o la que un servidor considera su mejor película, ‘Rojo oscuro’ (‘Profondo rosso’, 1975).

A finales de este año la editorial Cátedra publicará un libro como resultado de un ambicioso proyecto, un diccionario de directores, en el cual a un servidor le ha tocado hablar entre otros, de Dario Argento. Revisando su filmografía, me he encontrado con el típico dicho de que el tiempo no perdona, y es verdad en algunos casos. Ha supuesto para mí una grandísima decepción el comprobar como películas como la famosa ‘Suspiria’ (id, 1977) se revelan como insensateces mal narradas, con argumentos de lo más forzado y únicamente salvables en su uso del color. Por supuesto también me he visto algunas de sus películas más recientes, como es el caso de esta ‘Giallo’ (id, 2008), que hace referencia en su título al subgénero que le dio la fama y el reconocimiento. El resultado no está, desgraciadamente, ni a la altura de sus peores películas, que ya es decir.

‘Giallo’ está producida por nada más y nada menos que Adrien Brody, que a saber qué interés tenía en poner dinero en un producto de semejantes características. Tal vez se considera un fan de Argento y ha hecho realidad uno de sus sueños. El caso es que Brody susituye al inicialmente previsto Ray Liotta, y también a Vincent Gallo, quien se salió del proyecto tras enterarse de que su ex-prometida, Asia Argento, hija del realizador y probablemente lo mejor que ha hecho el director nunca, iba a protagonizarla. Al final no pudo ser porque la actriz estaba embarazada y fue sustituida por Emmanuelle Seigner, esposa de Roman Polanski, para quien trabajó en las imprescindibles ‘Frenético’ (‘Frantic, 1988) o ‘Lunas de hiel’ (‘Bitter Moon’, 1992). Brody se permitió además el capricho de dar vida a los dos personajes antagonistas, haciendo un anagrama con su nombre haciéndose llamar Byron Diedra.

Un asesino en serie está poniendo en jaque a la policía italiana con una serie de horrendos crímenes en los que mata a chicas guapas —qué original el tío—, obsesionando hasta límites insospechados al Inspector de policía Enzo Avolfi (Brody), quien recibirá la ayuda de la hermana de una modelo desaparecida —personaje a cargo de la española Elsa Pataky— para resolver el caso de una vez por todas. Lo dicho, una estupidez de guión, que demuestra una vez más que Argento jamás ha sido un buen guionista —tal vez al respecto cabe citar que su mejor trabajo es su historia para la impresionante ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il Wes’, Sergio Leone, 1968), en la que no escribió ni una sola línea para el guión—; aunque su gusto por el color rojo sigue bien patente en ‘Giallo’, pero esta vez totalmente desaprovechado, renunciando así a la creación de una adecuada atmósfera de terror o suspense.

Dejando a un lado que las motivaciones del asesino, quien para colmo tiene una enfermedad en los riñoñes por lo que su piel es de color amarillo, homenaje a la palabra giallo ya de por sí ridícula, son de lo más absurdas, lo que más sorprende es ver a Adrien Brody metido en la piel de dos personajes. Por un lado el inspector encargado y obsesionado con el caso, y que no tiene ni la más mínima profundidad, ni siquiera el actor es capaz de dotar al mismo de un mínimo de personalidad. Por otro, y con un poco de maquillaje que lo convierte prácticamente en un muñeco feo de feria, al asesino, el cual es más bien torpe a la hora de secuestrar a sus víctimas, incluso cuando acaba con ellas. Lo cierto es que uno se pregunta cómo la policía tarda tanto en atraparle. Podemos encontrar incongruencias, por así llamarlas, de este tipo en muchas cintas del giallo, pero que el villano de la función se presente tan poca cosa como en el caso que nos ocupa es algo que llama poderosamente la atención, arruinando buena parte de la función, pues no causa ni el más mínimo temor.

Emmanuelle Seigner también demuestra que cualquier tiempo pasado fue mejor, haciéndose cargo de un personaje totalmente imprescindible. A su lado Elsa Pataky lo hace mucho mejor como la víctima sufridora con la que hay alguna escena sangrienta, de obligada presencia en toda cinta de estas características. Al respecto cabe citar también que el film se queda corto en sus escenas sangrientas, y también bastante cutre, algo inesperado en un realizador que nunca ha escatimado a la hora de mostrar sangre. En cualquier caso, sus mayores defectos provienen de un ritmo inexistente por culpa de una penosa narración, y la sensación de que ninguno de sus artífices se ha creído absolutamente nada de la historia. Próximamente Argento estrenará su particular versión sobre el vampiro más famoso de todos los tiempos, y en 3D. Qué miedo.

'7500', tráiler de la nueva película de terror de Takashi Shimizu

Juan Luis Caviaro — Tue, 31 Jan 2012 21:33:15 GMT

‘7500’ es el nuevo film de terror del japonés Takashi Shimizu, el director que se dio a conocer con ‘La maldición’ (‘Ju On’) y sus múltiples secuelas y versiones. También es el título de una nueva pesadilla para las aerolíneas, que pueden perder no pocos clientes con otra película donde los protagonistas sufren y mueren a bordo de un avión. Con lo seguro que es volar… lo jodido es atravesar los aeropuertos. El tráiler ha salido hoy y lo tenéis ahí arriba, es breve e intrigante, sale gente guapa y hay susticos. ¿Un avión lleno de fantasmas? Sí, eso parece.

Sería un producto perfecto para que Samuel L. Jackson o Nicolas Cage nos deleitaran de nuevo con sus divertidas sobreatuaciones, pero se ve que los productores no podían gastar demasiado dinero. Ryan Kwanten (‘True Blood’), Amy Smart, Leslie Bibb, Johnathon Schaech, Nicky Whelan, Alex Frost, Jamie Chung, Jerry Ferrara, Megan Taylor, Christian Serratos y Scout Taylor-Compton son los principales rostros del elenco de la película, que ha escrito Craig Rosenberg, guionista de ‘Perdidos’ (‘Lost’), ‘En la tiniebla’ (‘Half Light’) o ‘Presencias extrañas’ (‘The Uninvited’). La trama de ‘7500’ tiene lugar en un vuelo a través del Océano Pacífico en el que, tras la muerte de un pasajero, comienzan a pasar cosas extrañas y sangrientas. CBS Films estrenará el film el 31 de agosto en Estados Unidos. Por el momento no hay fecha para su llegada a los cines españoles.

PD: Kwanten es el protagonista de un western muy recomendable titulado ‘Red Hill’. Es de 2010 pero todavía no se ha estrenado aquí.

'Bel Ami' con Robert Pattinson, carteles

Juan Luis Caviaro — Tue, 31 Jan 2012 21:23:19 GMT

Tentación. Seducción. Obsesión.

Aquí os dejo el cartel del drama ‘Bel Ami’, la nueva adaptación cinematográfica de la novela de Guy de Maupassant, con Robert Pattinson en el papel protagonista. Hacía tiempo que no sabíamos nada de esta película, que debía haber llegado a los cines a finales de octubre. Mala señal. El tráiler lleva circulando por Internet desde el pasado verano, por si queréis volver a echarle un vistazo. ‘Bel Ami’ tendrá su estreno mundial durante la próxima edición del festival de Berlín, concretamente el 17 de febrero; el 2 de marzo llegará a las carteleras de EE.UU. y de momento no hay fecha para España, para desesperación de las fans de Pattinson.

El famoso actor, del que David Cronenberg habla maravillas, interpreta en este film a Georges Duroy, un joven sin dinero que llega al París de finales del siglo XIX. Gracias a su ingenio y su capacidad de seducción, Georges asciende rápidamente relacionándose con las mujeres adecuadas hasta convertirse en uno de los hombres más exitosos de la ciudad… Uma Thurman, Kristin Scott Thomas, Christina Ricci, Colm Meaney, Holly Grainger, Natalia Tena y James Lance son algunos de los actores que comparten escenas con Pattinson (creo que solo las mujeres llegan a compartir la cama pero no estoy seguro, no he leído el libro). Rachel Bennette firma el guion de ‘Bel Ami’, que ha sido dirigida por los debutantes Declan Donnellan y Nick Ormerod. ¿Os interesa? Quiero decir, si vuestra chica no os obligara, ¿iríais a verla?

Actualización: Ha aparecido un nuevo cartel, con pocas diferencias. Lo tenéis a continuación…

PD: Marion Cotillard y Nicole Kidman rechazaron participar en la película.

Vía | Impawards

'American Gigolo', el estilo trascendental en Hollywood

Pablo Muñoz — Tue, 31 Jan 2012 20:23:47 GMT

Ve el video en el sitio original.

Sucede con Paul Schrader un caso curioso, desde luego, porque en su biografía pesa tanto el hecho de que tuvo una férrea educación calvinista que mencionarlo es casi un topicazo, flaco favor al hecho de que Schrader es uno de los pocos norteamericanos con una obra crítica antes que fílmica y tan interesante como notable. Escribió, con mucha precisión, sobre Boetticher, glosó las virtudes de Buñuel y admiró profundamente a Dreyer y Bresson, a los que dedicó su ensayo sobre el estilo trascendental, en los que hablaba de ellos, junto a Ozu, como los tres exponentes de este estilo. Luego incluiría a Sokurov en un artículo también incisivo y profundo.

En todo caso, el Schrader crítico quedó eclipsado pronto por ser el autor de libretos de cintas bien conocidas de los setenta, siendo la más importante ‘Taxi Driver’ (id, 1976) de Martin Scorsese, una colaboración absolutamente inspirada. Schrader pronto intentó ser también un cineasta y ‘American Gigolo’ (id, 1980), su tercera película como director es un caso bastante curioso de un Hollywood posible, embriagador, extraño.

La película, usando una estructura de cine negro fatalista relativamente sencilla, narra la historia de un gigolo que pronto se verá envuelto en un escándalo por la inocencia. Si en su primera mitad importa la historia de amor que mantiene con una extraña cliente, una mujer adinerada con la que mantiene conversaciones sobre sexo y lo que es real o no, en la segunda, la acusación que pesa sobre él de haber matado a una cliente reciente marcará su descenso a los infiernos.

Ve el video en el sitio original.

En su crítica de ‘Masculin-Femenin’, Schrader habla de Godard como alguien que ha descubierto que el “futuro no será la ideología, el futuro será la cultura juvenil de consumo”. Añade después En una de las escenas más memorables de su película, su gigolo se sienta, con un poster de torso de fondo. El estilo de esta película, marcado por los compases de Giorgio Moroder y el himno Call Me de Blondie, es extraño: una aplicación de los orígenes de Schrader, un amante impresionado de las aportaciones de Robert Bresson, en un sistema absolutamente contrario a estas. La propuesta de Schrader no es quimérica, es decididamente contranatural.

Tiene razón Dave Kehr cuando escribe que el referente aquí no es tanto el Bresson de ‘Pickpocket’ (id, 1959) sino ‘Al azar, Baltasar’ (Au Hazhard, Balthazar, 1966) comparando al burro en proceso de santidad con el gigolo. En su anterior ‘Hardcore: Un mundo oculto’ (Hardcore, 1979), Schrader probó, con un delirio impresionante, mezclar los motivos narrativos de ‘Centauros del desierto’ (The Searchers, 1956) con el universo bressoniano, con resultados visualmente interesantes y bastante desencajados, pero aquí al menos comprende que un esquema á la Siodmak (o a lo Pickpocket, por no salir de Bresson) si resulta adecuado. El problema es que la película hace demasiadas concesiones narrativas a la trama de tensión: si toda la película fuera tan climática como el largo plano secuencia de Richard Gere entrando a la discoteca o el primer acto, estaríamos ante un clásico y la culminación de un crítico/cineasta.

Es cierto que el estilo de la película impide que entremos en sus personajes. También que hay un exceso de diálogos con el policía encarnado por Hector Elizondo. Y que la película parece mucho más interesante cuando es sencillamente una crónica de una revelación trascendental por parte de un personaje decididamente antipático, rigurosamente vestido por Giorgio Armani, que descubre sus sentimientos. Me parece una decisión arriesgada, acertando también en su actor principal, un Richard Gere pletórico, sensual y esforzado. Schrader comete excesos escatológicos en sus diálogos, pero se atreve con un anticlímax en toda regla: su dirección tampoco se intuye como la plentitud de un estilista sino como la tentativa de un aprendiz, ya esforzado por salir de la sombra gigante de Scorsese.

'Troll Hunter', el proyecto de los trolls de Noruega

Alberto Abuín — Tue, 31 Jan 2012 18:37:40 GMT

En 1999 dos tipos de los que ahora nadie se acuerda, llamados Daniel Myrick y Eduardo Sánchez escribieron y dirigieron una película titulada ‘El proyecto de la bruja de Balir’ (‘The Blair Witch Project’) con la que se rieron de medio planeta —supongo que el otro medio vive con la felicidad que supone el no haberla visto—, logrando gracias a una excelente campaña de marketing que el público acudiese en masa a las salas a ver lo que yo considero una de las más grandes tomaduras de pelo de toda la historia del cine. Dejando a un lado que cualquiera de los films que dirigieron por separado a posteriori son mucho más interesante que el mencionado —sobre todo ‘Alterado’ (‘Altered’, Eduardo Sánchez, 2006)— poco se imaginaban estos dos que su invento iba a revolucionar a las audiencias diez años después.

El subgénero llamado found footage, por aquello de la cámara subjetiva, o bien mockumentary, por aquello de hacer pasar por cierto algo ficticio, ha tenido con la correcta ‘Paranormal Activity’ (id, Oren Peli, 2007) uno de sus máximos exponentes, iniciando esta una saga que ha seguido cosechando montones de dinero a pesar de lo bochornoso de sus secuelas. Films patrios como ‘[Rec]’ (id, Paco Plaza y Jaume Balagueró, 2007) o ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’, Matt Reeves, 2008), por citar más ejemplos, se sumaron a la moda desarrollando con más eficacia las posibilidades de la cámara subjetiva, convirtiéndola en un personaje más de la función. Ahora nos llega al mercado casero español la noruega ‘Troll Hunter’ (‘Trolljegeren’, André Øvredal, 2010), que juega en la misma liga, añadiendo algo de mitología al asunto.

Resulta curioso como algunas de estas películas jamás llegan a nuestras pantallas, y otras, como el caso que nos ocupa se estrenan directamente en DVD. Quiero decir con esto que muchas de esas películas, caso de cierto bodrio protagonizado por Milla Jovovich y cuyo título me niego a decir, no merecerían ni distribución, y en cambio otras que sí merecerían que las conociese más gente, terminan en el mercado casero, siempre más menospreciado por el espectador. ‘Troll Hunter’ no es ninguna maravilla, al fin y al cabo su premisa es mínima, el desarrollo justo y su sensación de déjà vu, constante. Pero hay en ella elementos suficientes para defenderla y destacarla entre tanta mediocridad del mencionado subgénero. La gracia, nunca mejor dicho, está en haber renunciado a la moda imperante, esto es, infectados y fantasmas varios que no descansan y quieren hacer su agosto entre los vivos.

En este caso se ha echado mano de la mitología escandinava y se ha vuelto sobre una serie de criaturas cuyo término se usa más en lugares como la red en la que abundan los blogs personales o comerciales como éste. Evidentemente me refiero a los trolls, cuya imagen parece deformarse con el paso del tiempo y ahora nos referimos a ellos cuando hablamos de esos insensatos que no tienen nada que hacer con sus vidas más que meterse con los demás sólo por pura diversión. A los trolls a los que me refiero son evidentemente esas figuras mitológicas tan poco exploradas en el cine, y que en ‘Troll Hunter’ están bañados con cierto encanto a pesar de su peligrosidad. El film de Øvredal añade además ciertas gotas de humor a la historia, sin renunciar en ningún momento al relato de terror puro y duro, pero como en este campo cada vez es más difícil sorprender al poco exigente espectador —menuda contradicción— la comedia le da cierta frescura al producto.

Con la sempiterna coletilla de “esta grabación se encontró sin saberse nada del destino de sus autores”, y que ya cansa porque hay que ser muy, pero muy burro para creerse que algunas de las películas pertenecientes a este subgénero son grabaciones reales, el film nos narra cómo unos jóvenes estudiantes se adentran en la Noruega profunda, maravillosamente fotografiada, para investigar las misteriosas muertes de osos salvajes. Una vez allí se encontrarán con la figura de un enigmático cazador —excelente Otto Jespersen— que caza precisamente trolls. Resulta admirable la capacidad del realizador para lograr que nos creamos lo dicho y que no resulte ni forzado ni ridículo, sobre todo dado el aspecto de algunos de los trolls que aparecen en pantalla, eso sí, muy fugazmente. Cabe señalar los excelentes efectos visuales, a pesar del muy limitado presupuesto, y lo bien que Øvredal films a los trolls, nunca demasiado y sí lo suficiente, sobre todo en su extraño tramo final.

En su contra cabe decir que durante su desarrollo el film se vuelve demasiado monótono y parece no ir hacia ningún lado concreto, como también el finalizarlo porque sí apoyándose en la excusa de que son grabaciones y no se encontraron más. La monotonía conduce un poco hacia el aburrimiento y esa sensación de ya visto antes comentada. Afortunadamente el tono de comedia en ciertos instantes animan la función sobremanera, las referencias al trabajo social que hace el cazador, y la rueda de prensa final son detalles cómicos que valen su peso en oro, inteligemente introducidos en la historia. Y también la simpatía que desprenden algunos de los monstruos. En cualquier caso un producto más digno de lo que parece a pesar de las limitaciones del propio subgénero.